러시아 아이콘 스타일의 형성을 읽습니다. 비잔틴 아이콘

아이콘은 단어와 동일한 의미를 갖습니다. 그리스 출신문자 그대로 "이미지"를 의미합니다. 비잔티움은 아이콘의 발상지로 간주되며 그곳에서 이 "이미지"가 탄생했습니다.

흥미롭게도, 초기 기독교 전통에는 인간이 전능자의 형상을 만드는 규칙이 없었습니다. 이것은 "우상 만들기"를 금지하는 구약의 계명 중 하나와 그러한 이미지를 이교도 숭배와 직접적으로 연결하는 것에 의해 설명되었습니다. 첫 번째는 신을 묘사할 가능성을 완전히 부정했으며, 이 전통은 여전히 ​​다른 것(이슬람, 유대교)에 남아 있습니다.

한편, 이러한 상황에서는 신자들에게 기독교의 기본 사상과 이미지를 "상기시키는"적절한 상징을 사용하는 것이 허용되는 것으로 간주되었지만, 이는 그들만이 이해할 수 있었습니다. 따라서 최초의 기독교인을 섬긴 카타콤바에서 벽은 특별한 이미지로 장식되었으며 그 중에는 예를 들어 다음과 같은 상징이 있습니다.

• 물고기 위에 얹은 빵 바구니는 빵 다섯 개와 물고기 두 마리로 천 명을 먹이고, 빵을 불어넣는 기적을 상징합니다.
• 포도나무 - 주님께서 심으신 것 같이
• 비둘기, 배 등

점차적으로 의인화된(즉, 인간과 같은) 형상으로서의 하나님의 형상이 나타나기 시작합니다. 이와 함께 성상숭배자와 성상파괴자의 충돌과정이라 불리는 지적 논쟁과 투쟁이 발생하고 심화된다. 역사적으로 이것은 세속 당국에 의해 아이콘 숭배 금지가 ​​처음으로 공식화 된 8-9 세기의시기입니다 ( 비잔틴 황제레오 3세), 그리고 교회(754년 공의회).

이 투쟁의 결과로 843년 공의회의 권위에 의해 이콘 숭배도 공식적으로 허용되었습니다. 이것은 "처음부터" 수행된 것이 아니며, 그 당시 비잔티움의 신학자들은 해당 아이콘 이론에 포함된 전체 조화로운 시스템을 개발했습니다. 이러한 사상의 거물 중에는 이제 “교회의 아버지”인 Studite Theodore와 Damascus의 John이 있습니다.

기독교 아이콘 이론

하나님의 형상인 이콘은 상징으로 인식되어 인간과 보이지 않는 세계 사이의 중재자임을 선언하였다.

이미지에는 고유한 계층 구조가 있습니다.

• 신은 원형이다
• 로고스(하나님의 실현된 말씀) – 두 번째 유형의 이미지
• 인간은 세 번째 종이다.

주요 질문은 보이지 않는 하나님을 어떻게 묘사할 수 있는가 하는 것입니다. 전설에 따르면 하나님은 장로들과 선지자들에게 하늘의 빛, 불타는 떨기나무, 세 명의 여행자의 모습으로 나타나셨다고 합니다. 이것은 구약의 전통입니다. 신약의 역사에서 우리는 하나님의 또 다른 형상을 알고 있습니다. 이것은 사람의 모습으로 세상에 나타난 주님의 아들입니다. 이 이미지는 육화된 인간을 통해 초자연적이고 천상의 신성이 우리 앞에 나타날 때 아이콘에 사용되도록 허용되었습니다. 즉, 아이콘 숭배에 대한 허가는 그리스도 성육신의 주요 교리에 기초를 두었습니다.

아버지 하나님 자신은 비잔틴 성화 화가들에 의해 결코 묘사되지 않았지만, 유럽 지역과 러시아에서는 삼위일체의 제1위가 백발의 노인으로 표현될 수 있는 성화가 있었습니다.

그러나 10세기에 이르러 아이콘의 상징성, 장르, 도상학 유형이 구체화되기 시작한 것은 비잔티움에서였습니다.

기독교 아이콘의 정경

정식성은 아이콘의 주요 특징 또는 특징이라고 할 수 있습니다. 이 이미지는 교회 관행에 사용되고 사람과 하나님 사이의 연결을 확립하기 위해 사용되어야 했기 때문에 그 안에 있는 모든 것은 동일한 "규칙"을 따라야 했습니다. 정경. 이 정경은 주로 신학적인 내용 요소에 의해 결정되었고 그 다음에는 미학에 의해서만 결정되었습니다. 이미지 구성, 아이콘 모양, 색상, 액세서리 등 교리에 의해 결정되어 모든 신자들에게 이해가 가능해졌습니다.

그러한 정식 조항은 기독교의 출현과 함께 직접적으로 나타나지 않았으며, 반대로 고대 문화에서는 이에 대해 어느 정도 알고있었습니다. 이집트 예술은 높은 수준의 정경성을 특징으로 하며, 정경은 고대 문화에도 존재했지만 작은 규모의 의미로 존재했습니다.

기독교 문화에서 정경은 또한 충분한 평균 수준의 아이콘 실행을 제공했으며 이미지 샘플은 검증, 선택 및 접근 가능했으며 이미 안정적인 아이콘 이미지 모델이 있었기 때문에 "발명"하거나 "저작자"로 개발할 필요가 없었습니다. 무엇보다도 중세 시대에는 주인이 작품에 서명조차 하지 않았으며 모든 아이콘은 "익명의 사람들"에 의해 만들어졌습니다.

도상학적 캐논은 다음 요소로 확장되었습니다.

아이콘 이미지의 플롯 및 구성

아이콘의 구성은 성경과 일치하며 내용 요소의 선택은 교회에 맡겨졌습니다. 이 순서나 저 순서를 구현하기 위해 아이콘 페인터는 전체 이미지가 이미 제시되고 지정된 샘플, 슬릿 및 소위 "설명 원본"을 가지고 있었습니다. 신자들이 아이콘을 인식하고 본질적으로 아이콘을 구별할 수 있었던 것은 이러한 주제 구성 "표준"에 의해서였습니다.

흥미로운 점은 12세기 이후 러시아에서 비잔틴 대포지역 전통에 따라 안정적인 유형의 도상학이 "변경"되거나 심지어 새로운 도상학이 나타날 때 겪기 시작합니다. 예를 들어, 이것이 성모 마리아 중보의 정경이나 특정 지역의 성도들의 이미지가 있는 아이콘이 발생한 방법입니다.

아이콘 그림

공식적으로는 그림의 묘사도 엄격하게 "규제"되었습니다. 따라서 주요(또는 의미상 주요) 도형은 정면에 위치해야 했습니다. 신자를 대면합니다. 그것은 움직이지 않고 크게 주어졌습니다. 이러한 인물이 아이콘의 "중심"이었습니다. 이 플롯에서 덜 중요한 수치는 프로필에 표시되었으며 움직임, 복잡한 포즈 등이 특징입니다. 아이콘에 사람이 있으면 머리를 강조한 길쭉한 인물로 묘사되었습니다. 사람 얼굴이었다면 눈에 띄었을 텐데 윗부분눈, 이마를 강조한 얼굴. 이런 식으로 감각적인 것보다 영적인 것이 우월하다는 것이 강조되었습니다. 대조적으로, 남자의 입은 실체가 없고, 코는 가늘고, 턱은 작은 것으로 묘사되었다. 성인의 이미지에는 얼굴 옆에 이름이 적혀 있습니다.

러시아 도상학의 색상

아이콘 이미지의 색상 상징도 엄격하게 표준입니다. 한편, 러시아의 도상학 전통은 유난히 밝고 풍부한 팔레트와 색 구성표가 특징입니다.

비잔틴 전통은 신성한 빛 자체를 반사하는 황금색의 본질적인 우월성을 특징으로 합니다. 이러한 아이콘에서는 배경과 중요한 세부 사항이미지 – 후광, 십자가 등 러시아 아이콘에서는 금이 페인트로 대체되고 비잔티움에서 매우 중요했던 보라색 (황제의 힘)은 전혀 사용되지 않습니다.

아이콘의 빨간색은 배경이 빨간색으로 덮여 비잔틴 금을 대체하는 Novgorod 학교에서 가장 널리 사용됩니다. 내용적으로 보면 구속주의 피의 색깔, 즉 생명의 불꽃을 상징하게 될 것이다.

흰색의 경우 신성한 빛과 순결의 의미가 규정되었습니다. 그것은 그리스도와 의인과 성도들의 옷에 사용되었습니다.

흑인의 경우 죽음과 지옥의 상징에 따라 내용이 결정되었습니다. 일반적으로 매우 드물게 사용되었으며 필요한 경우 파란색이나 갈색의 어두운 톤으로 대체될 수 있습니다.

녹색은 대지의 색이었습니다(프스코프 아이콘 그림 학교에서 주로 나타남). 이 색은 하늘이나 왕실에 반대되는 것처럼 보였습니다.

파란색은 하늘, 영원을 상징하며 진리의 의미를 가지고 있었습니다. 구주와 하나님의 어머니는 모두 푸른 옷을 입으실 수 있었습니다.

아이콘 안의 공간

그림의 배열과 이미지 공간 자체의 구성은 캐논의 또 다른 중요한 구성 요소입니다. 오늘날 우리는 예술에서 사용할 수 있는 공간의 평면 디스플레이 세 가지 유형에 대해 알고 있습니다. 전망은 다음과 같습니다.

• 직선(동심 공간). 르네상스 시대의 특징으로 작가의 적극적인 입장과 관점을 표현
• 평행(정적 공간). 이미지는 동양 미술과 고대 그리스의 전형적인 캔버스를 따라 위치합니다.
• 반대(편심 공간). 아이콘 페인팅의 표준으로 선택됨

이 관점은 아이콘이 창으로 이해되지 않았을 때 독단적 조항의 본질을 반영했습니다. 현실 세계, 르네상스 그림이지만 천상의 세계를 "현시"하는 방식입니다. 여기서 그가 묘사하는 것을 보는 것은 예술가가 아니라 신자를 보는 아이콘의 성격입니다. 공간 자체는 상징적입니다.

• 언덕은 산을 나타낼 수 있고,
• 덤불은 숲 전체이고,
• 교회 전구-도시 전체.

따라서 아이콘은 땅과 하늘을 연결하는 수직선을 가질 수 있습니다. 따라서 이미지의 아래쪽 부분에는 움직이고 변하기 쉬운 인간이 주어지고 위쪽 부분에는 영원, 하늘의 세계가 주어집니다.

러시아 아이콘 그림의 장르

• 바이트안 문자
• 잠언
• 정직한 아이콘(이 "섹션"은 나중에 아이콘 그림에 표시됩니다)

이러한 정의를 기반으로 장르 기능이 형성되며 그 중 가장 중요한 기능은 다음과 같습니다.

역사적이고 전설적인

저것들. 창세기에 기초하여 신성한 역사에서 일어난 사건의 줄거리를 기록하고 재현합니다.

러시아 아이콘 그림의 이 장르는 내러티브(문맹 신자를 위한 "교회 알파벳"), 세부 사항, 활력 및 이동성을 특징으로 합니다.

상징적 독단적

저것들. "비유"를 기반으로합니다.

그것들은 구성의 엄격함, 교리에 대한 집착의 경직성, 인물의 추상성, 줄거리의 거의 부족이 특징입니다. 주요 강조점은 상징주의와 정식 의미론적 요소입니다. 예 - “오란타”, “성체성사”, .

개인적이거나 "정직한"

저것들. 특정 인물, 즉 성자, 사도를 기리기 위해 작성되었습니다.

이 도상화 장르의 특징은 얼굴과 인물의 정면성과 배경의 추상성이다. 이미지 자체는 절반 길이일 수도 있고 전체 길이일 수도 있으며, 성자의 삶이 존재할 수도 있습니다(얼굴은 그의 삶의 줄거리 내용이 담긴 조각(우표)으로 둘러싸여 있습니다).

테오토코스 주기의 장르

이것은 위의 세 가지 장르 요소가 모두 하나의 전체로 합쳐지는 러시아 아이콘 그림의 특별한 장르입니다. 리키 하나님의 어머니아기와 함께하는 이야기는 거의 확실하다고 설명됩니다. 역사적 사건, 이것이 특정 기독교 교리가 (성육신, 구원, 희생)을 확인하고 엄청난 상징적 부담을 전달하는 방식입니다.

Rus의 성모 마리아 아이콘 그림은 가장 존경받고 사랑받는 장르 중 하나입니다. 축복받은 동정녀의 도상학에는 여러 가지 고유한 이미지 유형이 있으며 이에 대해서는 별도로 논의하겠습니다. 별도의 글에서 우리는 러시아 성상화의 역사와 그 학파를 고려할 것입니다.

마음에 들었나요? 당신의 기쁨을 세상으로부터 숨기지 말고 공유하세요

사찰그림 프로그램은 어떻게 탄생하게 되었나요? 학문적 그림 스타일을 정식이라고 부를 수 있습니까? 우리는 Tsargrad 아이콘 페인팅 워크숍의 책임자인 예술가 Dmitry Trofimov와의 대화에서 이것과 기타 많은 질문을 다루었습니다. 우리는 이 대화의 두 번째 부분에 주목하겠습니다.

Tsargrad 워크숍은 2007년부터 운영되어 왔습니다. 그녀는 Seraphim-Diveevo 수녀원의 성모 마리아 탄생, Borisov 연못의 삼위 일체 (모스크바), Tarusa 근처 Istomino 마을의 가정 교회 및 St 사원의 성화상을 그렸습니다. . Kulikovo 필드의 Radonezh의 Sergius, 크라스노고르스크의 위대한 순교자이자 치료사 Panteleimon 교회, Vladimir의 부활 그리스도, 모스크바의 명예 교회 등

– 사찰 그림 프로그램은 어떻게 탄생했나요?

– 그림을 그리기 시작하면 흰 벽이 보입니다. 문과 창문이 열리고 부서진 벽만 있는 어떤 공간입니다. 예술가가 변화시켜야 할 일종의 혼돈과도 같습니다. 우리는 레지스터를 구성하고 벽을 나눕니다. 대부분의 경우 페인팅 프로그램은 세 사람, 즉 예술가, 사원의 총장, 유사점과 도상학적인 솔루션을 제안할 수 있는 미술 평론가의 작업입니다. 교회의 그림은 여러 의미 수준으로 나눌 수 있습니다. 교훈: 아이콘의 언어를 통해 우리는 성경과 전통에 대해 이야기합니다. 상징적 차원은 신앙의 영적인 의미를 말합니다. 그리고 전례적이고 신비로운 - 그것은 성찬례의 눈에 보이는 이미지와 관련된 교회의 성찬 자체를 드러냅니다.

– "Tsargrad" 워크샵에는 장식 예술가, 장식 예술가, 장식 예술가로 노동이 구분되어 있습니다. 각 예술가는 자신에게 할당된 작업을 수행하고 여러 마스터가 아이콘 작업을 수행합니다. 이것이 어떻게 어울리는가? 창의성, 예술가의 자유?

- 같이 가요. 초보자는 먼저 장식, 글꼴을 그리고 획을 그립니다. 사람은 팀에 합류하고 스타일을 느껴야합니다. 팀의 창의적인 성격은 리더에 의해 형성됩니다. 아티스트에게 옷을 칠하는 방법, 선택할 색상, 그리고 해마다 끊임없이 추천함으로써 형성됩니다. 협동일반적인 손글씨가 생깁니다. 리더는 지휘자와 같습니다. 지휘자가 다른 오케스트라가 같은 작품을 연주해도 소리가 다르게 들리는 이유는 무엇입니까? 오케스트라는 결성되는 데 수년이 걸리고 사람들은 서로를 느끼며 10개의 바이올린이 함께 울립니다. 아이콘 페인팅에서도 마찬가지입니다. 특정 주문을 위해 팀이 구성되는 경우에는 이런 일이 발생하지 않습니다. 재능 있는 장인이라도 하나가 되기 위해서는 오랜 시간 함께 일해야 합니다. 우리는 약 15명으로 구성된 영구 팀을 보유하고 있습니다. 고대에는 항상 사원을 "표시"한 신호수에 의해 그림이 시작되었습니다. 그는 날카로운 금속 스타일러스로 벽을 그렸습니다. 그런 다음 색상으로 오프닝(그림의 오프닝)이 왔습니다. 장식주의자와 개인주의자 사이에는 항상 구분이 있어 왔습니다. 그리고 아이콘이 만들어지든 그림이 만들어지든 관리자의 임무는 전체의 조화를 찾고 공간을 구조화하는 것입니다. 그래서 관리자는 페인팅 프로그램을 개발하고 스케치를 한다. 그러나 일부 스타일에서는 아이콘이 항상 한 사람에 의해 그려집니다. 예를 들어 학술 스타일에서는...

– 표준적인 스타일과 학술적인 스타일을 모두 사용하여 글을 쓰시나요?

– 소위 스타일은 본질적으로 그림의 언어입니다. 많은 언어를 아는 다중언어자가 있습니다. 그러나 대부분의 사람들은 한두 가지 언어를 사용합니다. 창의성에서도 마찬가지다. 예술가가 모든 스타일에 동등하게 능숙할 것이라고 기대할 수는 없습니다. 각 스타일은 해당 시대의 문화, 고유한 이미지 시스템, 고유한 리듬의 특별한 세계입니다. 우리는 대규모 팀을 구성했는데, 일부는 학문적 스타일로만 글을 쓰고, 다른 일부는 17세기 스타일로, 다른 일부는 비잔틴 스타일로 글을 썼습니다. 오늘은 19세기 스타일로 작업하고 내일은 14세기 스타일로 개인 작품을 쓴다면, 성공하려면 뛰어난 예술가가 되어야 합니다.

– 사찰을 건립 당시보다 더 오래된 시대의 스타일로 그리는 것이 가능하다고 생각하시나요?

– 실내 장식의 성격이 사찰의 건축물과 조화를 이루는 것이 매우 중요합니다. 하지만 시대와 정확히 일치할 필요는 없습니다. 가장 중요한 것은 문체적 통일성입니다. 비잔틴 건축을 분석해 보면 러시아 교회의 건축과 유사하다는 것을 알 수 있습니다. XVIII 후반- 19세기 초 - 따라서 그림을 그릴 때 비잔틴 문체를 살펴볼 수 있습니다. 내 생각에는 콤니누스 예술의 시대인 11~12세기는 예술적 언어 측면에서 가장 유익한 시대 중 하나입니다. 그 상징성과 가소성은 매우 풍부하고 표현력이 풍부합니다. 오늘날 러시아에서 적절한 예술적 수준으로 행해지고 있는 많은 일들은 정확히 이 시기와 관련하여 행해진 것입니다. 그러나 19세기 교회에 있는 15세기 러시아 양식의 그림은 불협화음을 유발할 수 있습니다.

– 아이콘 페인팅 스타일은 일반적으로 표준 및 학술 스타일로 구분됩니다. 학문적 그림이 비표준적인 것으로 밝혀졌습니다.

– 교회 미술에는 다른 언어들. 2천년 동안 각 시대는 영원한 진리를 표현하는 고유한 방식을 탄생시켰습니다. 복음에 나오는 것처럼 부활절 예배다양한 언어로 읽혀졌고, 다양한 시대와 국가의 예술가들이 우리 신앙의 본질에 대해 다양한 언어로 말했습니다. 그러나 교회 예술의 스타일 다른 시대같은 충만 함과 깊이로 정통성을 표현하지 않았습니다. 어떤 사람들은 학문적 그림을 경멸하며 대합니다. 그러나 총회 기간 동안 많은 성도들의 축복을 받았습니다. 동일한 구세주 그리스도 대성당(스타일과 도상학)은 Saint Philaret(Drozdov)의 승인을 받았습니다. 이것은 단지 하나의 예일 뿐입니다. 이 시기의 모든 성인들은 도상학의 발전이나 예술가들의 작품 승인에 참여했습니다. 적어도 그들에 대한 존경심 때문에 학술 회화에 대해 범주화할 수는 없습니다. 그러나 우리는 학문주의의 언어가 충분히 완전하지 않다고 말할 수 있습니다.

비잔틴과 고대 러시아 미술(18세기까지)에서는 요한계시록의 의미가 특정한 상징적 언어를 통해 표현되었습니다. 이 언어를 사용하면 영적 현실을 더 쉽게 설명할 수 있습니다. 우리가 역사적 수직을 구축한다면 카타콤 회화, 라벤나 모자이크, 비잔티움, 프레스코화에서 우리에게 온 것을 생각해 보세요. 고대 러시아', – 그러면 우리는 예술적 기술만 변경되었지만 기본은 변경되지 않았음을 알 수 있습니다. 14세기에 공식화된 헤시카즘의 교리는 이 언어의 신학적 기초, 즉 빛의 교리를 제공했으며, 우리는 성도들의 얼굴에서 그들 자신에게서 나오는 광채를 봅니다. 이는 13세기의 이미지뿐만 아니라 훨씬 이전의 이미지에도 적용됩니다. 학술 회화는 완전히 다른 패턴을 가지고 있습니다. 지상 교회를 묘사하기 위해서는 그 언어가 매우 적합합니다. 그러나 신성하고 영적인 것에 관해서는 학술주의의 상징만으로는 그 깊이를 표현하기에 충분하지 않습니다. 때로는 사건이 발생합니다. 18세기 스타일로 큐피드 형태로 묘사된 천사를 볼 때입니다.

– 표준 성상 그림의 상징성은 시대에 따라 다른가요?

– 초기 시대, 특히 성상 파괴 이전에는 많은 상징이 사용되었습니다. 예를 들어, 사도들은 양으로 묘사되었습니다. 성상 파괴 이전 시대의 콘차의 가장 유명한 도상학은 구세주이며, 그 아래에는 12마리의 양 프리즈가 있습니다. 라벤나 근처의 San Apolinarie Classe 교회에는 주님의 변모에 대한 암호화된 이미지가 보존되어 있습니다. 그리스도 대신에 십자가가 달린 만돌라가 묘사되어 있으며, 구성 상단에는 선지자 엘리야를 상징하는 양 두 마리가 있습니다. 그리고 선지자 모세와 맨 아래에는 사도들을 상징하는 세 사람이 더 있습니다.

– 최초의 기독교인들은 왜 구주를 상징적으로 묘사했는가?

– 카타콤바의 기독교인들은 자신의 신앙을 숨기기 위해 사실적인 그림이 아닌 상징적인 그림을 그렸다고 합니다. 그러나 카타콤바는 적어도 큰 카타콤바와 같이 당국에 알려졌습니다. 또한 우리는 최초의 기독교인의 순교, 이교도들 앞에서 그리스도를 고백하려는 열망에 대해 알고 있습니다. 아마도 복음의 의미는 예방 차원에서 암호화되어 있었을 것입니다. 그러나 종종 최초의 기독교인들은 선교 목적으로 이교에서 나온 상징을 단순히 사용했습니다. 우리는 3~4세기까지 구세주가 수염이 없는 청년으로 묘사되었음을 알 수 있습니다. 이것은 아폴로와 오르페우스 숭배에서 나온 상징주의입니다. 2세기에 살았던 로마인들은 계시록의 의미를 설명하는 데 어려움을 겪었습니다. 이미지는 사람들이 이해할 수 있는 언어로 기독교를 설명했습니다. 그리고 어제의 이교도들은 상징적 신비언어에 가까웠습니다.

– 예술가에게 아이콘 페인팅은 전 세계입니다...

– 예술을 통해 하나님을 알 수 있는 기회는 정교회의 놀라운 선물입니다. 예를 들어, 구약에서는 이전에 이것이 금지되었습니다. 그러나이 선물에는 책임과 위험이 모두 있습니다. 성상 파괴 시대가 교회에 대한 시험이었던 것은 우연이 아닙니다. 우리는 6세기 말에 어떤 경우에는 잘못된 태도아이콘에. 아이콘이 반사, 거울이지만 신성 자체가 아니라는 이해가 침해되었습니다. 존경받는 이미지에서 페인트를 긁어내고 성찬과 함께 성배에 추가한 사례가 설명되어 있습니다. 사람들은 신성한 것에 대한 더 이해하기 쉬운 이교도 수준의 태도로 옮겨갔습니다. 이에 대한 반응으로 아이콘에 대한 박해가 일반적으로 시작되었습니다. 교회 예술은 우리의 기도입니다. 아이콘 화가에게는 큰 책임이 있습니다. 하나님에 대한 지식은 창조성 안에서 성취됩니다. 이것은 우리가 없이는 살 수 없는 내적 욕구이자 행동입니다.

인터뷰: Alina Sergeychuk

자료 출처: 출판사 "Rusizdat"의 잡지 "Blagoukrasitel" No. 41(2013년 겨울).

아이콘은 지상 세계와 영적 세계 사이의 중재자이자 지휘자 인 지상의 성자 또는 신의 이미지라고 믿어집니다. 이미지 글쓰기의 발전은 고대로 거슬러 올라갑니다. 전설에 따르면 첫 번째 이미지는 그리스도가 몸을 말릴 때 수건(우브루스)에 나타난 그리스도의 각인이었습니다.

비잔틴 아이콘은 주 하나님, 하나님의 어머니 및 그녀의 아들을 묘사하려고 시도한 최초의 살아남은 이미지입니다.

이미지 작성

첫 번째 비잔틴 아이콘, 현재까지 살아남은 것은 6 세기로 거슬러 올라갑니다. 의심 할 여지없이 이전 버전이 있었지만 불행히도 살아남지 못했습니다. 최초의 기독교인들은 매우 자주 박해와 박해를 받았으며 당시의 많은 사본과 이미지는 단순히 파괴되었습니다. 게다가 당시에는 우상 숭배로 간주되었습니다.

글쓰기 스타일은 살아남은 일부 모자이크를 통해 판단할 수 있습니다. 모든 것이 아주 단순하고 금욕적이었습니다. 각 아이콘은 정신의 강인함과 이미지의 깊이를 보여주어야 했습니다.

현재 살아남은 많은 비잔틴 아이콘이 성 캐서린 수도원에 보관되어 있습니다. 그 중 가장 유명한 것은:

• "그리스도 팬토크레이터".
• "사도 베드로".
• "즉위하신 성모님"

그들의 그림 스타일 - 불길한 -은 당시 가장 인기있는 스타일 중 하나로 간주되었습니다. 그 특징은 아직 뜨거울 때에도 이미지가 왁스 페인트로 칠해진다는 것입니다. 이러한 글쓰기 방법을 통해 아이콘의 형태를 매우 사실적으로 묘사할 수 있었습니다. 나중에 이 기술은 글쓰기의 표준과 더 일치한다고 믿었기 때문에 템페라로 대체되었습니다.

또 다른 매우 흥미로운 점은 이 세 개의 아이콘이 이후 도상학에서 형성되는 중요한 이미지를 나타낸다는 점이다. 그 후, 글쓰기 스타일은 점차 상징적인 스타일로 축소되었으며, 아이콘에 묘사된 사람의 인간성이 아니라 그의 영성이 지배적이었습니다. Comnenian 시대(1059-1204)에 이미지의 얼굴은 다시 인간적으로 변했지만 영성은 그대로 유지되었습니다. 눈에 띄는 예는 블라디미르 아이콘. 18세기 콘스탄티노플의 패배에도 불구하고 성상화에는 새로운 것이 나타났습니다. 이것은 차분하고 기념비적입니다. 그 후, 비잔틴 아이콘 화가들은 얼굴과 이미지 전체의 올바른 묘사를 계속해서 찾았습니다. 14세기에는 성상에 신성한 빛을 전달하는 것이 중요해졌습니다. 콘스탄티노플을 점령할 때까지 이 방향에 대한 검색과 실험은 멈추지 않았습니다. 새로운 명작도 등장했다.

한때 비잔틴 성상화는 기독교가 전파된 모든 국가에 중대한 영향을 미쳤습니다.

러시아의 그림 아이콘

러시아의 첫 번째 이미지는 Rus의 세례 직후에 나타났습니다. 이것은 주문에 따라 그려진 비잔틴 아이콘이었습니다. 석사도 훈련에 초대되었습니다. 따라서 처음에는 비잔틴의 영향을 많이 받았습니다.

11세기에 키예프 페체르스크 라브라(Kiev Pechersk Lavra)에 첫 번째 학교가 세워졌습니다. 첫 번째 유명한 아이콘 화가가 등장했습니다. Alypius와 그의 "협력자"는 한 원고인 Gregory에 기록되어 있습니다. 키예프에서 기독교가 다른 러시아 도시로 퍼졌다고 믿어집니다. 이와 함께 아이콘 페인팅이 제공됩니다.

얼마 후 노브고로드, 프스코프, 모스크바에 매우 큰 학교가 세워졌습니다. 그들 각각은 글쓰기에서 자신의 특성을 형성했습니다. 이때 이미지에 서명하고 저작권을 할당하는 방식이 사용되었습니다. 16세기부터 러시아 문체는 비잔틴 문체에서 완전히 분리되어 독립되었다고 말할 수 있습니다.

특히 학교에 대해 이야기하면 Novgorod 학교의 특징은 단순성과 간결함, 음색의 밝기 및 큰 형태였습니다. 프스코프 학교에는 좀 더 비대칭적인 부정확한 그림이 있지만 특정한 표현력이 부여됩니다. 짙은 녹색, 짙은 체리색, 주황색 색조의 빨간색이 우세한 약간 우울한 색상이 특징입니다. 아이콘의 배경은 노란색인 경우가 많습니다.

모스크바 학교는 당시 아이콘 그림의 정점으로 간주됩니다. 그녀는 콘스탄티노플에서 특정 전통을 가져온 작품에 큰 영향을 받았습니다. 이와 별도로 아이콘의 훌륭한 예를 만든 Andrei Rublev의 작업이있었습니다. 그의 작품에서 그는 15세기 비잔티움의 특징적인 문체를 사용했습니다. 동시에 그는 러시아의 지시도 적용했다. 최종 결과는 놀라운 스타일의 이미지였습니다.

러시아의 도상학은 자신의 길을 따랐지만 비잔티움에서 사용 가능한 모든 유형의 아이콘 쓰기를 유지했다는 점에 유의해야 합니다. 물론 시간이 지남에 따라 다소 변형되었으며 심지어 새로운 것이 나타났습니다. 이것은 새로운 정식 성인들의 출현으로 인해 일어났습니다. 특별한 숭배비잔티움에서는 거의 중요하지 않은 것들.

17세기에 러시아의 성상화는 영적인 것보다 예술적인 것이 점점 더 많아졌고 전례 없는 범위를 얻었습니다. 명인의 가치가 점점 높아지고 있으며 사원을 칠하기 위해 다른 나라로 파견되기도 합니다. 러시아 아이콘은 많은 사람들에게 주문되고 판매됩니다. 정교회 국가. 이후 몇 년 동안 이 기술은 숙달된 경우에만 확인되었습니다.

소련 시대 러시아의 아이콘 그림은 쇠퇴를 겪었고 일부 고대 이미지가 손실되었습니다. 그러나 이제 서서히 부활하면서 이 분야에서 성공을 거두는 새로운 예술가들이 등장하고 있다.

신자들의 삶에서 하나님의 어머니의 아이콘의 의미

하나님의 어머니는 항상 점유하고 계셨습니다. 특별한 장소기독교에서. 처음부터 그녀는 중재자이자 보호자였습니다. 상인, 도시 및 국가도 포함됩니다. 분명히 이것이 하나님의 어머니의 아이콘이 너무 많은 이유입니다. 전설에 따르면, 그 첫 번째 이미지는 전도자 누가가 그렸습니다. 특별한 것이 있다 기적의 힘. 또한, 다양한 이미지로 작성된 일부 목록은 시간이 지남에 따라 치유되고 보호되는 역할을 했습니다.

하나님의 어머니의 어떤 아이콘이 어떤 방식으로 도움이되는지 이야기한다면, 다양한 문제에 대해 다양한 이미지의 도움을 요청해야한다는 것을 알아야합니다. 예를 들어, "잃어버린 자 찾기"라고 불리는 하나님의 어머니의 이미지는 두통, 안구 질환에 도움이 될 것이며 알코올 중독에도 도움이 될 것입니다. "먹을 가치가 있습니다"아이콘이 도움이 될 것입니다. 각종 질병영혼과 육체를 모두 보호하며, 어떤 일이 끝나면 그녀에게 기도하는 것도 좋습니다.

하나님의 어머니의 아이콘 유형

하나님의 어머니의 각 이미지는 아이콘 작성 유형에서 이해할 수있는 고유 한 의미를 가지고 있음을 알 수 있습니다. 유형은 비잔티움에서 다시 형성되었습니다. 그 중 눈에 띄는 것은 다음과 같다.

오란타(기도)

이것은 하나님의 어머니의 초기 기독교 비잔틴 아이콘이 제시되는 방식으로, 그녀는 아기없이 손바닥을 바깥쪽으로 벌린 채 팔을 들어 올린 상태로 전체 높이 또는 허리 깊이로 묘사됩니다. 비슷한 이미지가 로마 카타콤바에서도 발견되었으며, 도상학적 유형은 843년 이후 더욱 널리 퍼졌습니다. 주요 의미는 하나님의 어머니의 중보와 중재입니다.

가슴 높이의 둥근 메달에 아기 그리스도와 함께 있는 성모 마리아 이미지의 변형도 있습니다. 러시아 도상학에서는 "The Sign"이라고 부릅니다. 이미지의 의미는 주현절입니다.

유명한 아이콘:

• "야로슬라프스카야".
• “무진장 성배” 등

호데게트리아(가이드북)

이러한 유형의 하느님의 어머니에 대한 비잔틴 성상은 6세기 이후 기독교 세계 전역에 널리 퍼졌습니다. 전설에 따르면 전도자 루크도 처음으로 그것을 썼습니다. 얼마 후 아이콘은 콘스탄티노플의 중보자가되었습니다. 원본은 포위 공격 중에 영원히 유실되었지만 많은 사본이 살아 남았습니다.

이 아이콘은 아기 그리스도를 팔에 안고 있는 하나님의 어머니를 묘사합니다. 작곡의 중심은 바로 그 사람입니다. 오른손그리스도께서는 왼손에 두루마리를 축복하시고 들고 계십니다. 하나님의 어머니는 마치 참된 길을 보여주는 듯 손으로 그를 가리킨다. 이것이 바로 이러한 유형의 이미지의 의미입니다.

유명한 아이콘:

• "카잔스카야".
• "티흐빈스카야".
• "Iverskaya"및 기타.

엘레우사(자비로운)

유사한 아이콘도 비잔티움에서 시작되었지만 러시아에서 더 널리 퍼졌습니다. 이런 스타일의 글쓰기는 나중에인 9세기에 나타났습니다. Hodegetria 유형과 매우 유사하지만 더 부드럽습니다. 여기서 아기와 하나님의 어머니의 얼굴이 서로 닿습니다. 이미지가 더욱 부드러워집니다. 이러한 유형의 아이콘은 인간 관계와 유사하게 아들에 대한 어머니의 사랑을 전달한다고 믿어집니다. 일부 버전에서는 이 이미지를 "애무"라고 합니다.

이 유형의 아이콘:

• "블라디미르스카야".
• "포차예프스카야".
• "죽은 자의 회복"등

파나란타

이러한 유형의 이미지는 11세기 비잔티움에서 나타났습니다. 그들은 제단(왕좌)에 앉아 있는 성모 마리아와 그녀의 무릎에 아기를 앉아 있는 모습을 묘사합니다. 그러한 하나님의 어머니의 아이콘은 그녀의 위대함을 상징합니다.

이 유형의 이미지는 다음과 같습니다.

• "주권자".
• “모든 것의 여왕.”
• "페체르스카야".
• "Kiprskaya"및 기타.

하나님의 어머니 "부드러움"의 아이콘 ( "기뻐하라, 신부 없는 신부")

아기가 없는 성모 마리아의 얼굴을 묘사한 "부드러움" 아이콘은 사로프의 세라핌(Seraphim of Sarov)의 것이었습니다. 그녀는 그의 방에 서 있었고 그녀 앞에는 항상 등불이 켜져 있었고 그가 고통받는 사람들에게 기름을 부은 기름이 있었고 그들은 치유되었습니다. 정확한 기원은 알려져 있지 않습니다. 이 그림은 17세기경에 그려진 것으로 추정된다. 그러나 어떤 사람들은 이 아이콘이 사로프의 세라핌에게 드러났다고 생각합니다. 특별한 관계하나님의 어머니와 함께. 그녀는 그를 질병에서 두 번 이상 구했으며 종종 환상에 나타났습니다.

장로가 죽은 후 "부드러움"아이콘이 Diveyevo 수녀원에 물려졌습니다. 그 이후로 많은 목록이 작성되었으며 그중 일부는 기적이 되었습니다.

이미지는 반쪽짜리 이미지입니다. 아들이 없는 신의 어머니가 가슴에 팔짱을 끼고 머리를 살짝 숙인 모습을 묘사하고 있습니다. 이것은 하나님의 어머니의 가장 부드러운 이미지 중 하나입니다. 그녀는 그리스도의 탄생 이전에 묘사되었지만 성령이 그녀에게 강림한 후에 묘사됩니다. 이것은 하나님의 어머니의 여성 아이콘입니다. 그녀는 어떻게 도와주나요? 이미지는 10세에서 30세 사이의 소녀와 여성에게 특히 중요합니다. 그에게 기도하면 어려운 십대 시절을 완화하고 처녀의 순수함과 순결을 보존할 수 있다고 믿어집니다. 이 아이콘은 또한 아이를 임신하고 태어날 때 보조자이기도 합니다.

하나님의 어머니의 Pochaev 아이콘

이것은 성모 마리아의 또 다른 유명한 이미지입니다. 그는 오랫동안 기적적인 행위로 유명해졌으며 정교회 신자들 사이에서 높은 존경을 받고 있습니다. Pochaev 아이콘은 고대의 Holy Dormition에 있습니다. 정통적인 장소. 이 이미지는 1597년 지역 지주인 안나 고이스카야가 기증한 것입니다. 그 전에 그녀는 그리스 메트로폴리탄 Neophytos로부터 선물로 받았습니다. 아이콘은 온도를 사용하여 비잔틴 스타일로 그려져 있습니다. 그것으로 최소 300개의 두루마리가 만들어졌고 나중에 기적이 되었습니다.

Pochaev 아이콘은 침략자로부터 수도원을 여러 번 구했으며 또한 그 도움으로 많은 치유가 수행되었습니다. 이후 이 형상에 기도를 드려 외침을 막고 안과 질환을 치료하는 데 도움이 되었습니다.

"비탄"

"슬픔" 아이콘은 눈꺼풀로 덮힌 내리뜬 눈을 가진 하나님의 어머니의 이미지입니다. 전체 이미지는 잃어버린 아들에 대한 어머니의 슬픔을 보여줍니다. 신의 어머니는 홀로 그려져 있고, 아기와 함께 있는 모습도 있다.

다양한 철자 옵션이 있습니다. 예를 들어, 예루살렘의 그리스도 경계 예배당에는 눈물을 흘리는 하나님의 어머니를 묘사하는 고대 아이콘이 있습니다. 러시아에서는 치유로 유명한 '모든 슬픔의 기쁨'이라는 기적적인 이미지가 인기를 끌고 있습니다.

"슬픔" 아이콘은 사랑하는 사람을 잃었을 때 조력자이자 구세주이며, 이 이미지에 대한기도는 영생에 대한 믿음을 강화하는 데 도움이 될 것입니다.

신의 어머니 스몰렌스크 아이콘의 유래

이 이미지는 도상학적 유형으로 볼 때 Hodegetria에 속하며 이것이 가장 유명한 아이콘. 이것이 원본인지 아니면 단순한 목록인지는 확실하지 않습니다. 러시아에서는 스몰렌스크 아이콘 1046년에 왔습니다. 이는 콘스탄틴 9세 모노마흐가 자신의 딸 안나가 체르니고프의 브세볼로드 야로슬라비치 왕자와 결혼하도록 축복한 것과 같았습니다. Vsevolod의 아들 Vladimir Monomakh는 이 아이콘을 스몰렌스크로 옮겼고, 그곳에서 그가 또한 지은 성모 영면 교회에 보관했습니다. 이것이 이 이미지의 이름을 얻은 방법입니다.

그 후 아이콘은 다양한 기적을 행했습니다. 예를 들어, 1239는 Smolensk에 치명적일 수 있습니다. 당시 바투의 거대한 무리는 러시아 땅을 가로질러 도시에 접근하고 있었습니다. 주민들의기도와 하나님의 어머니가 환상에 나타난 전사 머큐리의 위업을 통해 스몰 렌 스크는 구원을 받았습니다.

아이콘은 자주 여행했습니다. 1398년에 모스크바로 옮겨져 수태고지 대성당에 안치되었으며, 1456년까지 그곳에 남아있었습니다. 올해 목록이 작성되어 모스크바에 남겨졌고 원본은 스몰렌스크로 다시 보내졌습니다. 그 후 이미지는 러시아 땅의 통일의 상징이되었습니다.

그런데 신의 어머니(비잔틴)의 원래 아이콘은 1940년 이후 사라졌습니다. 1920년대 법령에 따라 그녀는 박물관에 압수되었으며 그 이후 그녀의 운명은 알려지지 않았습니다. 이제 가정 대성당에는 두루마리라는 또 다른 아이콘이 있습니다. 1602년에 쓰여졌습니다.

사로프의 세라핌의 아이콘

Sarov의 Seraphim은 Diveyevo 여성 수도원을 설립하고 이후 후원자가 된 러시아 기적의 일꾼입니다. 그는 어릴 때부터 하나님의 표징을 받았고, 종탑에서 떨어진 후 하나님의 어머니의 성상 앞에서 기도를 드린 후 병에서 구출되었습니다. 동시에 성자는 그녀에 대한 환상을 보았습니다. 세라핌은 항상 수도원주의를 위해 노력했기 때문에 1778년에 사로프 수도원의 수련자로 받아들여졌고, 1786년에 그곳에서 수도사가 되었습니다.

수도사 세라핌은 주 예수 그리스도에 대한 환상을 본 후에도 천사를 자주 보았습니다. 그 후 성인은 고독을 위해 노력했고 사막 생활을 경험했습니다. 그는 또한 천일 동안 기둥을 지키는 위업을 수행했습니다. 이번 공격의 대부분은 아직 알려지지 않았습니다. 얼마 후 Sarov의 Seraphim은 다리 질환으로 걸을 수 없어 Sarov 수도원으로 돌아 왔습니다. 그곳의 오래된 감방에서 그는 하나님의 어머니 "부드러움"의 아이콘 앞에서 계속기도했습니다.

이야기에 따르면 얼마 후 하나님의 어머니는 그에게 은둔 생활을 그만두고 인간의 영혼을 치유하기 시작하라고 명령했습니다. 그는 투시력과 기적의 선물을 받았습니다. 분명히 이것이 오늘날 Sarov의 Seraphim 아이콘이 신자에게 매우 중요한 이유입니다. 스님은 그의 죽음을 알고 미리 준비했습니다. 나는 영적인 자녀들에게도 그녀에 대해 이야기했습니다. 그는 평생 동안 그와 함께 계셨던 하나님의 어머니의 성상 앞에서 기도하고 있는 것이 발견되었습니다. 세라핌이 죽은 후, 그의 무덤에서 많은 기적이 행해졌고, 1903년에 그는 시성되었습니다.

Sarov의 Seraphim 아이콘은 우울한 사람들에게 의미가 있습니다. 기도는 슬픔에도 도움이 될 것입니다. 육체적, 영적 질병에서 성자의 아이콘이 도움이 될 것입니다. Sarov의 Seraphim도 있습니다.

Radonezh의 Sergius의 아이콘

Radonezh의 Sergius는 Rus에서 가장 존경받는 성인 중 한 명입니다. 그는 Trinity-Sergius Lavra의 창시자입니다. 그는 또한 최초의 대 수도 원장이었습니다. 성 세르지오 자신이 수도원 생활을 엄격하게 준수했기 때문에 삼위 일체 수도원의 헌장은 매우 엄격했습니다. 얼마 후 그는 형제들의 불만으로 인해 떠나야 했습니다. 다른 곳에서는 키르자흐 수태고지 수도원(Kirzhach Annunciation Monastery)을 설립했습니다. 그는 삼위일체 수도원으로 돌아가라는 요청을 받았기 때문에 그곳에 오래 머물지 않았습니다. 그가 1392년에 하나님께로 떠난 곳이 바로 그곳이었습니다.

Radonezh의 Sergius의 가장 오래된 hagiographic 아이콘은 1420년대에 제작되었습니다. 이제 그것은 Trinity-Sergius Lavra에 있습니다. 이것은 성 세르지오의 반신상이 수놓인 표지이며, 그 주위에는 그의 삶의 흔적이 19개 있습니다.

오늘날 Radonezh의 아이콘이 두 개 이상 있습니다. 모스크바의 가정 대성당에도 이미지가 있습니다. 그것은 XV-XVI 세기의 전환기로 거슬러 올라갑니다. 박물관에서. A. Rublev는 이 시대의 또 다른 아이콘입니다.

Radonezh의 이미지는 신체적, 정신적 질병뿐만 아니라 일상적인 문제. 그들은 나쁜 영향으로부터 아이들을 보호하고 학업 실패를 피하기 위해 필요한 경우 성인에게 의지합니다. 성 세르지오의 형상 앞에서의 기도는 교만한 자에게 유익합니다. Radonezh의 아이콘은 기독교 신자들 사이에서 매우 존경받습니다.

성 베드로와 페브로니아의 이미지

무롬의 피터와 페브로니아의 인생 이야기는 가족 관계에 있는 동안에도 주님께 얼마나 경건하고 헌신할 수 있는지를 보여줍니다. 그들의 가족 생활은 Fevronia가 미래의 남편의 몸에 생긴 딱지와 궤양을 치료하면서 시작되었습니다. 이를 위해 그녀는 그가 치료된 후에 결혼해 달라고 요청했습니다. 물론 왕자는 독화살 개구리의 딸과 결혼하고 싶지 않았지만 Fevronia는 이것을 예견했습니다. 왕자의 병이 다시 시작되었고, 심지어 왕자는 그녀와 결혼했습니다. 그들은 함께 통치하기 시작했고 그들의 경건함으로 유명해졌습니다.

물론 통치에는 구름이 없었습니다. 그들은 도시에서 추방된 후 다시 돌아오라는 요청을 받았습니다. 그 후 그들은 노년까지 통치하다가 수도원 생활을 했습니다. 부부는 얇은 칸막이가 있는 하나의 관에 묻혀달라고 요청했지만 그들의 명령은 이행되지 않았습니다. 그러므로 그들은 두 번이나 옮겨졌습니다. 다른 사원그러나 그들은 여전히 ​​​​기적적으로 함께하게되었습니다.

그녀는 진정한 기독교 결혼의 후원자입니다. 1618년으로 거슬러 올라가는 성도들의 삶의 이미지는 현재 무롬스크의 역사 및 미술관에 있습니다. 또한 다른 교회에서도 성인의 아이콘을 찾을 수 있습니다. 예를 들어, 모스크바의 주님 승천 교회에는 유물 조각이 포함된 이미지가 있습니다.

가디언 아이콘

한때 Rus에서는 또 다른 유형의 이미지가 나타났습니다. 이는 차원적입니다. 처음으로 그러한 아이콘은 Ivan the Terrible의 아들을 위해 그려졌습니다. 약 20개의 유사한 이미지가 오늘날까지 살아 남았습니다. 이것은 수호 아이콘이었습니다. 묘사 된 성도들은 생애가 끝날 때까지 유아의 후원자라고 믿어졌습니다. 우리 시대에는 이러한 관행이 재개되었습니다. 누구나 어린이를 위해 그러한 이미지를 주문할 수 있습니다. 이제 일반적으로 다음 용도로 사용되는 특정 아이콘 세트가 있습니다. 다양한 의식. 이는 예를 들어, 개인화된 아이콘, 결혼식, 가족 등 각 상황에 맞는 이미지를 구매하실 수 있습니다.

그렇다면 이미지가 아이콘이 되기 위해서는 도상학적 표준을 따르는 것만으로도 충분할까요? 아니면 다른 기준이 있나요? 20세기 유명한 작가들의 가벼운 손길을 지닌 일부 엄격주의자들에게는 스타일이 그러한 기준이 됩니다.
일상 속 속물적 이해에서 스타일은 단순히 정경과 혼동됩니다. 이 문제로 돌아가지 않기 위해 우리는 도상학적 캐논이 이미지의 순전히 문학적이고 명목적인 측면이라는 점을 다시 한 번 반복합니다. 누가, 어떤 옷, 설정, 행동을 아이콘에 표현해야 합니까? 유명한 풍경에서 의상을 입은 엑스트라 사진은 도상학 측면에서 완벽할 수 있습니다. 스타일은 이미지의 주제와 완전히 독립적이며 내부적으로 조화되고 통일된 세계에 대한 예술적 비전 시스템이며, 예술가와 그 이후의 시청자가 모든 것을 보는 프리즘입니다. 심판이나 풀 한 줄기, 집, 바위, 사람, 그 사람의 머리털 하나하나까지. 예술가의 개별 스타일(이러한 스타일이나 매너는 무한히 많으며 각각은 독특하며 독특한 인간 영혼의 표현임)과 더 넓은 의미의 스타일 사이에는 차이가 있습니다. 시대, 국가, 학교. 이 장에서는 "스타일"이라는 용어를 두 번째 의미로만 사용합니다.

그래서 소위 '비잔틴 양식'으로 그려진 것만이 진짜 아이콘이라는 의견이 있습니다. 과도기 시대에 러시아에서는 "Fryazhsky"라고 불리는 "학문적" 또는 "이탈리아어" 스타일은 아마도 거짓 신학의 썩은 산물일 것입니다. 서부교회, 그리고 이 스타일로 작성된 작품은 실제 아이콘이 아니며 단순히 아이콘이 아닌 것으로 추정됩니다.

현상으로서의 아이콘은 주로 교회에 속하고 교회는 학문적 스타일의 아이콘을 무조건 인식하기 때문에 이러한 관점은 이미 거짓입니다. 그리고 그것은 일상적인 실천 수준뿐만 아니라 일반 교구민의 취향과 선호도를 인식합니다 (여기서 알려진 바와 같이 오해, 뿌리 깊은 나쁜 습관 및 미신이 발생할 수 있음). 18~20세기의 위대한 성인들은 "아카데믹" 스타일로 그려진 아이콘 앞에서 기도했으며, 발람(Valaam)이나 아토스 수도원과 같은 뛰어난 영적 센터의 워크샵을 포함하여 수도원 워크샵이 이 스타일로 작업되었습니다. 러시아 정교회의 최고 계층은 학계 예술가들에게 아이콘을 주문했습니다. 예를 들어 Viktor Vasnetsov의 작품과 같은 일부 아이콘은 최근 증가하는 "비잔틴"스타일의 인기와 충돌하지 않고 여러 세대에 걸쳐 사람들에게 알려지고 사랑을 받아 왔습니다. ZOe의 메트로폴리탄 Anthony Khrapovitsky. V. Vasnetsov 및 M. Nesterov는 아이콘 그림의 국가 천재, 공의회, 민속 예술의 지수, 그의 의견으로는 당시 진정한 의미에서 아이콘 그림이 전혀 없었던 모든 기독교 민족 사이에서 뛰어난 현상이라고 불렀습니다. 단어.

그러나 우리는 정교회가 비잔틴 성화 양식을 의심할 여지 없이 인정하고 있음을 지적했지만 이에 만족할 수 없습니다. "비잔틴"스타일과 "이탈리아"스타일의 대조, 첫 번째 영성과 두 번째 영성 부족에 대한 의견은 너무 널리 퍼져 전혀 고려되지 않습니다. 그러나 이 의견은 언뜻 보기에는 타당해 보이지만 실제로는 자의적인 조작이라는 점에 주목해 봅시다. 결론 자체뿐만 아니라 그 전제도 매우 의심스럽습니다. "비잔틴"과 "이탈리아어"라는 이유로 여기에 인용 부호를 붙인 바로 이러한 개념, 즉 학문적 스타일은 관습적이고 인위적인 개념입니다. 교회는 이를 무시하고, 과학사와 예술 이론도 그러한 단순화된 이분법을 알지 못합니다(이 용어가 영토-역사적 내용을 담고 있지 않다는 것을 설명할 필요가 없기를 바랍니다). 그들은 첫 번째와 두 번째 당파 사이의 논쟁의 맥락에서만 사용됩니다. 그리고 여기서 우리는 본질적으로 말도 안되는 개념을 정의해야하지만 불행히도 속물 의식에 확고하게 자리 잡은 개념을 정의해야합니다. 위에서 우리는 이미 "비잔틴 스타일"로 간주되는 많은 "부차적 특징"에 대해 이야기했지만 "스타일" 간의 실제 구분은 물론 다른 곳에 있습니다. 반 교육을 받은 사람들을 위한 이 허구적이고 쉽게 소화 가능한 반대는 다음과 같은 기본 공식으로 귀결됩니다. 학문적 스타일은 자연에서 "닮아 보이는" 것입니다(또는 오히려 "아이콘의 신학" L. Uspensky의 창시자에게 보이는 것 같습니다) 비슷하다는 것) 및 비잔틴 스타일- "닮지 않은"경우 (동일한 Uspensky의 의견에 따르면). 사실, 유명한 "아이콘 신학자"는 실제로 다른 형태와 마찬가지로 직접적인 형태로 정의를 제공하지 않습니다. 그의 책은 일반적으로 용어에 있어서 방법론과 절대적인 자발주의가 전혀 없다는 훌륭한 예입니다. 이 기본 작업에는 정의와 기본 조항을 위한 자리가 전혀 없으며 결론은 즉시 테이블 위에 배치되고 무에서 결론에 동의하는 데 익숙하지 않은 사람들을 위한 예방 조치가 산재해 있습니다. 따라서 "유사-학문-비영적" 및 "비유사-비잔틴-영적"이라는 공식은 Uspensky가 매력적인 벌거 벗음으로 제시한 곳이 없지만 아버지가 서명 한 공리 인 것처럼 보이는 작은 소화 가능한 복용량으로 독자에게 점차적으로 제시됩니다. 일곱 개의 에큐메니칼 공의회 중 – 이유가 없는 것은 아니며 책 자체는 – 더도 덜도 말고 – “정교회 아이콘의 신학”이라고 불립니다. 공평하게 말하자면, 책의 원래 제목은 더 겸손했고 프랑스어에서 "정교회 아이콘의 신학"으로 번역되었지만 러시아어 판에서는 작은 전치사 "in"이 어딘가에서 사라져 우아하게 식별되었습니다. 정교회신학교육도 받지 못한 고등학교 중퇴자.

46 - 메트로폴리탄 Anthony Khrapovitsky. 러시아 사람들의 주요 특징은 아이콘 그림과 그리스도의 부활 잔치에 있습니다. - "차르의 메신저". (세르비아), 1931. No. 221. -책에 있습니다. 이미지의 신학. 아이콘 및 아이콘 화가. 시집. M. 2002.p. 274.

하지만 스타일 문제로 돌아가 보겠습니다. 우리는 다음과 같은 이유로 “비잔틴”과 “이탈리아” 사이의 대립을 원시적이고 저속하다고 부릅니다.

1. a) 자연과 유사한 것과 유사하지 않은 것에 대한 생각은 극히
2. 비교적. 같은 사람이라도 시간이 지나면서 발생할 수 있습니다.
3. 꽤 많이 변해요. 너의 ~를 줘라 자신의 생각다른 사람의 본성, 그리고 훨씬 더 다른 시대 및 국가와의 유사성에 대해 순진한 것 이상입니다.
4. b) 비유적으로 미술어떤 스타일, 어떤 시대의 자연을 모방하는 것은 자연을 수동적으로 복사하는 것이 아니라 그 깊은 속성, 논리 및 조화를 능숙하게 전달하는 것입니다. 보이는 세계, 창조에서 우리가 끊임없이 관찰하는 미묘한 유희와 대응의 통일성.
5. c) 그러므로 심리학에서는 예술적 창의성, 시청자의 평가에서 삶과의 유사성은 의심의 여지없이 긍정적인 현상입니다. 건전한 마음과 정신을 가진 예술가는 그것을 위해 노력하고, 관객은 그것을 기대하고 공동 창작 행위에서 인식합니다.
6. d) 자연과의 유사성 타락과 자연과의 차이점의 축복을 진지하게 신학적으로 입증하려는 시도는 논리적 막다른 골목이나 이단으로 이어질 것입니다. 분명히 이것이 지금까지 아무도 그런 시도를 한 적이 없는 이유입니다.
7. 그러나 이 연구에서는 위에서 언급한 바와 같이 신학적인 분석을 자제한다. 우리는 역사와 예술 이론의 관점에서 신성한 예술을 '타락한 학문'과 '영적 비잔틴'으로 나누는 것이 올바르지 않음을 보여주는 것에만 국한할 것입니다.

다음 사항을 알아차리기 위해 훌륭한 전문가가 될 필요는 없습니다. 첫 번째 그룹의 신성한 이미지에는 Uspensky가 비난하는 Vasnetsov 및 Nesterov의 아이콘뿐만 아니라 스타일이 완전히 다른 러시아 바로크 및 고전주의의 아이콘도 포함됩니다. 초기 르네상스부터 장신구, Giotto에서 Durer, Raphael에서 Murillo, Rubens에서 Ingres까지 모든 서유럽 신성한 그림은 말할 것도 없습니다. 표현할 수 없는 풍부함과 폭, 기독교 세계 역사의 전체 시대, 위대한 스타일의 흥망성쇠, 국가 및 지역 학교, 위대한 스승의 이름, 그의 삶, 경건, 신비로운 경험에 대한 다큐멘터리 데이터는 " 전통적인” 아이콘 화가. 이 모든 끝없는 문체적 다양성은 하나의 포괄적이고 선험적인 부정적인 용어로 축소될 수 없습니다.

그리고 주저 없이 "비잔틴 양식"이라고 부르는 것은 무엇입니까? 여기서 우리는 자연 형태의 극단적이고 가장 원시적인 일반화에서 거의 자연주의적인 해석에 이르기까지 모든 다양한 학파와 매너를 갖춘 거의 2000년에 달하는 교회 회화 역사의 한 용어 아래 훨씬 더 조잡하고 훨씬 더 불법적인 통일에 직면합니다. 그들 중 극단에서 크레타 학교 존재의 특별한 지리적, 정치적 조건에서 특히 밝고 집중된 형태로 나타 났으며, 기독교 예술에 항상 내재되어있는 주요한 통일성과 상호 이익, 상호 풍요로움이 나타났습니다. 학교와 문화의. 신학적이고 도덕적인 퇴폐와 같은 현상을 원래 러시아 아이콘 그림에서는 특이한 것으로 해석하려는 모호주의자들의 시도는 신학적인 관점이나 역사적 문화적 관점에서 볼 때 지지할 수 없습니다. 러시아는 이 규칙에서 결코 예외가 아니었으며, 국가 아이콘 그림이 번성한 것은 바로 접촉의 풍부함과 자유 때문이었습니다.

그러면 17세기의 유명한 논쟁은 어떻습니까? 아이콘 페인팅 스타일에 대해? 그렇다면 러시아 교회 예술을 "정신을 품은 전통"과 "타락한 이탈리아화"라는 두 가지 분야로 나누는 것은 어떻습니까? 우리는 너무 잘 알려진(그리고 너무 잘 이해되는) 현상에 눈을 감을 수 없습니다. 우리는 그것들에 대해 이야기할 것입니다. 그러나 서유럽의 인기 있는 성상 신학자들과 달리 우리는 이러한 현상을 다음과 같은 현상으로 돌리지는 않을 것입니다. 영적인 의미그들은 가지고 있지 않습니다.

'스타일에 관한 논쟁'은 어려운 정치적 상황과 교회 분열을 배경으로 일어났습니다. 수세기에 걸친 세련된 국가 스타일의 세련된 작품과 "이탈리아"스타일을 마스터하려는 최초의 어색한 시도 사이의 명확한 대조는 "신성한 고대"의 이데올로기에게 강력한 무기를 제공했으며, 이는 느리지 않았습니다. 사실 그 전통적인 아이콘 그림 XVII 세기 더 이상 힘이 없었고 활력 XVb., 그리고 점점 더 얼어 붙고 세부 사항과 장식으로 벗어나 바로크 양식을 향해 행진했지만 그들은 눈치 채지 않기를 원했습니다. 그들의 모든 화살은 "생생한 것"을 향하고 있습니다. 대제사장 Avvakum이 만든이 용어는 상대에게 극도로 불편하며 그 반대의 경우 일종의 "죽음과 같은 것"을 암시합니다.

우리는 간략한 요약에서 양측의 주장을 인용하지 않을 것입니다. 양측의 주장은 항상 논리적이고 신학적으로 타당하지 않습니다. 우리는 그것을 분석 대상으로 삼지 않을 것입니다. 특히 그러한 작업이 이미 존재하기 때문입니다. 그러나 우리는 러시아 분열의 신학을 진지하게 받아들이지 않기 때문에 분열적인 “성상 신학”에서 논쟁의 여지가 없는 진리를 볼 의무가 결코 없다는 것을 기억해야 합니다. 더욱이 우리는 서유럽에 여전히 널리 퍼져 있는 아이콘에 대한 러시아 문화적 조작과 피상적이고 편견이 있으며 이혼한 명백한 진실을 볼 의무가 없습니다. "영적 비잔틴"과 "타락한 학문" 스타일에 대해 쉽게 소화할 수 있는 주문을 반복하고 싶은 사람들은 수천 개의 고대 아이콘이 손을 거쳐 러시아에서 평생을 살았던 진정한 전문가의 작품을 읽는 것이 좋을 것입니다. N. V. Pokrovsky, N. P. Kondakova. 그들 모두는 "오래된 방식"과 "살아있는 모습"사이의 갈등을 훨씬 더 깊고 냉정하게 보았고 "총체적 분열과 무지한 옛 신념"을 가진 Avvakum과 Ivan Pleshkovich의 당파가 전혀 아니 었습니다. 그들 모두는 아이콘 페인팅의 예술성, 전문성 및 아름다움을 대표했으며 가장 순수한 "비잔틴 스타일"이라 할지라도 썩은 고기, 값싼 수공예품, 어리 석음 및 모호함을 비난했습니다.

우리 연구의 목적은 우리가 17세기의 논쟁에 오래 머무르는 것을 허용하지 않습니다. 러시아 교회 예술의 두 방향의 대표자와 이데올로기 사이. 오히려 이러한 방향의 결과를 살펴보겠습니다. 그 중 하나는 예술가에게 어떤 문체 제한도 가하지 않았고 성직자와 평신도에 의한 아이콘에 대한 명령과 후속 인식 또는 비인정을 통해 자체 규제되었으며, 다른 하나는 보수적이며 역사상 처음으로 아이콘 화가에게 처방을 시도했습니다. 예술 스타일, 하나님과 창조된 세계에 대한 지식을 전달하는 가장 미묘하고 깊이 개인적인 도구입니다.

삶과 문화와 밀접하게 연결되는 첫 번째, 주요 방향의 신성한 예술 정통파 사람들, 일정 기간의 방향 전환을 거쳤으며 약간 변경되었습니다. 기술, 공간 구성 시스템 인 관습과 현실주의에 대한 아이디어는 이미지로 하나님을 아는 신성한 사명을 가장 잘 대표합니다. 하나님에 대한 지식은 참으로 정직하고 책임감이 있으며, 예술가의 인격이 외적인 스타일의 가면 아래 숨겨지는 것을 허용하지 않습니다.

그리고 17세기 말부터 20세기까지 '전통적인' 성상 그림과 함께 이 시기에 무슨 일이 일어났는가? 실제로 이 현상은 전혀 전통적이지 않고 전례가 없는 현상이기 때문에 이 단어를 따옴표로 묶었습니다. 지금까지 아이콘 그림 스타일은 동시에 시대와 국가의 영적 본질을 살아있는 표현인 역사적인 스타일이었습니다. , 그리고 이제 이러한 스타일 중 하나가 고정되어 자신이 유일한 진정한 스타일이라고 선언했습니다. 무책임한 반복을 통해 하나님과의 친교를 살아있는 노력으로 대체하는 것입니다. 알려진 공식"전통적인 방식"으로 아이콘 페인팅 수준을 크게 낮췄습니다. 이 시대의 평균적인 "전통적" 아이콘은 예술적, 정신적 표현적 특성이 다른 아이콘보다 훨씬 낮습니다. 초기 시대, 그러나 학문적 방식으로 그려진 현대 아이콘도 있습니다. 어떤 재능을 가진 예술가라도 학문적 스타일을 습득하려고 노력하고 눈에 보이는 세계와 보이지 않는 세계를 이해하기 위한 완벽한 도구와 비잔틴 기술을 보았기 때문에 지루함과 야만인. 그리고 우리는 사물에 대한 이러한 이해가 건강하고 올바른 것으로 인식할 수밖에 없습니다. 왜냐하면 이 지루함과 야만성은 실제로 장인의 손에 타락한 "비잔틴 스타일"에 내재되어 있었고 교회 재무부에 대한 늦게 부끄러운 기여였기 때문입니다. 역사적으로 죽은 방식에서 “자신을 발견”할 수 있었던 극소수의 고급 스승들이 교회를 위해 일하지 않았다는 것은 매우 중요합니다. 그러한 아이콘 화가(보통 고대 신자)의 고객은 대부분 수도원이나 교구 교회가 아니라 개인 아마추어 수집가였습니다. 따라서 하나님과의 소통과 하나님에 대한 지식을 위한 아이콘의 목적 자체가 부차적인 것이 되었습니다. 최선의 시나리오이렇게 훌륭하게 그려진 아이콘은 감탄의 대상이 되었고, 최악의 경우 투자 및 인수의 대상이 되었습니다. 이러한 신성 모독적인 대체는 "구식" 아이콘 화가들의 작품의 의미와 특수성을 왜곡했습니다. 인위적이고 위조된 것이 분명한 이 중요한 용어에 주목해 봅시다. 한때 교회 안에서 그리고 교회를 위해 주님을 향한 지극히 개인적인 봉사였던 창조적 작업은 노골적인 죄악에까지 이를 정도로 퇴보했습니다. 재능 있는 모방자에서 재능 있는 위조자가 되는 것은 한 단계의 단계입니다.

49 I. 부슬라예프. 18세기 판에 따른 원본. - 책에서. 이미지의 신학. 아이콘 및 아이콘 화가. 시집. M. 2002.p. 227

N. A. Leskov "The Sealed Angel"의 고전 이야기를 떠올려 보겠습니다. 많은 노력과 희생의 대가를 치르고 자신의 신성한 예술을 매우 높이 평가하여 세속적 질서로 손을 더럽히는 것을 단호하게 거부하는 Old Believer 공동체에 의해 발견 된 유명한 스승은 다음과 같습니다. 본질, 위조의 거장. 그는 성화를 봉헌하고 기도하기 위해 교회에 두기 위해서가 아니라 교활한 기법을 사용하여 그림에 균열을 덮고 기름진 진흙으로 닦아 물건으로 바꾸는 가벼운 마음으로 아이콘을 그립니다. 대체용. Leskov의 영웅이 평범한 사기꾼이 아니더라도 경찰이 부당하게 압수 한 이미지를 반환하고 싶었을뿐입니다. 이 고대 모방자의 거장 손재주가 그러한 "의로운 사기"영역에서만 독점적으로 획득했다고 가정 할 수 있습니까? ? 그리고 속기 쉬운 지방 사람들에게 놀라운 "골동품" 작품의 아이콘을 파는 같은 이야기의 모스크바 거장들은 어떻습니까? 이 아이콘의 가장 섬세한 색상 층 아래에서 젯소에 칠해진 악마가 발견되고 냉소적으로 속은 지방 사람들은 눈물을 흘리며 "지옥 같은" 이미지를 버리고... 다음날 사기꾼들은 그것을 복원하고 다시 판매할 것입니다. "진짜" 피해자를 위해 돈을 지불할 준비가 되어 있는 또 다른 피해자, 즉 옛날 방식으로 쓰여진 아이콘...

이것은 아이콘 화가의 개인적인 정신적, 창조적 경험과 연결되지 않은 스타일, 당시의 미학과 문화에서 벗어난 스타일의 슬프지만 피할 수 없는 운명입니다. 문화적 전통으로 인해 우리는 아이콘을 스타일이 양식화되지 않은 중세 거장의 작품뿐만 아니라 세계관이라고 부릅니다. 우리는 재능 없는 장인(승려와 평신도)이 무분별하게 각인한 값싼 이미지와 공연 기술이 뛰어난 18~20세기의 "고대인"의 작품을 모두 아이콘이라고 부르며, 때로는 작가가 처음에는 가짜로 의도하기도 했습니다. 그러나 이 제품은 교회적 의미의 아이콘 명칭에 대한 우선권을 갖고 있지 않습니다. 학문적 스타일의 현대 아이콘이나 문체 적으로 중간 현상과 관련이 없으며 우리 시대의 아이콘 그림과도 관련이 없습니다. 예술과 무관한 이유로, 지적, 이론적 고려로 예술가의 스타일을 지시하려는 모든 시도는 실패할 운명입니다. 정교한 아이콘 화가들이 (첫 번째 러시아 이민의 경우처럼) 중세 유산으로부터 고립되지 않고 (예를 들어 그리스에서처럼) 중세 유산에 접근할 수 있더라도 말입니다. "비잔틴" 아이콘이 비잔틴 아이콘보다 훨씬 더 거룩하거나 심지어 거룩함에 대한 독점권을 가지고 있다는 것을 "토론하고 결정"하는 것만으로는 충분하지 않습니다. 또한 유일하게 신성한 것으로 선언된 스타일을 재현할 수 있어야 합니다. 그러나 어떤 이론도 이를 제공하지 않습니다. 아이콘 페인팅에 관해 부당하게 잊혀진 여러 기사의 저자인 Archimandrite Cyprian(Pyzhov)에게 바닥을 넘겨보겠습니다.

“현재 그리스에서는 절단으로 표현되는 비잔틴 양식의 인위적인 부흥이 일어나고 있습니다. 아름다운 모양그리고 선, 그리고 일반적으로 비잔티움의 고대 예술가들의 문체적으로 발전되고 영적으로 숭고한 창의성. 대회의 도움을 받은 현대 그리스 아이콘 화가 Kondoglu 그리스 교회, 그의 작품의 여러 복제품을 출시했는데, 이는 유명한 그리스 예술가 Panselin의 평범한 모방으로 인식될 수밖에 없습니다... Kondoglu의 팬들과 그의 학생들은 성도들이 "실제 사람처럼 보여서는 안 된다"고 말합니다. 좋다?! 그러한 해석의 원시성은 고대 아이콘 그림의 정신적, 미적 아름다움을 보고 피상적으로 이해하고 아마도 복원된 비잔틴 양식의 예로 제시된 그 대용물을 거부하는 사람들에게 매우 해롭습니다. 종종 "고대 스타일"에 대한 열정의 표현은 성실하지 않으며, 그 지지자들에게서만 허세와 진정한 예술과 조악한 모방을 구별할 수 없음을 드러냅니다.

50 - Archimandrite Cyprian (Pyzhov). 정통 아이콘 그림에 대한 지식을 향해. 책에서. 이미지의 신학. 아이콘 및 아이콘 화가. 시집. M. 2002.p. 422.

어떤 대가를 치르더라도 고대 스타일에 대한 그러한 열정은 불합리하거나 특정, 일반적으로 매우 세속적인 고려 사항으로 인해 개인이나 그룹에 내재되어 있지만 스타일과 관련된 교회 금지 법령은 여전히 ​​존재하지 않으며 결코 존재하지 않았습니다.

도상학의 정경성과 스타일의 수용 가능성은 교회가 처방 없이 "접촉"하여 결정하지만, 각 개별 사례에서 직접적인 느낌에 따라 결정됩니다. 그리고 도상학에서 각 주제에 대한 역사적 선례의 수가 여전히 제한되어 있다면 스타일 분야에서는 금지적인 규정을 공식화하는 것이 전혀 불가능합니다. '그리스 양식'에서 '라틴 양식'으로 일탈하고 심지어 순전히 학문적 방식으로 그린 ​​아이콘도 이 한 가지 이유로 아이콘 범주에서 제외될 수 없습니다. 마찬가지로, "비잔틴 스타일" 자체는 우리 시대나 수세기 전에도 이미지를 신성하게 만들지 않습니다.

이와 관련하여 우리는 유명한 학파의 "성상의 신학자들"의 관심을 벗어난 또 다른 관찰을 여기서 제시할 것입니다. 기독교 국가의 예술사에 대해 적어도 표면적으로 잘 아는 사람이라면 누구나 “비잔틴”이라는 양식이 신성한 이미지뿐만 아니라 잘 알려진 양식에도 사용되었다는 것을 알고 있습니다. 역사적 기간단순히 유일한 스타일입니다. 다른 스타일이 부족하고 다른 스타일이 불가능하기 때문입니다.

아이콘 페인팅(이젤 및 기념비적)은 당시 예술가의 주요 활동 분야였지만 여전히 다른 영역, 다른 장르가 있었습니다.

성상을 그리고 미니어처로 전례 사본을 장식한 바로 그 장인들은 역사적 연대기와 과학 논문. 그러나 그들 중 누구도 이러한 "신성하지 않은" 작품에 대해 특별한 "신성하지 않은" 스타일을 사용하지 않았습니다. 전면 (조명, 삽화 포함) 연대기에서 우리는 전투 장면 이미지, 도시 파노라마, 잔치와 춤을 포함한 일상 생활 사진, Basurman 민족 대표 인물을 볼 수 있습니다. 같은 시대에 영성과 세계에 대한 복음주의적 관점에 쉽게 기인하는 모든 특징을 보존했습니다.

이 그림에는 소위 "역 원근법"(또는 물체의 안정적이고 전형적인 이미지를 제공하는 다양한 투영의 조합)도 있으며 악명 높은 "그림자 부족"(더 정확하게는 그림자 감소라고 함)도 있습니다. , 뚜렷한 등고선으로 줄입니다). 공간과 시간에서 서로 멀리 떨어져 있는 사건들이 동시에 전시되기도 합니다. 또한 잘 알려진 학교의 "신학자"가 냉정하게 받아들이는 것이 있습니다. 즉, 인물의 조각상 성격, 관습 및 제스처의 일부 연극 성, 차분하고 분리 된 얼굴 표현은 일반적으로 시청자에게 완전히 전달됩니다. 얼굴 또는 3/4. 연대기에서 이미지가 발견되는 전투중인 전사, 춤추는 광대, 사형 집행자 또는 살인자에 대한 이러한 냉정이 왜냐고 물을 수 있습니다. 중세 예술가는 표정을 통해 감정 상태를 전달하는 방법을 몰랐고, 이를 위해 어떻게 노력하지도 않았고 실제로 노력하지도 않았습니다. 중세에는 이미지의 주제가 전형적이고 안정적이며 보편적이었습니다. 특별하고 일시적이며 무작위적인 것은 관심을 불러일으키지 않았습니다. 변화하는 감정과 미묘한 심리적 뉘앙스는 문학, 음악, 그림, 세속 예술이나 신성한 예술에 반영되지 않았습니다.

아마도 중세 시대의 역사 연대기는 어떤 의미에서는 승려들이 편찬하고 장식한 높은 장르였으며 따라서 "신성한 스타일"을 그들에게 전달하는 데 놀라운 일이 없다는 것이 우리에게 반대될 것입니다. 글쎄, 한 단계 더 내려가서 전문 미술 평론가뿐만 아니라 미술에 민감한 모든 사람에게도 분명한 것이 무엇인지 증명해 보겠습니다. 위대한 역사적 스타일은 자동으로 영적이거나 자동으로 불경스러운 것이 아니며, 높은 수준에도 동일하게 적용됩니다. , 그리고 낮게.

17세기부터 널리 퍼진 러시아의 인기 판화를 살펴보겠습니다. (그러나 이전에는 존재했습니다). 처음에는 수성 페인트로 채색 된 그림, 나무에 채색 된 판화, 그리고 구리에 채색 된 그림이었습니다. 그들은 수도원과 세속 언론 모두에서 제작되었으며 저자는 매우 다양한 수준의 예술 및 일반 교육 훈련을받은 사람들이었으며 러시아 전체가 도시와 시골, 글을 읽고 쓸 줄 모르고, 부자와 가난한 사람, 경건하고 전혀 경건하지 않은 사람들이었습니다. . 일부는 아이콘, 그림 속의 도덕적 이야기, 수도원의 풍경, 주교의 초상화를 구입했습니다. 다른 사람들은 장군의 초상화, 전투 장면, 퍼레이드 및 축하 행사, 역사적인 그림 및 해외 도시의 풍경을 선호했습니다. 또 다른 사람들은 노래와 동화, 재미있는 농담, 일화, 심지어 가장 짠하고 가장 솔직한 가사를 선택했습니다.

D. Rovinsky의 러시아 인기 판화 컬렉션에는 그러한 불경건한 이미지가 상당히 많이 포함되어 있으며 유명한 팩시밀리 버전에서 전체 별도의 볼륨이 제공됩니다. 스타일 면에서 이 "소중한" 책은 "중립적"이고 신성한 그림이 포함된 다른 책과 완전히 유사합니다. 유일한 차이점은 줄거리에 있습니다. 여기에는 모든 사람을 지원하는 쾌활한 Khersonya가 있고, 팬케이크 요리사를 짜내는 재미있는 신사가 있고, 무릎에 활발한 소녀가있는 군인이 있으며 "타락한 활력"의 흔적이 없습니다. 원근감은 "역전"이고 그림자는 "부재"하며 색상은 지역 색상을 기반으로 하며 공간은 평면적이고 조건부입니다. 다양한 예측의 조합과 자연 비율의 변화가 널리 사용됩니다. 캐릭터는 시청자에게 계층적으로 나타나 정면을 바라보고(때때로 %로, 프로필로는 거의 없음), 다리가 기존 포즈 위에 떠 있고, 손이 연극적 제스처로 얼어붙습니다. 그들의 옷은 날카롭게 접혀 있으며 종종 평평하고 퍼지는 디자인으로 덮여 있습니다. 결국 그들의 얼굴은 비슷할 뿐만 아니라 같은 모음집의 다른 책에 나오는 성도들의 얼굴과 동일합니다. 똑같은 행복하고 완벽한 타원형, 똑같은 맑고 차분한 눈, 똑같은 펜의 움직임으로 새겨진 입술의 똑같은 고풍스러운 미소 : 예술가는 금욕주의자 이외의 자유인을 묘사하는 방법, 다른 창녀를 묘사하는 방법을 몰랐습니다. 성자보다.

E. Trubetskoy, L. Uspensky 및 그들의 지혜 전파자들이 그들의 "신학"에 대해 300년 늦었다는 것은 참으로 안타까운 일입니다. 그들은 예술가에게 실물과 같은 그림이 그에게 더 적합할 것이라고 설명했을 것입니다. "비잔틴" 스타일이 적합합니다. 이제 아무것도 할 수 없습니다. 조언을 구하지 않고 러시아 대중 판화의 대가들은 의도 한 목적 이외의 목적으로 "유일한 영적 스타일"을 최대한 활용했습니다. 그리고 그들은 아무것도 잊지 않았습니다. 이 악당들. 심지어 그들의 재미있는 그림에는 비문도 있습니다. "Pan Tryk", "Khersonya", "Paramoshka"-우리는 전혀 거룩하지 않은 캐릭터의 이미지 옆에 큰 슬라브 문자를 읽습니다. 설명 비문도 구성에 포함되어 있습니다. 인용은 자제하겠습니다. 이러한 일반적인 민속 구절은 재치 있지만 완전히 외설적입니다. 입문자만이 읽을 수 있는 기호의 언어인 상징주의에도 자리가 있습니다. 예를 들어, 관객 앞에 완전히 무표정한 자세로 서 있는 여인의 무표정한 얼굴에서 파리(인공 두더지)의 조합을 볼 수 있는데, 이는 예를 들어 사랑의 기쁨을 나누겠다는 열정적인 호소 또는 경멸적인 거부 또는 주제와의 분리에 대한 낙담. 파리의 언어 외에도 꽃에 대한 매우 발전된 상징적 언어도 있었습니다. 확실히 주홍색과 보라색, 금색 및 검정색에 대한 숭고한 신학적인 해석이 아니라 유혹하는 신사 숙녀 여러분의 요구에 맞는 다른 해석이 있습니다. 또한 단순한 이미지에서 설명 없이 이해할 수 있는 더 간단한 기호도 있습니다. 예를 들어 접근 가능한 소녀의 치마에 중앙이 검은색인 거대한 붉은 꽃이나 커플이 있는 접시 등이 있습니다. 닭고기 달걀준비를 하고 있는 대담한 청년의 발치에서 주먹 싸움... 예술에 추가하는 것이 남아 있습니다 서유럽, 중세이든 뉴 에이지이든 "신성한 스타일의 신성하지 않은 이미지"는 같은 방식으로 존재했습니다. 분명히 그곳의 어느 누구도 어떤 스타일이 세속적이고 어떤 스타일이 신성한지 예술가들에게 설명하려고 애쓰지 않았습니다.

보시다시피 아이콘을 아이콘으로 만드는 문체 기능을 결정하는 것은 그렇게 간단하지 않으며 신성한 이미지와 불경스럽고 심지어 외설스러운 이미지 사이에 중요한 차이를 만듭니다. 비전문가에게는 더욱 어렵습니다. 아이콘을 예술 작품으로 이야기하려는 사람은 최소한 역사 분야와 예술 이론에 대한 기본 지식이 있어야합니다. 그렇지 않으면 그는 터무니없는 결론으로 ​​전문가의 눈에 자신을 파멸시킬 위험이 있을 뿐만 아니라 이단의 발전에 기여할 위험이 있습니다. 결국 아이콘은 무엇을 말하든 여전히 예술 작품이 아닙니다. 과학 분야의 아이콘에 대해 말하는 모든 거짓은 영적 분야에도 영향을 미칩니다.
따라서 우리는 "비잔틴" 스타일을 - 실제로 다른 위대한 역사적 스타일과 마찬가지로 - 신성화하려는 시도가 허구이며 거짓임을 인정해야 합니다. 스타일 차이는 순수 예술 비평 분야에 속하며, 교회는 이를 무시하거나 오히려 받아들입니다. 왜냐하면 위대한 역사적 스타일은 교회 생활의 시대이자 타락하거나 모독될 수 없는 교회 정신의 표현이기 때문입니다. . 예술가 개인의 정신만이 타락할 수 있다.

그렇기 때문에 교회는 새로 그려진 각각의 아이콘을 계층 구조에 제출하여 고려하는 관습을 유지합니다. 사제나 주교는 이콘을 인정하고 봉헌합니다. 또는 진리의 정신을 유지하면서 서로 다른 이콘을 거부합니다. 계층 구조의 대표자는 자신에게 제시된 아이콘에서 무엇을 고려하고 무엇을 조사합니까?

예술가의 신학적인 훈련 수준은? 그러나 이러한 이유로 도상학적 캐논이 존재하므로 브러시의 주인은 더 이상 고민하지 않고 신성한 기술에 전적으로 헌신할 수 있습니다. 아이콘 주제에 대한 모든 독단적인 개발이 이미 완료되었습니다. 아이콘이 알려진 체계에 해당하는지 여부를 판단하기 위해 계층 구조의 구성원이거나 기독교인일 필요는 없습니다. 어떤 과학자든, 그의 신분에 상관없이 종교적 관점, 아이콘의 독단적 정확성을 판단할 수 있습니다. 이는 정확하게 독단이 안정적이고 도상학적 체계로 명확하게 표현되어 이해하기 쉽기 때문입니다. 그렇다면 아마도 계층은 아이콘의 스타일을 판단하고 평가할 것입니까? 그러나 우리는 이미 보여주었습니다. 역사적 자료- "자연과 다른 비잔틴" 스타일과 서기 2천년 말에 발명된 "학문적" 스타일 사이의 반대는 교회에 결코 존재하지 않았습니다. 계층 구조의 개별 구성원이 첫 번째 구성원만 인식한다는 사실은 아무 것도 증명하지 못합니다. 왜냐하면 두 번째 구성원만 인식하고 첫 번째 무례하고 시대에 뒤떨어지며 원시적인 계층 구조 구성원이 존재하기 때문입니다. 이것은 그들의 취향, 습관, 문화적 전망의 문제이지 그들의 우파적이거나 변태적인 정신의 문제가 아닙니다. 그리고 스타일 문제는 시장 수요 또는 주문을 통해 평화롭게 해결되기 때문에 이를 바탕으로 갈등이 발생하지 않습니다. 스타일 지향이 알려져 있고 고객에게 가까운 아티스트를 초대하고 샘플을 선택하는 등의 작업을 허용합니다. 이것이 오늘날 러시아에 존재하는 자유 경쟁 스타일이라는 의견을 표현하는 것은 아이콘에 매우 유익합니다. 왜냐하면 양측 모두 품질을 향상시키고 진정한 예술적 깊이를 달성하도록 강요하며 지지자뿐만 아니라 반대자에게도 설득력이 있기 때문입니다. 특별한 스타일. 따라서 "비잔틴" 학교의 근접성은 "학문적"을 더욱 엄격하고 냉정하며 표현력 있게 만듭니다. "비잔틴" 학교는 "학술" 학교와 가깝기 때문에 이 학교가 원시적인 장인 정신으로 변질되는 것을 방지할 수 있습니다.

따라서 도상학 문제가 미리 해결되고 스타일 문제가 해결된다면 계층 구조는 신성한 이미지가 제시된 판단에 따라 무엇을 받아들이거나 거부합니까? 외부 교회? 우리가 놓친 다른 기준은 무엇입니까?교회가 아이콘 화가에게 그러한 자유를 부여했음에도 불구하고 여전히 아이콘이라고 주장하는 모든 이미지를 인식하지 못하는 이유는 무엇입니까? 본질적으로 가장 중요한 기준은 다음 장에서 논의될 것입니다.

아토스 스타일의 아이콘 그림은 19세기 중반에 형성되었습니다. 현재 가장 크고 가장 부유한 정교회 세력인 러시아는 전례 없는 번영을 경험하고 있습니다. 전 세계적으로 수많은 사원과 수도원이 건설되고 있습니다. 아토스(Athos)와 발람(Valaam)을 포함한 대규모 수도원에서 아이콘 페인팅 워크샵이 만들어지고 있습니다. 이 아이콘 페인팅 워크샵에서는 "Athos"라고 불리는 독특한 스타일의 아이콘 페인팅이 만들어집니다. 그 독특한 특징은 황금색의 양각 배경, 최고의 얼굴 그림, 계란 온도 대신 유성 페인트를 사용하는 것입니다.

신의 어머니 이베론 아이콘, 조각, 아토스, 19세기.

성 세르지오와 헤르만, 단편, 발람, 19세기.

우리는 아이콘을 만드는 것이 기도 실천과 직접적으로 관련된 살아있는 과정이라는 것을 이해해야 합니다. 아토스 산의 많은 승려들은 경험 많은 장로들의 지도 아래 예수 기도를 실천하고 타보르 빛에 대한 묵상과 환상 속에 머물었습니다. 하나님의 어머니와 성도들이 그들 중 많은 사람들에게 나타났습니다. 그들은 성자들과 천사들에 둘러싸여 살았다고 해도 과언이 아닐 것 같습니다. 그리고 어느 시점에서 그들은 더 이상 동일한 전통적이고 도식적인 이미지의 끝없는 반복으로 변했던 추상적인 비잔틴 스타일에 더 이상 만족하지 않았습니다. 아버지들은 "보이지 않는" 것을 "보이는" 것으로 만들려고 노력하면서보다 생생한 이미지를 그리기 시작했지만 얼굴을 얼굴로, 아이콘을 초상화로 바꾸는 선을 넘지 않았습니다. 그런 일이 일어났어요 캐릭터 특성 Athonite 스타일 - 황금색, 반짝이는 양각 배경 - Tabor의 빛의 상징, 페인트의 투명한 레이어, 아이콘에 내부 빛을 제공하는 빛과 그림자의 미묘한 전환 및 얼굴의 사실적인 쓰기. Valaam을 포함하여 러시아에서도 비슷한 방식으로 아이콘이 그려지기 시작했습니다.

이때 비잔틴과 그리스 성상화는 쇠퇴하고 있었습니다. 그리스, 세르비아, 불가리아는 오스만 제국의 통치하에 있었지만 물론 아이콘 그림의 번영에 기여하지 않았습니다. 아이콘의 얼굴은 점점 더 스케치화되었고, 이미지는 점점 더 피상적이고 원시적이 되었습니다. 러시아에서는 상황이 나아지지 않았습니다. 모스크바, 야로슬라블, 니즈니 노브고로드, 팔레크는 대부분 상인 계층인 고객을 겨냥해 아이콘을 일종의 팔레크 상자인 실내 장식 아이템으로 탈바꿈시켰다. 일반적으로 이러한 아이콘의 얼굴은 부차적인 것이 되며 수많은 장식품과 장식용 컬에서 손실됩니다.

아토스 산의 아이콘 페인팅 워크숍입니다. 19 세기

러시아인과 아토나이트 대가들은 후기 비잔틴 디자인의 도식적 성격과 러시아인의 장식적 과부하에서 벗어나고 있습니다. 아이콘을 원래의 영적인 의미로 되돌립니다.

우리 워크숍은 최선을 다해 하나님의 도움으로 이 놀라운 성상화 전통을 되살리기를 희망하며, 우리 성상이 그리스도 안에서 완전함과 마음의 정화를 위해 노력하는 모든 사람에게 도움이 되기를 온 마음을 다해 희망합니다. 신성한 사랑의 획득.

학문적 스타일

학문적 스타일의 아이콘은 거의 모든 교회에서 볼 수 있습니다. 그리고 사원이 18세기 또는 19세기의 것이라면 일반적으로 학문적 스타일의 아이콘이 사원 아이콘의 대부분을 구성합니다. 동시에 아이콘 페인팅의 학문적 스타일은 아이콘 화가와 아이콘 페인팅 감정가들 사이에서 열띤 논쟁을 불러일으킵니다. 논란의 본질은 이렇다. "정전에서" 아이콘을 만드는 비잔틴 스타일의 지지자들은 학문적 스타일의 아이콘이 영성이 부족하고 아이콘 그림의 전통에서 벗어났다고 비난합니다.

이러한 비난을 이해하려고 노력할 것입니다. 먼저 영성에 대해. 영성은 다소 미묘하고 파악하기 어려운 문제이며 영성을 결정하는 도구가 없으며 이 영역의 모든 것이 극도로 주관적이라는 사실부터 시작하겠습니다. 그리고 누군가 학문적 스타일로 그려지고 전설에 따르면 전쟁 중에 상트 페테르부르크를 구한 하나님의 어머니의 카잔 아이콘의 기적적인 이미지가 비잔틴 스타일의 유사한 아이콘보다 덜 영적이라고 주장한다면 ... 이 진술이 그의 양심에 남아 있도록 하십시오.

일반적으로 논쟁으로 그러한 진술을들을 수 있습니다. 학문적 스타일의 아이콘은 육체성, 장밋빛 볼, 관능적인 입술 등을 가지고 있다고 합니다. 사실, 아이콘에서 감각적이고 육욕적인 원리가 우세한 것은 스타일의 문제가 아니라 개별 아이콘 화가의 낮은 전문 수준의 문제입니다. 매우 감각적 인 장식, 장식품 등의 수많은 컬에서 "판지"무표정 얼굴이 손실되는 "캐논"자체에 그려진 아이콘의 많은 예를 인용 할 수 있습니다.

이제 아이콘 페인팅의 전통에서 학문적 스타일이 벗어나는 것에 대해 설명합니다. 아이콘 페인팅의 역사는 1,500년 이상 거슬러 올라갑니다. 그리고 이제 아토니테 수도원에서는 7세기에서 10세기 사이의 검은색 고대 성상을 볼 수 있습니다. 그러나 비잔티움에서 아이콘 그림의 전성기는 13세기 말에 발생했으며 그리스인 안드레이 루블레프(Andrei Rublev)인 판셀린(Panselin)의 이름과 관련이 있습니다. Karey에 있는 Panselin의 그림이 우리에게 다가왔습니다. 또 다른 뛰어난 그리스 성화 화가인 크레타의 테오파네스는 16세기 초 아토스 산에서 작업했습니다. 그는 Stavronikita 수도원과 Great Lavra의 식당에서 그림을 그렸습니다. Rus'에서는 Andrei Rublev의 아이콘이 아이콘 페인팅의 정점으로 올바르게 인식됩니다.

거의 2천년에 달하는 이 성상화의 전체 역사를 자세히 살펴보면 그 놀라운 다양성을 발견하게 될 것입니다. 첫 번째 아이콘은 불화 기술(뜨거운 왁스를 기반으로 한 페인트)을 사용하여 그려졌습니다. 이 사실만으로도 "진짜" 아이콘은 반드시 계란 온도로 그려져야 한다는 대중의 믿음을 반박합니다. 게다가 이런 스타일은 초기 아이콘"정경"보다 학문적 스타일의 아이콘에 훨씬 더 가깝습니다. 이것은 놀라운 일이 아닙니다. 아이콘을 그리기 위해 최초의 아이콘 화가들은 불타오르는 기술을 사용하여 만들어진 실제 사람들의 이미지인 Fayum 초상화를 기초로 삼았습니다.

그리스도 팬토크레이터. 시나이.
7세기
불길한

구조자. 안드레이 루블레프.
15세기
템페라 화법

전능하신 주님. V. 바스네초프
19 세기
기름

위의 예를보십시오. 그 후 V. Vasnetsov의 학문적 스타일의 아이콘이 아이콘 그림 전통에서 벗어났다고 자신있게 말할 수 없습니다.

사실, 이 세상의 모든 것과 마찬가지로 아이콘 페인팅의 전통은 주기적으로 발전합니다. 18세기에는 소위 "표준" 스타일이 모든 곳에서 쇠퇴했습니다. 그리스와 발칸 반도 국가에서는 부분적으로 터키의 정복, 러시아에서는 피터의 개혁으로 인해 발생했습니다. 하지만 주된 이유어쨌든 그게 요점이 아니야. 세상에 대한 인간의 인식과 영적 세계를 포함하여 주변 세계에 대한 태도가 변하고 있습니다. 19세기 인간이 인식한 것 세계 13세기 사람과는 다르다. 그리고 아이콘 페인팅은 그림에 따라 동일한 패턴을 끝없이 반복하는 것이 아니라 아이콘 화가 자신의 종교적 경험과 전체 세대의 영적 세계에 대한 인식을 바탕으로 한 살아있는 과정입니다.

아이콘 페인팅 워크숍 북부 아토스. 2013년
학문적 스타일의 아이콘입니다.

하나님의 어머니의 발람 아이콘
(조각, 얼굴)
아이콘 페인팅 워크숍 북부 아토스. 2010년
Athonite 스타일의 아이콘

새로운 성상화 전통의 탄생은 러시아의 성 판텔레이몬(St. Panteleimon) 수도원과 수도원에서 성상화 워크숍 조직과 관련이 있습니다. 소위 "아토스 스타일"이 거기에서 시작되었습니다. 러시아 성화 화가들은 성상을 그리는 전통적인 기법에 약간의 변화를 가했습니다.

우선, 그들은 계란 온도를 포기했습니다. 템페라 페인트는 내구성이 뛰어나다는 강한 의견에도 불구하고 현실은 그렇지 않았습니다. 습한 기후에서 템페라 페인트는 빠르게 곰팡이가 생기고 흐릿한 흰색 코팅으로 덮였습니다. 상황은 점점 복잡해졌다 바다 공기. 소금이 아이콘에 침전되어 페인트 층을 부식시켰습니다. 아토스에서 봤어야 했는데 현대 아이콘, 계란 온도로 작성되었습니다. 3~4년 후에는 이미 심각한 복원이 필요했습니다. 따라서 Athonite 마스터는 온도를 포기하고 유성 페인트로 전환했습니다.

Athonite Russian 아이콘의 또 다른 특징은 금색 배경이었습니다. 신학적으로 아이콘의 황금색 배경은 타보르의 빛을 상징합니다. 타보르의 빛 교리는 성 베드로가 처음으로 공식화했습니다. Areopagite Dionysius는 아토스 산에서 매우 인기가있었습니다. 여기에 예수기도의 실천이 추가되어 타보르의 빛이 가시적이고 육체적인 비전이 될 정도로 영혼을 정화할 수 있게 되었습니다. 신학적 고려 외에도 금색 배경을 사용하는 것은 그 자체의 미학도 가지고 있었습니다. 촛불은 주화의 다양한 측면에 반사되어 금빛 쉬머 효과를 만들어냅니다.

시간이 지남에 따라 St. Panteleimon 수도원의 워크샵 외에도 Ilyinsky, Andreevsky 및 기타 러시아 대규모 수도원에서 아이콘 페인팅 워크샵이 열렸습니다. 거의 동시에 러시아에서는 Valaam에 아이콘 페인팅 워크샵이 열렸습니다.

또한 모스크바와 상트페테르부르크에서는 상트페테르부르크 예술 아카데미 졸업생들이 아이콘 페인팅에 참여하기 시작했습니다. 그들 중 가장 재능있는 K. Bryullov, N. Bruni, V. Vereshchagin, V. Vasnetsov는 나중에 학문적 스타일의 아이콘으로 알려지게 된 아이콘을 만들었습니다.