서유럽의 도상학. North Athos 아이콘 페인팅 워크숍에서 학문적 스타일로 아이콘을 그려보세요.

아이콘 페인팅에 관심이 있는 많은 전문가들이 질문합니다. 우리 시대에 아이콘으로 간주될 수 있는 것은 무엇입니까? 몇 세기 전에 제정된 표준을 따르는 것으로 충분합니까? 그러나 이 유형을 창작할 때 여전히 스타일적인 방향을 유지하는 것이 필요하다는 추종자들의 주장이 있다.

캐논과 스타일

많은 사람들이 캐논과 스타일이라는 두 가지 개념을 혼동합니다. 그것들은 분리되어야 합니다. 그럼에도 불구하고 캐논은 원래의 의미에서 이미지의 문학적 부분에 더 가깝습니다. 그에게는 묘사된 장면의 줄거리가 더 중요합니다. 즉, 누가 어디에 서 있고, 어떤 옷을 입고, 무엇을 하고 있는지, 미술의 다른 측면이 중요합니다. 예를 들어, 그림에 묘사된 것은 정경 표현의 대표적인 예입니다.

스타일 면에서는 더 중요한 역할예술가가 자신의 생각을 표현하는 방식을 연기하며, 이는 우리의 생각에 영향을 미치고 예술적 이미지를 만드는 목적을 이해하고 더 잘 깨닫게 해줍니다. 각 그림의 화풍은 작가의 화법의 개별적 특성과 장르, 시대, 민족의 색조, 나아가 선택한 유파의 방향까지 결합한 것임을 이해할 필요가 있다. 따라서 아이콘 페인팅을 이해하려면 이 두 가지 개념을 분리해야 합니다.

두 가지 주요 스타일을 강조해 보겠습니다.

  • 복잡한.
  • 학생.

비잔틴 양식.

아이콘 제작에 관한 가장 인기 있는 이론 중 하나는 "비잔틴" 스타일로 그려진 예술 작품만을 선호한다는 것입니다. 러시아에서는 "이탈리아어"또는 "학문적"색조가 더 자주 사용되었습니다. 이것이 바로 이 운동의 추종자들이 많은 국가의 아이콘을 인식하지 못하는 이유입니다.

그러나 교회 목회자들에게 물어보면 이것들은 완전한 아이콘이므로 다르게 대할 이유가 없다고 대답할 것입니다.

따라서 "비잔틴" 방법을 다른 방법에 비해 높이는 것은 거짓입니다.

학문적 스타일.

그러나 많은 사람들은 계속해서 "학술적" 스타일의 "영성 부족"에 의존하고 비슷한 색조의 아이콘을 받아들이지 않습니다. 그러나 이러한 주장에는 언뜻보기에만 합리적인 곡물이 있습니다. 면밀히 살펴보고 신중하게 생각한 후에는 이러한 모든 이름이 문헌에서 인용 부호로 매우 신중하게 언급되는 것이 아무것도 아니라는 것이 분명하기 때문입니다. 결국 그것들 자체는 예술가와 그의 자기 표현 스타일에 영향을 준 많은 요소의 조합입니다.

공무원은 그러한 사소한 일을 완전히 무시하고 구별하고 싶지 않습니다. 따라서 대부분의 경우 이러한 개념은 하나의 스타일 방향과 다른 스타일 방향의 열렬한 옹호자 간의 분쟁에서만 사용됩니다.


사찰그림 프로그램은 어떻게 탄생하게 되었나요? 학문적 그림 스타일을 정식이라고 부를 수 있습니까? 우리는 Tsargrad 아이콘 페인팅 워크숍의 책임자인 예술가 Dmitry Trofimov와의 대화에서 이것과 기타 많은 질문을 다루었습니다. 우리는 이 대화의 두 번째 부분에 주목하겠습니다.

Tsargrad 워크숍은 2007년부터 운영되어 왔습니다. 그녀는 Seraphim-Diveevo 수녀원의 성모 마리아 탄생, Borisov 연못의 삼위 일체 (모스크바), Tarusa 근처 Istomino 마을의 가정 교회 및 St 사원의 성화상을 그렸습니다. . Kulikovo 필드의 Radonezh의 Sergius, 크라스노고르스크의 위대한 순교자이자 치료사 Panteleimon 교회, Vladimir의 부활 그리스도, 모스크바의 명예 교회 등

– 사찰 그림 프로그램은 어떻게 탄생했나요?

– 그림을 그리기 시작하면 흰 벽이 보입니다. 문과 창문이 열리고 부서진 벽만 있는 어떤 공간입니다. 예술가가 변화시켜야 할 일종의 혼돈과도 같습니다. 우리는 레지스터를 구성하고 벽을 나눕니다. 대부분의 경우 페인팅 프로그램은 세 사람, 즉 예술가, 사원의 총장, 유사점과 도상학적인 솔루션을 제안할 수 있는 미술 평론가의 작업입니다. 교회의 그림은 여러 의미 수준으로 나눌 수 있습니다. 교훈: 아이콘의 언어를 통해 우리는 성경과 전통에 대해 이야기합니다. 상징적 차원은 신앙의 영적인 의미를 말합니다. 그리고 전례적이고 신비로운-그것은 다음과 관련된 교회의 성찬 자체를 드러냅니다. 보이는 이미지성체.

– "Tsargrad" 워크샵에는 장식 예술가, 장식 예술가, 장식 예술가로 노동이 구분되어 있습니다. 각 예술가는 자신에게 할당된 작업을 수행하고 여러 마스터가 아이콘 작업을 수행합니다. 이것이 예술가의 창의성과 자유와 어떻게 조화를 이루는가?

- 같이 가요. 초보자는 먼저 장식, 글꼴을 그리고 획을 그립니다. 사람은 팀에 합류하고 스타일을 느껴야합니다. 팀의 창의적인 성격은 리더에 의해 형성됩니다. 아티스트에게 옷을 칠하는 방법, 선택할 색상, 그리고 해마다 끊임없이 추천함으로써 형성됩니다. 협동일반적인 손글씨가 생깁니다. 리더는 지휘자와 같습니다. 지휘자가 다른 오케스트라가 같은 작품을 연주해도 소리가 다르게 들리는 이유는 무엇입니까? 오케스트라는 결성되는 데 수년이 걸리고 사람들은 서로를 느끼며 10개의 바이올린이 함께 울립니다. 아이콘 페인팅에서도 마찬가지입니다. 특정 주문을 위해 팀이 구성되는 경우에는 이런 일이 발생하지 않습니다. 재능 있는 장인이라도 하나가 되기 위해서는 오랜 시간 함께 일해야 합니다. 우리는 약 15명으로 구성된 영구 팀을 보유하고 있습니다. 고대에는 항상 사원을 "표시"한 신호수에 의해 그림이 시작되었습니다. 그는 날카로운 금속 스타일러스로 벽을 그렸습니다. 그런 다음 색상으로 오프닝(그림의 오프닝)이 왔습니다. 장식주의자와 개인주의자 사이에는 항상 구분이 있어 왔습니다. 그리고 아이콘이 만들어지든 그림이 만들어지든 관리자의 임무는 전체의 조화를 찾고 공간을 구조화하는 것입니다. 그래서 관리자는 페인팅 프로그램을 개발하고 스케치를 한다. 그러나 일부 스타일에서는 아이콘이 항상 한 사람에 의해 그려집니다. 학업 스타일...

– 표준적인 스타일과 학술적인 스타일을 모두 사용하여 글을 쓰시나요?

– 소위 스타일은 본질적으로 그림의 언어입니다. 많은 언어를 아는 다중언어자가 있습니다. 그러나 대부분의 사람들은 한두 가지 언어를 사용합니다. 창의성에서도 마찬가지다. 예술가가 모든 스타일에 동등하게 능숙할 것이라고 기대할 수는 없습니다. 각 스타일은 해당 시대의 문화, 고유한 이미지 시스템, 고유한 리듬의 특별한 세계입니다. 우리는 대규모 팀을 구성했는데, 일부는 학문적 스타일로만 글을 쓰고, 다른 일부는 17세기 스타일로, 다른 일부는 비잔틴 스타일로 글을 썼습니다. 오늘은 19세기 스타일로 작업하고 내일은 14세기 스타일로 개인 작품을 쓴다면, 성공하려면 뛰어난 예술가가 되어야 합니다.

– 사찰을 건립 당시보다 더 오래된 시대의 스타일로 그리는 것이 가능하다고 생각하시나요?

– 실내 장식의 성격이 사찰의 건축물과 조화를 이루는 것이 매우 중요합니다. 하지만 시대와 정확히 일치할 필요는 없습니다. 가장 중요한 것은 문체적 통일성입니다. 분석해보자면 비잔틴 건축, 그러면 우리는 이것이 18세기 후반 러시아 교회의 건축과 유사하다는 것을 알게 될 것입니다. 초기 XIX세기 - 그림을 그릴 때 비잔틴 스타일로 바꿀 수 있습니다. 내 생각에는 콤니누스 예술의 시대인 11~12세기는 예술적 언어 측면에서 가장 유익한 시대 중 하나입니다. 그 상징성과 가소성은 매우 풍부하고 표현력이 풍부합니다. 오늘날 러시아에서 적절한 예술적 수준으로 행해지고 있는 많은 일들은 정확히 이 시기와 관련하여 행해진 것입니다. 그러나 19세기 교회에 있는 15세기 러시아 양식의 그림은 불협화음을 유발할 수 있습니다.

– 아이콘 페인팅 스타일은 일반적으로 표준 및 학술 스타일로 구분됩니다. 학문적 그림이 비표준적인 것으로 밝혀졌습니다.

– 교회 미술에는 다양한 언어가 있습니다. 2천년 동안 각 시대는 영원한 진리를 표현하는 고유한 방식을 탄생시켰습니다. 부활절 예배에서 복음이 여러 언어로 읽혀지는 것처럼, 다양한 시대와 국가의 예술가들이 우리 신앙의 본질에 대해 다양한 언어로 이야기했습니다. 그러나 교회 예술의 스타일 다른 시대같은 충만 함과 깊이로 정통성을 표현하지 않았습니다. 어떤 사람들은 학문적 그림을 경멸하며 대합니다. 그러나 총회 기간 동안 많은 성도들의 축복을 받았습니다. 동일한 구세주 그리스도 대성당(스타일과 도상학)은 Saint Philaret(Drozdov)의 승인을 받았습니다. 이것은 단지 하나의 예일 뿐입니다. 이 시기의 모든 성인들은 도상학의 발전이나 예술가들의 작품 승인에 참여했습니다. 적어도 그들에 대한 존경심 때문에 학술 회화에 대해 범주화할 수는 없습니다. 그러나 우리는 학문주의의 언어가 충분히 완전하지 않다고 말할 수 있습니다.

비잔틴과 고대 러시아 미술(18세기까지)에서는 요한계시록의 의미가 특정한 상징적 언어를 통해 표현되었습니다. 이 언어를 사용하면 영적 현실을 더 쉽게 설명할 수 있습니다. 우리가 역사적 수직을 구축한다면 카타콤 회화, 라벤나 모자이크, 비잔티움, 프레스코화에서 우리에게 온 것을 생각해 보세요. 고대 러시아', – 그러면 우리는 그것만 볼 것입니다 예술적 기술, 그러나 기초는 아닙니다. 14세기에 공식화된 헤시카즘의 교리는 이 언어의 신학적 기초, 즉 빛의 교리를 제공했으며, 우리는 성도들의 얼굴에서 그들 자신에게서 나오는 광채를 봅니다. 이는 13세기의 이미지뿐만 아니라 훨씬 이전의 이미지에도 적용됩니다. 학술 회화는 완전히 다른 패턴을 가지고 있습니다. 지상 교회를 묘사하기 위해서는 그 언어가 매우 적합합니다. 하지만 때 우리 얘기 중이야신성하고 영적인 것에 대해-학문주의의 상징만으로는 깊이를 표현하기에 충분하지 않습니다. 때로는 사건이 발생합니다. 18세기 스타일로 큐피드 형태로 묘사된 천사를 볼 때입니다.

– 표준 성상 그림의 상징성은 시대에 따라 다른가요?

– 초기 시대, 특히 성상 파괴 이전에는 많은 상징이 사용되었습니다. 예를 들어, 사도들은 양으로 묘사되었습니다. 성상 파괴 이전 시대의 콘차의 가장 유명한 도상학은 구세주이며, 그 아래에는 12마리의 양 프리즈가 있습니다. 라벤나 근처의 San Apolinarie Classe 교회에는 주님의 변모에 대한 암호화된 이미지가 보존되어 있습니다. 그리스도 대신에 십자가가 달린 만돌라가 묘사되어 있으며, 구성 상단에는 선지자 엘리야를 상징하는 양 두 마리가 있습니다. 그리고 선지자 모세와 맨 아래에는 사도들을 상징하는 세 사람이 더 있습니다.

– 최초의 기독교인들은 왜 구주를 상징적으로 묘사했는가?

– 카타콤바의 기독교인들은 자신의 신앙을 숨기기 위해 사실적인 그림이 아닌 상징적인 그림을 그렸다고 합니다. 그러나 카타콤바는 적어도 큰 카타콤바와 같이 당국에 알려졌습니다. 또한 우리는 최초의 기독교인의 순교, 이교도들 앞에서 그리스도를 고백하려는 열망에 대해 알고 있습니다. 아마도 복음의 의미는 예방 차원에서 암호화되어 있었을 것입니다. 그러나 종종 최초의 기독교인들은 선교 목적으로 이교에서 나온 상징을 단순히 사용했습니다. 우리는 3~4세기까지 구세주가 수염이 없는 청년으로 묘사되었음을 알 수 있습니다. 이것은 아폴로와 오르페우스 숭배에서 나온 상징주의입니다. 2세기에 살았던 로마인들은 계시록의 의미를 설명하는 데 어려움을 겪었습니다. 이미지는 사람들이 이해할 수 있는 언어로 기독교를 설명했습니다. 그리고 어제의 이교도들은 상징적 신비언어에 가까웠습니다.

– 예술가에게 아이콘 페인팅은 전 세계입니다...

– 예술을 통해 하나님을 알 수 있는 기회는 정교회의 놀라운 선물입니다. 예를 들어, 구약에서는 이전에 이것이 금지되었습니다. 그러나이 선물에는 책임과 위험이 모두 있습니다. 성상 파괴 시대가 교회에 대한 시험이었던 것은 우연이 아닙니다. 우리는 6세기 말에 어떤 경우에는 아이콘에 대한 잘못된 태도가 나타났음을 알고 있습니다. 아이콘이 반사, 거울이지만 신성 자체가 아니라는 이해가 침해되었습니다. 존경받는 이미지에서 페인트를 긁어내고 성찬과 함께 성배에 추가한 사례가 설명되어 있습니다. 사람들은 신성한 것에 대한 더 이해하기 쉬운 이교도 수준의 태도로 옮겨갔습니다. 이에 대한 반응으로 아이콘에 대한 박해가 일반적으로 시작되었습니다. 교회 예술은 우리의 기도입니다. 아이콘 화가에게는 큰 책임이 있습니다. 하나님에 대한 지식은 창조성 안에서 성취됩니다. 이것은 우리가 없이는 살 수 없는 내적 욕구이자 행동입니다.


인터뷰: Alina Sergeychuk

자료 출처: 출판사 "Rusizdat"의 잡지 "Blagoukrasitel" No. 41(2013년 겨울).

(6장에 대해서 계속 댓글을 달고, 댓글도 잘 달아주는데도 불구하고, 이제 7장을 올리게 되었습니다.)

아이콘 페인팅 스타일

그렇다면 이미지가 아이콘이 되기 위한 도상학의 기준을 - 의심의 여지 없이, 완벽하게 - 따르는 것만으로도 충분할까요? 아니면 다른 기준이 있나요? 20세기 유명한 작가들의 가벼운 손길을 지닌 일부 엄격주의자들에게는 스타일이 그러한 기준이 됩니다.

일상 속 속물적 이해에서 스타일은 단순히 정경과 혼동됩니다. 다시는 이 문제로 돌아가지 않기 위해 다시 한 번 반복합니다. 도상학적 캐논은 이미지의 순전히 문학적이고 명목적인 측면입니다. : 누가 어떤 옷, 배경, 행동으로 아이콘에 표현되어야 하는지 - 이론적으로 유명한 배경에서 의상을 입은 엑스트라 사진조차도 도상학의 관점에서 완벽할 수 있습니다. 스타일은 이미지의 주제와 완전히 독립적인 세계에 대한 예술적 비전 시스템입니다. , 내부적으로 조화되고 통일된 프리즘을 통해 예술가와 그 뒤의 시청자는 최후의 심판에 대한 장대 한 그림이든 가장 작은 풀 줄기, 집, 바위, 사람 및 모든 머리카락이든 모든 것을 봅니다. 이 사람 머리에. 예술가의 개별 스타일(이러한 스타일이나 매너는 무한히 많으며 각각은 독특하며 독특한 인간 영혼의 표현임)과 더 넓은 의미의 스타일 사이에는 차이가 있습니다. 시대, 국가, 학교. 이 장에서는 "스타일"이라는 용어를 두 번째 의미로만 사용합니다.

그래서 이런 의견도 있어요

마치 소위 "비잔틴 양식"으로 그려진 것만이 실제 아이콘인 것처럼 말입니다. 과도기 시대에 러시아에서 "Fryazhsky"라고 불렸던 "학문적" 또는 "이탈리아적" 스타일은 아마도 서방 교회의 거짓 신학의 썩은 산물이며, 이 스타일로 쓰여진 작품은 아마도 실제 아이콘이 아닐 것입니다. , 전혀 아이콘이 아닙니다. .


성 베드로 대성당의 돔 키예프의 소피아, 1046년


V.A. Vasnetsov. 키예프의 블라디미르 대성당 돔 그림 스케치. 1896.

현상으로서의 아이콘은 주로 교회에 속하고 교회는 학문적 스타일의 아이콘을 무조건 인식하기 때문에 이러한 관점은 이미 거짓입니다. 그리고 그것은 일상적인 실천 수준뿐만 아니라 일반 교구민의 취향과 선호도를 인식합니다 (여기서 알려진 바와 같이 오해, 뿌리 깊은 나쁜 습관 및 미신이 발생할 수 있음). 위대한 성인들은 “학술적” 스타일로 그려진 아이콘 앞에서 기도했습니다.Ⅷ - XX세기에는 Valaam이나 Athos 수도원과 같은 뛰어난 영적 센터의 워크샵을 포함하여 수도원 워크샵이 이 스타일로 진행되었습니다. 러시아 정교회의 최고 계층은 학계 예술가들에게 아이콘을 주문했습니다. 예를 들어 Viktor Vasnetsov의 작품과 같은 일부 아이콘은 성장하는 것과 충돌하지 않고 여러 세대에 걸쳐 사람들에게 알려지고 사랑 받고 있습니다. 최근에"비잔틴" 스타일의 인기. 30 대 메트로폴리탄 Anthony Khrapovitsky. V. Vasnetsov와 M. Nesterov는 아이콘 그림의 국가 천재, 대성당의 지수, 민속 예술, 그의 의견으로는 당시 진정한 의미에서 도상학이 전혀 없었던 모든 기독교 민족 사이에서 뛰어난 현상이었습니다..

그러나 우리는 정교회가 비잔틴 성화 양식을 의심할 여지 없이 인정하고 있음을 지적했지만 이에 만족할 수 없습니다. "비잔틴"스타일과 "이탈리아"스타일의 대조, 첫 번째 영성과 두 번째 영성 부족에 대한 의견은 너무 널리 퍼져 전혀 고려되지 않습니다. 그러나 이 의견은 언뜻 보기에는 타당해 보이지만 실제로는 자의적인 조작이라는 점에 주목하자. 결론 자체뿐만 아니라 그 전제도 매우 의심스럽습니다. "비잔틴"과 "이탈리아어"라는 이유로 여기에 인용 부호를 붙인 바로 이러한 개념, 즉 학문적 스타일은 관습적이고 인위적인 개념입니다. 교회는 이를 무시하고, 과학사와 예술 이론도 그러한 단순화된 이분법을 알지 못합니다(이 용어가 영토-역사적 내용을 담고 있지 않다는 것을 설명할 필요가 없기를 바랍니다). 그들은 첫 번째와 두 번째 당파 사이의 논쟁의 맥락에서만 사용됩니다. 그리고 여기서 우리는 본질적으로 말도 안되는 개념을 정의해야하지만 불행히도 속물 의식에 확고하게 자리 잡은 개념을 정의해야합니다. 위에서 우리는 이미 "비잔틴 스타일"로 간주되는 많은 "부차적 특징"에 대해 이야기했지만 "스타일" 간의 실제 구분은 물론 다른 곳에 있습니다. 교육을 덜 받은 사람들을 위한 이 허구적이고 쉽게 소화 가능한 반대는 다음과 같은 기본 공식으로 귀결됩니다. 학문적 스타일은 자연에서 "닮아 보이는" 것입니다(또는 오히려 "아이콘 신학"의 창시자 L. Uspensky는 그것이 보인다고 생각합니다). like) 및 비잔틴 스타일- "닮지 않은"경우 (동일한 Uspensky의 의견에 따르면). 사실, 유명한 "아이콘의 신학자"는 실제로 다른 형태와 마찬가지로 직접적인 형태로 정의를 제공하지 않습니다. 그의 책은 일반적으로 용어에 있어서 방법론과 절대적인 자발주의가 전혀 없다는 훌륭한 예입니다. 이 기본 작업에는 정의와 기본 조항을 위한 자리가 전혀 없으며 결론은 즉시 테이블 위에 배치되고 무에서 결론에 동의하는 데 익숙하지 않은 사람들을 위한 예방 조치가 산재해 있습니다. 따라서 "유사-학문-비영적" 및 "비유사-비잔틴-영적"이라는 공식은 Uspensky가 매력적인 벌거 벗음으로 제시한 곳이 없지만 아버지가 서명 한 공리 인 것처럼 보이는 작은 소화 가능한 복용량으로 독자에게 점차적으로 제시됩니다. 일곱 개의 에큐메니칼 공의회 중-책 자체가 "정교회 아이콘의 신학"이라고 불리는 것은 아무것도 아닙니다. 공평하게 말하자면, 책의 원래 제목은 좀 더 겸손했으며 프랑스어에서 "성상의 신학"으로 번역되었다고 덧붙입니다. V 정교회", 이것은 러시아어 판에서 작은 전치사 "in"이 어딘가에서 사라져 우아하게 식별됩니다. 정교회신학교육도 받지 못한 고등학교 중퇴자.

하지만 스타일 문제로 돌아가 보겠습니다. 우리는 다음과 같은 이유로 “비잔틴”과 “이탈리아” 사이의 대립을 원시적이고 저속하다고 부릅니다.

a) 자연과 유사한 것과 유사하지 않은 것에 대한 생각은 극히 상대적입니다. 같은 사람이라도 시간이 지나면서 상당히 극적으로 변할 수 있습니다. 너의 ~를 줘라 자신의 생각다른 사람의 본성, 그리고 훨씬 더 다른 시대 및 국가와의 유사성에 대해 순진한 것 이상입니다.

b) 비유적으로 미술어떤 스타일, 어떤 시대의 자연을 모방하는 것은 자연을 수동적으로 복사하는 것이 아니라 그 깊은 속성, 논리 및 조화를 능숙하게 전달하는 것입니다. 보이는 세계, 창조에서 우리가 끊임없이 관찰하는 미묘한 유희와 대응의 통일성.

c) 따라서 예술적 창의성의 심리학과 관객의 평가에서 자연과의 유사성은 의심할 여지 없이 긍정적인 현상이다. 건전한 마음과 정신을 가진 예술가는 그것을 위해 노력하고, 관객은 그것을 기대하고 공동 창작 행위에서 인식합니다.

d) 자연과의 유사성 타락과 자연과의 차이점의 축복을 진지하게 신학적으로 입증하려는 시도는 논리적 막다른 골목이나 이단으로 이어질 것입니다. 분명히 이것이 지금까지 아무도 그런 시도를 한 적이 없는 이유입니다.

그러나 이 연구에서는 위에서 언급한 바와 같이 신학적인 분석을 자제한다. 우리는 역사와 예술 이론의 관점에서 신성한 예술을 '타락한 학문'과 '영적 비잔틴'으로 나누는 것이 올바르지 않음을 보여주는 것에만 국한할 것입니다.

다음 사항을 알아차리기 위해 훌륭한 전문가가 될 필요는 없습니다. 첫 번째 그룹의 신성한 이미지에는 Uspensky가 욕했던 Vasnetsov와 Nesterov의 아이콘뿐만 아니라 완전히 다른 러시아 바로크와 고전주의의 아이콘도 포함됩니다. 서유럽의 모든 신성한 그림은 말할 것도 없고 스타일 면에서도 초기 르네상스 Vysoky, Giotto에서 Durer, Raphael에서 Murillo, Rubens에서 Ingres까지. 표현할 수 없는 풍부함과 폭, 기독교 세계 역사의 전체 시대, 위대한 스타일의 흥망성쇠, 국가 및 지역 학교, 위대한 스승의 이름, 그의 삶, 경건, 신비로운 경험에 대한 다큐멘터리 데이터는 " 전통적인” 아이콘 화가. 이 모든 끝없는 문체적 다양성은 하나의 포괄적이고 선험적인 부정적인 용어로 축소될 수 없습니다.

그리고 주저 없이 "비잔틴 양식"이라고 부르는 것은 무엇입니까? 여기서 우리는 거의 2000년에 달하는 교회 회화 역사의 한 용어 아래에서 모든 다양한 학파와 매너를 갖춘 훨씬 더 조잡하고 훨씬 더 불법적인 통일에 직면합니다. 자연 형태의 극단적이고 가장 원시적인 일반화부터 거의 자연주의적인 해석에 이르기까지 극도의 단순함에서 극단적이고 고의적인 복잡성까지, 열정적인 표현력에서 가장 부드러운 부드러움까지, 사도적 직접성부터 매너리즘적인 즐거움까지, 획기적인 중요성을 지닌 대가부터 장인과 아마추어까지. (다른 사람의 자의적인 해석이 아닌 문서를 통해) 이 거대한 기독교 문화 층의 모든 이질성을 알고 있는 우리는 선험적으로 "비잔틴 스타일"의 정의에 맞는 진정으로 교회적이고 영적인 모든 현상을 평가할 권리가 없습니다.

그리고 마지막으로, 문체상 특정 진영에 속하지 않지만 그 사이의 경계에 있거나 오히려 병합되는 수많은 예술적 현상을 어떻게 해야 할까요? Simon Ushakov, Kirill Ulanov 및 해당 서클의 다른 아이콘 화가의 아이콘을 어디에 배치합니까? 러시아 제국 서부 외곽의 도상학 XVI - XVII 세기?


Hodegetria. 키릴 울라노프, 1721년


코르순의 성모님. 1708년 36.7 x 31.1 cm, 개인 소장품, 모스크바 오른쪽 하단에 비문: "(1708) Alexy Kvashnin 작성"

"슬퍼하는 모든 이들의 기쁨" 우크라이나, 17세기.

성. 위대한 순교자 바바라와 캐서린. 18 세기 우크라이나 국립박물관

크레타 학교 XV - XVII 예술가들의 작품 수세기 동안 터키 정복자들을 피해 도망친 정교회 장인들을 위한 세계적으로 유명한 피난처가 되었습니까? 크레타 학교의 현상 자체만으로도 타락한 서양 방식과 의로운 동양 방식을 반대하는 모든 추측을 반박합니다. 크레타인들은 정교회와 가톨릭교의 명령을 수행했습니다. 둘 다 상태에 따라~에 마니에라그리스 또는 ~에 마니에라 라틴계. 종종 그들은 Candia의 워크샵 외에도 베니스에서 또 다른 워크샵을 가졌습니다. 이탈리아 예술가들은 베니스에서 크레타 섬으로 왔습니다. 그들의 이름은 Candia의 길드 등록부에서 찾을 수 있습니다. 동일한 마스터가 두 가지 스타일을 모두 마스터했으며 예를 들어 같은 해에 동일한 성공을 거둔 "그리스어" 및 "라틴어" 아이콘을 그린 Andreas Pavias와 같이 둘 중 하나를 번갈아 작업할 수 있습니다. 두 스타일의 구성이 동일한 접힌 문에 배치되는 일이 발생했습니다. 이것이 Nikolaos Ritsos와 그의 서클의 예술가가 한 일입니다. 그리스의 거장은 Nikolaos Zafouris처럼 "그리스"와 "라틴" 특성을 종합하여 자신만의 특별한 스타일을 개발했습니다.


안드레아스 리초스. 범죄자. 15세기

크레타 섬을 떠나 정교회 수도원으로 가면서 칸디오트 마스터들은 그리스 전통에서 자신을 발전시켰습니다(메테오라와 아토스의 대 라브라의 아이콘과 벽화의 저자인 테오파니스 스트렐리차스). 서유럽 국가로 이주한 그들은 라틴 전통에서 성공을 거두었지만 그럼에도 불구하고 자신을 정통, 그리스인, Candiots로 계속 인식했으며 심지어 작품의 서명에 이를 표시했습니다. 가장 눈에 띄는 예는 나중에 El Greco라고 불리는 Domenikos Theotokopoulos입니다. 크레타에서 그린 그의 아이콘은 "비잔틴" 스타일, 전통적인 재료 및 기술, 도상학의 표준성에 대한 가장 엄격한 요구 사항을 확실히 충족합니다.

스페인 시대의 그의 그림은 모든 사람에게 알려져 있으며 서유럽 학교와의 문체적 연관성도 의심할 여지가 없습니다.

그러나 마스터 도메니코스 자신은 이 둘 사이에 어떤 본질적인 구별도 하지 않았습니다. 그는 항상 그리스어로 서명했고, 샘플에서 작업하는 전형적인 그리스 방식을 보존했으며, 협상을 단순화하기 위해 자신이 개발한 가장 일반적인 주제의 일종의 수제 도상학 원본 표준 구성을 제시하여 스페인 고객을 놀라게 했습니다.

특별한 지리적 및 정정크레타 학교의 존재는 항상 특히 밝고 집중된 형태로 나타났습니다. 주요 및 상호 이익, 학교와 문화의 상호 풍요로움에서 기독교 예술의 고유한 통일성 . 신학적이고 도덕적인 퇴폐와 같은 현상을 원래 러시아 아이콘 그림에서는 특이한 것으로 해석하려는 모호주의자들의 시도는 신학적인 관점이나 역사적 문화적 관점에서 볼 때 지지할 수 없습니다. 러시아는 이 규칙에서 결코 예외가 아니었으며, 국가 아이콘 그림이 번성한 것은 바로 접촉의 풍부함과 자유 때문이었습니다.

그렇다면 그 유명한 논란은 어떻습니까? XVII V. 아이콘 페인팅 스타일에 대해? 그렇다면 러시아 교회 예술을 "정신을 품은 전통"과 "타락한 이탈리아화"라는 두 가지 분야로 나누는 것은 어떻습니까? 우리는 너무나 유명한 (그리고 너무 잘 이해된) 이들에 눈을 감을 수 없습니다.현상. 우리는 그들에 대해 이야기할 것입니다. 그러나 서유럽의 유명한 아이콘 신학자들과 달리 우리는 이러한 현상에 그들이 가지고 있지 않은 영적인 의미를 부여하지 않을 것입니다.

'스타일 논쟁'은 어려운 정치적 상황과 배경에 맞서 진행됐다. 교회 분열. 수세기에 걸친 세련된 국가 스타일의 세련된 작품과 "이탈리아"스타일을 마스터하려는 최초의 어색한 시도 사이의 명확한 대조는 "신성한 고대"의 이데올로기에게 강력한 무기를 제공했으며, 이는 느리지 않았습니다. 전통적인 아이콘 페인팅이라는 사실 XVII V. 더 이상 힘과 활력을 갖고 있지 않습니다. 15세 세기, 점점 더 얼어 붙고 세부 사항과 장식으로 벗어나 자신의 방식으로 바로크 양식을 향해 행진하면서 그들은 눈치 채지 않는 것을 선호했습니다. 그들의 모든 화살은 "생생한 것"을 향하고 있습니다. 대제사장 Avvakum이 만든이 용어는 상대에게 극도로 불편하며 그 반대의 경우 일종의 "죽음과 같은 것"을 암시합니다.

성. 충실한 대공게오르기
1645년, 블라디미르, 가정 대성당.

17세기 2분기 Solovki.

네비얀스크, 시작 18 세기


세인트 베너러블 니폰트
17~18세기의 전환기 페름기,
미술관

슈야 아이콘 하나님의 어머니
표도르 페도토프 1764
이사코보, 하느님의 어머니 성상 박물관

우리는 우리의 인용하지 않을 것입니다 요약양측의 주장은 항상 논리적이고 신학적으로 타당하지는 않습니다. 우리는 그것을 분석 대상으로 삼지 않을 것입니다. 특히 그러한 작업이 이미 존재하기 때문입니다. 그러나 우리는 러시아 분열의 신학을 진지하게 받아들이지 않기 때문에 분열적인 “성상 신학”에서 논쟁의 여지가 없는 진리를 볼 의무가 결코 없다는 것을 기억해야 합니다. 더욱이 우리는 서유럽에 여전히 널리 퍼져 있는 아이콘에 대한 러시아 문화적 조작과 피상적이고 편견이 있으며 이혼한 명백한 진실을 볼 의무가 없습니다. "영적 비잔틴"과 "타락한 학문" 스타일에 대해 쉽게 소화할 수 있는 주문을 반복하고 싶은 사람들은 수천 개의 고대 아이콘이 손을 거쳐 러시아에서 평생을 살았던 진정한 전문가의 작품을 읽는 것이 좋을 것입니다. N. V. Pokrovsky, N. P. Kondakova. 그들 모두는 "오래된 방식"과 "살아있는 모습"사이의 갈등을 훨씬 더 깊고 냉정하게 보았고 "총체적 분열과 무지한 옛 신념"을 가진 Avvakum과 Ivan Pleshkovich의 당파가 전혀 아니 었습니다.. 그들 모두는 아이콘 페인팅의 예술성, 전문성 및 아름다움을 대표했으며 가장 순수한 "비잔틴 스타일"이라 할지라도 썩은 고기, 값싼 수공예품, 어리 석음 및 모호함을 비난했습니다.

우리 연구의 목적은 우리가 논쟁에 오랫동안 머무르는 것을 허용하지 않습니다. XVII V. 러시아 교회 예술의 두 방향의 대표자와 이데올로기 사이. 오히려 이러한 방향의 결과를 살펴보겠습니다. 그 중 하나는 예술가에게 어떤 문체 제한도 가하지 않았고 성직자와 평신도에 의한 아이콘에 대한 명령과 후속 인식 또는 비인정을 통해 자체 규제되었으며, 다른 하나는 보수적이며 역사상 처음으로 아이콘 화가에게 처방을 시도했습니다. 예술 스타일, 하나님과 창조된 세계에 대한 지식을 전달하는 가장 미묘하고 깊이 개인적인 도구입니다.

삶과 문화와 밀접하게 연결되는 첫 번째, 주요 방향의 신성한 예술 정통파 사람들, 일정 기간의 방향 전환을 거쳤으며 약간 변경되었습니다. 기술, 공간 구성 시스템 인 관습과 현실주의에 대한 아이디어는 이미지로 하나님을 아는 신성한 사명을 가장 잘 대표합니다. 하나님에 대한 지식은 참으로 정직하고 책임감이 있으며, 예술가의 인격이 외적인 스타일의 가면 아래 숨겨지는 것을 허용하지 않습니다.

그리고 이때 무슨 일이 일어났는지, 마지막부터 XVII~XX c. "전통적인" 아이콘 페인팅을 사용하는 경우? 실제로 이 현상이 발생하기 때문에 이 단어를 따옴표로 묶었습니다. 전혀 전통적이지는 않지만 전례가 없습니다. 지금까지 아이콘 그림 스타일은 동시에 역사적인 스타일이자 시대와 국가의 영적 본질을 생생하게 표현했으며 이제 이러한 스타일 중 하나가 고정되어 선언되었습니다. 그 자체가 유일한 진실이다.



성 에브도키아 목사
네비얀스크, 이반 체르노브로빈, 1858년

네비얀스크, 1894년
(이 게시물의 모든 Old Believer 아이콘이 사용되었습니다. )

무책임한 반복을 통해 하나님과의 친교를 살아있는 노력으로 대체하는 것입니다. 알려진 공식"전통적인 방식"으로 아이콘 페인팅 수준을 크게 낮췄습니다. 이 시대의 평균적인 "전통적" 아이콘은 예술적이고 정신적으로 표현되는 특성이 이전 시대의 아이콘뿐만 아니라 학문적 방식으로 그려진 현대 아이콘보다 훨씬 낮습니다. 학문적 방식을 익히고 눈에 보이는 세계와 보이지 않는 세계를 이해하기 위한 완벽한 도구를 보고 비잔틴 기술에서는 지루함과 야만성을 봅니다. 그리고 우리는 사물에 대한 이러한 이해가 건강하고 올바른 것으로 인식할 수밖에 없습니다. 왜냐하면 이 지루함과 야만성은 실제로 장인의 손에 타락한 "비잔틴 스타일"에 내재되어 있었고 교회 재무부에 대한 늦게 부끄러운 기여였기 때문입니다. 역사적으로 죽은 방식에서 “자신을 발견”할 수 있었던 극소수의 고급 스승들이 교회를 위해 일하지 않았다는 것은 매우 중요합니다. 그러한 아이콘 화가(보통 고대 신자)의 고객은 대부분 수도원이나 교구 교회가 아니라 개인 아마추어 수집가였습니다. 따라서 하나님과의 의사 소통 및 하나님에 대한 지식을위한 아이콘의 목적은 부차적이었습니다. 기껏해야 훌륭하게 그려진 아이콘은 감탄의 대상이되었고 최악의 경우 투자 및 인수의 대상이되었습니다. 이러한 신성 모독적인 대체는 "구식" 아이콘 화가들의 작품의 의미와 특수성을 왜곡했습니다. 인위적이고 위조된 것이 분명한 이 중요한 용어에 주목해 봅시다. 한때 교회 안에서 그리고 교회를 위해 주님을 향한 지극히 개인적인 봉사였던 창조적 작업은 노골적인 죄악에까지 이를 정도로 퇴보했습니다. 재능 있는 모방자에서 재능 있는 위조자가 되는 것은 한 단계의 단계입니다.

N. A. Leskov의 고전 이야기를 떠올려 보겠습니다. 봉인된 천사" 많은 노력과 희생을 치르고 그의 신성한 예술을 매우 높이 평가하는 Old Believer 커뮤니티에 의해 발견 된 유명한 마스터. 세속적 질서로 손을 더럽히는 것을 단호하게 거부하는 사람은 본질적으로 위조의 거장으로 밝혀졌습니다. 그는 성화를 봉헌하고 기도하기 위해 교회에 두기 위해서가 아니라 교활한 기법을 사용하여 그림에 균열을 덮고 기름진 진흙으로 닦아 물건으로 바꾸는 가벼운 마음으로 아이콘을 그립니다. 대체용. Leskov의 영웅이 평범한 사기꾼이 아니더라도 경찰이 부당하게 압수 한 이미지를 반환하고 싶었을뿐입니다. 이 고대 모방자의 거장 손재주가 그러한 "의로운 사기"영역에서만 독점적으로 획득했다고 가정 할 수 있습니까? ? 그리고 속기 쉬운 지방 사람들에게 놀라운 "골동품" 작품의 아이콘을 파는 같은 이야기의 모스크바 거장들은 어떻습니까? 이 아이콘의 가장 섬세한 색상 층 아래에서 젯소에 그려진 악마가 발견되고, 냉소적으로 속은 지방 사람들은 눈물을 흘리며 "지옥 같은" 이미지를 버립니다... 다음날 사기꾼은 그것을 복원하여 다시 판매할 것입니다. "진짜" 피해자, 즉 고대 문자 아이콘을 위해 돈을 지불할 준비가 되어 있는 또 다른 피해자

이것은 아이콘 화가의 개인적인 정신적, 창조적 경험과 연결되지 않은 스타일, 당시의 미학과 문화에서 벗어난 스타일의 슬프지만 피할 수 없는 운명입니다. 문화적 전통으로 인해 우리는 아이콘을 스타일이 양식화되지 않은 중세 거장의 작품뿐만 아니라 세계관이라고 부릅니다. 우리는 평범한 장인(승려와 평신도)이 무심코 찍어낸 값싼 이미지와 연주 기술이 뛰어난 '고참'의 작품을 모두 아이콘이라고 부릅니다. XVIII - XX 때로는 원래 저자가 가짜로 의도한 경우도 있습니다. 그러나 이 제품은 교회적 의미의 아이콘 명칭에 대한 우선권을 갖고 있지 않습니다. 학문적 스타일의 현대 아이콘이나 문체 적으로 중간 현상과 관련이 없으며 우리 시대의 아이콘 그림과도 관련이 없습니다. 예술과 무관한 이유로, 지적, 이론적 고려로 예술가의 스타일을 지시하려는 모든 시도는 실패할 운명입니다. 정교한 아이콘 화가들이 (첫 번째 러시아 이민의 경우처럼) 중세 유산으로부터 고립되지 않고 (예를 들어 그리스에서처럼) 중세 유산에 접근할 수 있더라도 말입니다. "비잔틴" 아이콘이 비잔틴 아이콘보다 훨씬 더 거룩하거나 심지어 거룩함에 대한 독점권을 가지고 있다는 것을 "토론하고 결정"하는 것만으로는 충분하지 않습니다. 또한 유일하게 신성한 것으로 선언된 스타일을 재현할 수 있어야 합니다. 그러나 어떤 이론도 이를 제공하지 않습니다. 아이콘 화가이자 아이콘 페인팅에 관한 부당하게 잊혀진 여러 기사의 저자인 Archimandrite Cyprian(Pyzhov)에게 바닥을 제공하겠습니다.

“현재 그리스에서는 아름다운 형태와 선의 훼손, 일반적으로 비잔티움 고대 예술가들의 문체적으로 발전된 영적으로 숭고한 창의성으로 표현되는 비잔틴 스타일의 인위적인 부흥이 일어나고 있습니다. 대회의 도움을 받은 현대 그리스 아이콘 화가 Kondoglu 그리스 교회, 그의 작품의 여러 복제품을 출시했는데, 이는 유명한 그리스 예술가 Panselin의 평범한 모방으로 인식될 수밖에 없습니다... Kondoglu의 팬들과 그의 학생들은 성도들이 "실제 사람처럼 보여서는 안 된다"고 말합니다. 좋다?! 그러한 해석의 원시성은 고대 아이콘 그림의 정신적, 미적 아름다움을 보고 피상적으로 이해하고 아마도 복원된 비잔틴 양식의 예로 제시된 그 대용물을 거부하는 사람들에게 매우 해롭습니다. 종종 "고대 스타일"에 대한 열정의 표현은 성실하지 않으며, 그 지지자들에게서만 허세와 진정한 예술과 조악한 모방을 구별할 수 없음을 드러냅니다.


엘레우사.
아래 Fotis Kondoglu, 1960년대 - Hodegetria 및 Self-Portrait의 동일한 브러시입니다.

어떤 대가를 치르더라도 고대 스타일에 대한 그러한 열정은 개인이나 그룹에 내재되어 있으며, 비이성적이거나 어떤 경우에는 일반적으로 매우 세속적인 고려 사항으로 인해 발생합니다.

아이콘은 중재자이자 지휘자 인 지상의 성자 또는 신의 이미지라고 믿어집니다. 지상 세계그리고 영적인. 이미지 글쓰기의 발전은 고대로 거슬러 올라갑니다. 전설에 따르면 첫 번째 이미지는 그리스도가 몸을 말릴 때 수건(우브루스)에 나타난 그리스도의 각인이었습니다.

비잔틴 아이콘은 주 하나님, 하나님의 어머니 및 그녀의 아들을 묘사하려고 시도한 최초의 살아남은 이미지입니다.

이미지 작성

오늘날까지 살아남은 최초의 비잔틴 성상은 6세기로 거슬러 올라갑니다. 의심 할 여지없이 이전 버전이 있었지만 불행히도 살아남지 못했습니다. 최초의 기독교인들은 매우 자주 박해와 박해를 받았으며 당시의 많은 사본과 이미지는 단순히 파괴되었습니다. 게다가 당시에는 우상 숭배로 간주되었습니다.

글쓰기 스타일은 살아남은 일부 모자이크를 통해 판단할 수 있습니다. 모든 것이 아주 단순하고 금욕적이었습니다. 각 아이콘은 정신의 강인함과 이미지의 깊이를 보여주어야 했습니다.

현재 살아남은 많은 비잔틴 아이콘이 성 캐서린 수도원에 보관되어 있습니다. 그 중 가장 유명한 것은:

  • "그리스도 팬토크레이터".
  • "사도 베드로".
  • "즉위하신 성모님"

그들의 그림 스타일 - 불길한 -은 당시 가장 인기있는 스타일 중 하나로 간주되었습니다. 그 특징은 아직 뜨거울 때에도 이미지가 왁스 페인트로 칠해진다는 것입니다. 이러한 글쓰기 방법을 통해 아이콘의 형태를 매우 사실적으로 묘사할 수 있었습니다. 나중에 이 기술은 글쓰기의 표준과 더 일치한다고 믿었기 때문에 템페라로 대체되었습니다.

또 다른 매우 흥미로운 점은 이 세 개의 아이콘이 이후 도상학에서 형성되는 중요한 이미지를 나타낸다는 점이다. 그 후, 글쓰기 스타일은 점차 상징적인 스타일로 축소되었으며, 아이콘에 묘사된 사람의 인간성이 아니라 그의 영성이 지배적이었습니다. Comnenian 시대(1059-1204)에 이미지의 얼굴은 다시 인간적으로 변했지만 영성은 그대로 유지되었습니다. 눈에 띄는 예는 블라디미르 아이콘. 18세기 콘스탄티노플의 패배에도 불구하고 성상화에는 새로운 것이 나타났습니다. 이것은 차분하고 기념비적입니다. 그 후 비잔티움의 아이콘 화가들은 계속해서 검색을 했습니다. 올바른 글쓰기얼굴과 이미지가 전체적으로 14세기에는 성상에 신성한 빛을 전달하는 것이 중요해졌습니다. 콘스탄티노플을 점령할 때까지 이 방향에 대한 검색과 실험은 멈추지 않았습니다. 새로운 명작도 등장했다.

한때 비잔틴 성상화는 기독교가 전파된 모든 국가에 중대한 영향을 미쳤습니다.

러시아의 그림 아이콘

러시아의 첫 번째 이미지는 Rus의 세례 직후에 나타났습니다. 이것은 주문에 따라 그려진 비잔틴 아이콘이었습니다. 석사도 훈련에 초대되었습니다. 따라서 처음에는 비잔틴의 영향을 많이 받았습니다.

11세기에 키예프 페체르스크 라브라(Kiev Pechersk Lavra)에 첫 번째 학교가 세워졌습니다. 첫 번째 유명한 아이콘 화가가 등장했습니다. Alypius와 그의 "협력자"는 한 원고인 Gregory에 기록되어 있습니다. 키예프에서 기독교가 다른 러시아 도시로 퍼졌다고 믿어집니다. 이와 함께 아이콘 페인팅이 제공됩니다.

얼마 후 노브고로드, 프스코프, 모스크바에 매우 큰 학교가 세워졌습니다. 그들 각각은 글쓰기에서 자신의 특성을 형성했습니다. 이때 이미지에 서명하고 저작권을 할당하는 방식이 사용되었습니다. 16세기부터 러시아 문체는 비잔틴 문체에서 완전히 분리되어 독립되었다고 말할 수 있습니다.

특히 학교에 대해 이야기하면 Novgorod 학교의 특징은 단순성과 간결함, 음색의 밝기 및 큰 형태였습니다. 프스코프 학교에는 좀 더 비대칭적인 부정확한 그림이 있지만 특정한 표현력이 부여됩니다. 짙은 녹색, 짙은 체리색, 주황색 색조의 빨간색이 우세한 약간 우울한 색상이 특징입니다. 아이콘의 배경은 노란색인 경우가 많습니다.

모스크바 학교는 당시 아이콘 그림의 정점으로 간주됩니다. 그녀는 콘스탄티노플에서 특정 전통을 가져온 작품에 큰 영향을 받았습니다. 이와 별도로 아이콘의 훌륭한 예를 만든 Andrei Rublev의 작업이있었습니다. 그의 작품에서 그는 15세기 비잔티움의 특징적인 문체를 사용했습니다. 동시에 그는 러시아의 지시도 적용했다. 최종 결과는 놀라운 스타일의 이미지였습니다.

러시아의 도상학은 자신의 길을 따랐지만 비잔티움에서 사용할 수 있었던 모든 유형의 아이콘 쓰기를 유지했다는 점에 유의해야 합니다. 물론 시간이 지남에 따라 다소 변형되었으며 심지어 새로운 것이 나타났습니다. 이는 새로운 정식 성인의 출현과 비잔티움에서 그다지 중요하지 않은 사람들에 대한 특별한 존경 때문이었습니다.

17세기에 러시아의 성상화는 영적인 것보다 예술적인 것이 점점 더 많아졌고 전례 없는 범위를 얻었습니다. 명인의 가치가 점점 높아지고 있으며 사원을 칠하기 위해 다른 나라로 파견되기도 합니다. 러시아 아이콘은 많은 사람들에게 주문 및 판매됩니다. 정교회 국가. 이후 몇 년 동안 이 기술은 숙달된 경우에만 확인되었습니다.

당시 러시아의 아이콘 그림 소련쇠퇴를 경험하면서 일부 고대 이미지가 손실되었습니다. 그러나 이제 서서히 부활하면서 이 분야에서 성공을 거두는 새로운 예술가들이 등장하고 있다.

신자들의 삶에서 하나님의 어머니의 아이콘의 의미

하나님의 어머니는 항상 기독교에서 특별한 위치를 차지해 왔습니다. 처음부터 그녀는 중재자이자 보호자였습니다. 상인, 도시 및 국가도 포함됩니다. 분명히 이것이 하나님의 어머니의 아이콘이 너무 많은 이유입니다. 전설에 따르면, 그 첫 번째 이미지는 전도자 누가가 그렸습니다. 특별한 기적의 능력을 가지고 있습니다. 또한, 다양한 이미지로 작성된 일부 목록은 시간이 지남에 따라 치유되고 보호되는 역할을 했습니다.

하나님의 어머니의 어떤 아이콘이 어떤 방식으로 도움이되는지 이야기한다면, 다양한 문제에 대해 다양한 이미지의 도움을 요청해야한다는 것을 알아야합니다. 예를 들어, "잃어버린 자 찾기"라고 불리는 하나님의 어머니의 이미지는 두통, 안구 질환에 도움이 될 것이며 알코올 중독에도 도움이 될 것입니다. 먹을 가치가 있다는 아이콘은 영혼과 육체의 각종 질병에 도움이되며, 일을 마친 후에기도하는 것도 좋습니다.

하나님의 어머니의 아이콘 유형

하나님의 어머니의 각 이미지는 아이콘 작성 유형에서 이해할 수있는 고유 한 의미를 가지고 있음을 알 수 있습니다. 유형은 비잔티움에서 다시 형성되었습니다. 그 중 눈에 띄는 것은 다음과 같다.

오란타(기도)

이것이 바로 하나님의 어머니의 초기 기독교 비잔틴 아이콘이 제시되는 방식입니다. 전체 높이또는 아기 없이 손바닥이 바깥쪽을 향하게 하여 팔을 들어올리고 옆으로 벌린 채 허리 깊이까지 뻗는다. 비슷한 이미지가 로마 카타콤바에서도 발견되었으며, 도상학적 유형은 843년 이후 더욱 널리 퍼졌습니다. 주요 의미는 하나님의 어머니의 중보와 중재입니다.

가슴 높이의 둥근 메달에 아기 그리스도와 함께 있는 성모 마리아 이미지의 변형도 있습니다. 러시아 도상학에서는 "The Sign"이라고 부릅니다. 이미지의 의미는 주현절입니다.

유명한 아이콘:

  • "야로슬라프스카야".
  • “무진장 성배” 등

호데게트리아(가이드북)

이러한 종류의 비잔틴 양식의 신의 어머니 아이콘은 전 세계에 널리 퍼졌습니다. 기독교계 6세기 이후. 전설에 따르면 전도자 루크도 처음으로 그것을 썼습니다. 얼마 후 아이콘은 콘스탄티노플의 중보자가되었습니다. 원본은 포위 공격 중에 영원히 유실되었지만 많은 사본이 살아 남았습니다.

이 아이콘은 아기 그리스도를 팔에 안고 있는 하나님의 어머니를 묘사합니다. 작곡의 중심은 바로 그 사람입니다. 그리스도께서는 오른손으로 축복하시고 왼손에는 두루마리를 들고 계십니다. 하나님의 어머니는 마치 참된 길을 보여주는 듯 손으로 그를 가리킨다. 이것이 바로 이러한 유형의 이미지의 의미입니다.

유명한 아이콘:

  • "카잔스카야".
  • "티흐빈스카야".
  • "Iverskaya"및 기타.

엘레우사(자비로운)

유사한 아이콘도 비잔티움에서 시작되었지만 러시아에서 더 널리 퍼졌습니다. 이런 스타일의 글쓰기는 나중에인 9세기에 나타났습니다. Hodegetria 유형과 매우 유사하지만 더 부드럽습니다. 여기서 아기와 하나님의 어머니의 얼굴이 서로 닿습니다. 이미지가 더욱 부드러워집니다. 이러한 유형의 아이콘은 인간 관계와 유사하게 아들에 대한 어머니의 사랑을 전달한다고 믿어집니다. 일부 버전에서는 이 이미지를 "애무"라고 합니다.

이 유형의 아이콘:

  • "블라디미르스카야".
  • "포차예프스카야".
  • "죽은 자의 회복"등

파나란타

이러한 유형의 이미지는 11세기 비잔티움에서 나타났습니다. 그들은 제단(왕좌)에 앉아 있는 성모 마리아와 그녀의 무릎에 아기를 앉아 있는 모습을 묘사합니다. 그러한 하나님의 어머니의 아이콘은 그녀의 위대함을 상징합니다.

이 유형의 이미지는 다음과 같습니다.

  • "주권자".
  • “모든 것의 여왕.”
  • "페체르스카야".
  • "Kiprskaya"및 기타.

하나님의 어머니“부드러움”(“기뻐하고 신부없는 신부”)의 이미지

아기가 없는 성모 마리아의 얼굴을 묘사한 "부드러움" 아이콘은 사로프의 세라핌(Seraphim of Sarov)의 것이었습니다. 그녀는 그의 방에 서 있었고 그녀 앞에는 항상 등불이 켜져 있었고 그가 고통받는 사람들에게 기름을 부은 기름이 있었고 그들은 치유되었습니다. 정확한 기원은 알려져 있지 않습니다. 이 그림은 17세기경에 그려진 것으로 추정된다. 그러나 어떤 사람들은 Sarov의 Seraphim이 하나님의 어머니와 특별한 관계를 가졌기 때문에 아이콘이 공개되었다고 생각합니다. 그녀는 그를 질병에서 두 번 이상 구했으며 종종 환상에 나타났습니다.

장로가 죽은 후 "부드러움"아이콘이 Diveevsky에게 물려졌습니다. 수도원. 그 이후로 많은 목록이 작성되었으며 그중 일부는 기적이 되었습니다.

이미지는 반쪽짜리 이미지입니다. 아들이 없는 신의 어머니가 가슴에 팔짱을 끼고 머리를 살짝 숙인 모습을 묘사하고 있습니다. 이것은 하나님의 어머니의 가장 부드러운 이미지 중 하나입니다. 그녀는 그리스도의 탄생 이전에 묘사되었지만 성령이 그녀에게 강림한 후에 묘사됩니다. 이것은 하나님의 어머니의 여성 아이콘입니다. 그녀는 어떻게 도와주나요? 특별한 의미이미지는 10세에서 30세 사이의 소녀와 여성을 위한 것입니다. 그에게 기도하면 어려운 십대 시절을 완화하고 처녀의 순수함과 순결을 보존할 수 있다고 믿어집니다. 이 아이콘은 또한 아이를 임신하고 태어날 때 보조자이기도 합니다.

하나님의 어머니의 Pochaev 아이콘

이것은 성모 마리아의 또 다른 유명한 이미지입니다. 그는 오랫동안 기적적인 행위로 유명해졌으며 정교회 신자들 사이에서 높은 존경을 받고 있습니다. 포차예프 아이콘고대의 성스러운 가정(Holy Assumption)에 위치하고 있습니다. 정통적인 장소. 이 이미지는 1597년 지역 지주인 안나 고이스카야가 기증한 것입니다. 그 전에 그녀는 그리스 메트로폴리탄 Neophytos로부터 선물로 받았습니다. 아이콘은 온도를 사용하여 비잔틴 스타일로 그려져 있습니다. 그것으로 최소 300개의 두루마리가 만들어졌고 나중에 기적이 되었습니다.

Pochaev 아이콘은 침략자로부터 수도원을 여러 번 구했으며 또한 그 도움으로 많은 치유가 수행되었습니다. 이후 이 형상에 기도를 드려 외침을 막고 안과 질환을 치료하는 데 도움이 되었습니다.

"비탄"

"슬픔" 아이콘은 눈꺼풀로 덮힌 내리뜬 눈을 가진 하나님의 어머니의 이미지입니다. 전체 이미지는 잃어버린 아들에 대한 어머니의 슬픔을 보여줍니다. 신의 어머니는 홀로 그려져 있고, 아기와 함께 있는 모습도 있다.

다양한 철자 옵션이 있습니다. 예를 들어, 예루살렘의 그리스도 경계 예배당에는 다음과 같은 것이 있습니다. 고대 아이콘, 우는 하나님의 어머니가 묘사되어 있습니다. 러시아에서는 치유로 유명한 '모든 슬픔의 기쁨'이라는 기적적인 이미지가 인기를 끌고 있습니다.

"슬픔" 아이콘은 사랑하는 사람을 잃었을 때 조력자이자 구세주이며, 이 이미지에 대한기도는 영생에 대한 믿음을 강화하는 데 도움이 될 것입니다.

신의 어머니 스몰렌스크 아이콘의 유래

이 이미지는 도상학적 유형으로 볼 때 Hodegetria에 속하며 가장 유명한 아이콘입니다. 이것이 원본인지 아니면 단순한 목록인지는 확실하지 않습니다. 러시아에서는 스몰렌스크 아이콘 1046년에 왔습니다. 이는 콘스탄틴 9세 모노마흐가 자신의 딸 안나가 체르니고프의 브세볼로드 야로슬라비치 왕자와 결혼하도록 축복한 것과 같았습니다. Vsevolod의 아들 Vladimir Monomakh는 이 아이콘을 스몰렌스크로 옮겼고, 그곳에서 그가 또한 지은 성모 영면 교회에 보관했습니다. 이것이 이 이미지의 이름을 얻은 방법입니다.

그 후 아이콘은 다양한 기적을 행했습니다. 예를 들어, 1239는 Smolensk에 치명적일 수 있습니다. 당시 바투의 거대한 무리는 러시아 땅을 가로질러 도시에 접근하고 있었습니다. 주민들의기도와 하나님의 어머니가 환상에 나타난 전사 머큐리의 위업을 통해 스몰 렌 스크는 구원을 받았습니다.

아이콘은 자주 여행했습니다. 1398년에 모스크바로 옮겨져 수태고지 대성당에 안치되었으며, 1456년까지 그곳에 남아있었습니다. 올해 목록이 작성되어 모스크바에 남겨졌고 원본은 스몰렌스크로 다시 보내졌습니다. 그 후 이미지는 러시아 땅의 통일의 상징이되었습니다.

그런데 신의 어머니(비잔틴)의 원래 아이콘은 1940년 이후 사라졌습니다. 1920년대 법령에 따라 그녀는 박물관에 압수되었으며 그 이후 그녀의 운명은 알려지지 않았습니다. 이제 가정 대성당에는 두루마리라는 또 다른 아이콘이 있습니다. 1602년에 쓰여졌습니다.

사로프의 세라핌의 아이콘

Sarov의 Seraphim은 Diveyevo 여성 수도원을 설립하고 이후 후원자가 된 러시아 기적의 일꾼입니다. 그는 어릴 때부터 하나님의 표징을 받았고, 종탑에서 떨어진 후 하나님의 어머니의 성상 앞에서 기도를 드린 후 병에서 구출되었습니다. 동시에 성자는 그녀에 대한 환상을 보았습니다. 세라핌은 항상 수도원주의를 위해 노력했기 때문에 1778년에 사로프 수도원의 수련자로 받아들여졌고, 1786년에 그곳에서 수도사가 되었습니다.

자주 존경받는 세라핌나는 천사들을 보았고, 심지어 주 예수 그리스도의 환상도 보았습니다. 그 후 성인은 고독을 위해 노력했고 사막 생활을 경험했습니다. 그는 또한 천일 동안 기둥을 지키는 위업을 수행했습니다. 이번 공격의 대부분은 아직 알려지지 않았습니다. 얼마 후 Sarov의 Seraphim은 다리 질환으로 걸을 수 없어 Sarov 수도원으로 돌아 왔습니다. 그곳의 오래된 감방에서 그는 하나님의 어머니 "부드러움"의 아이콘 앞에서 계속기도했습니다.

이야기에 따르면 얼마 후 하나님의 어머니는 그에게 은둔 생활을 멈추고 치유를 시작하라고 말했습니다. 인간의 영혼. 그는 투시력과 기적의 선물을 받았습니다. 분명히 이것이 오늘날 Sarov의 Seraphim 아이콘이 신자에게 매우 중요한 이유입니다. 스님은 그의 죽음을 알고 미리 준비했습니다. 나는 영적인 자녀들에게도 그녀에 대해 이야기했습니다. 그는 평생 동안 그와 함께 계셨던 하나님의 어머니의 성상 앞에서 기도하고 있는 것이 발견되었습니다. 세라핌이 죽은 후, 그의 무덤에서 많은 기적이 행해졌고, 1903년에 그는 시성되었습니다.

Sarov의 Seraphim 아이콘은 우울한 사람들에게 의미가 있습니다. 기도는 슬픔에도 도움이 될 것입니다. 육체적, 영적 질병에서 성자의 아이콘이 도움이 될 것입니다. Sarov의 Seraphim도 있습니다.

Radonezh의 Sergius의 아이콘

Radonezh의 Sergius는 Rus에서 가장 존경받는 성인 중 한 명입니다. 그는 Trinity-Sergius Lavra의 창시자입니다. 그는 또한 최초의 대 수도 원장이었습니다. 성 세르지오 자신이 엄격하게 준수했기 때문에 삼위 일체 수도원 헌장은 매우 엄격했습니다. 수도원 생활. 얼마 후 그는 형제들의 불만으로 인해 떠나야 했습니다. 다른 곳에서는 키르자흐 수태고지 수도원(Kirzhach Annunciation Monastery)을 설립했습니다. 그는 삼위일체 수도원으로 돌아가라는 요청을 받았기 때문에 그곳에 오래 머물지 않았습니다. 그가 1392년에 하나님께로 떠난 곳이 바로 그곳이었습니다.

가장 오래된 hagiographic 아이콘 Radonezh의 Sergius는 1420년대에 제작되었습니다. 이제 그것은 Trinity-Sergius Lavra에 있습니다. 허리 이미지를 표현한 자수 커버입니다. 성 세르지오, 그리고 주변에는 그의 삶의 흔적이 19개 있습니다.

오늘날 Radonezh의 아이콘이 두 개 이상 있습니다. 모스크바의 가정 대성당에도 이미지가 있습니다. 그것은 XV-XVI 세기의 전환기로 거슬러 올라갑니다. 박물관에서. A. Rublev는 이 시대의 또 다른 아이콘입니다.

Radonezh의 이미지는 신체적, 정신적 질병뿐만 아니라 일상적인 문제. 아이들을 보호하기 위해 필요한 경우 성인에게 의지합니다. 유해한 영향, 또한 연구 실패를 피하기 위해. 성 세르지오의 형상 앞에서의 기도는 교만한 자에게 유익합니다. Radonezh의 아이콘은 기독교 신자들 사이에서 매우 존경받습니다.

성 베드로와 페브로니아의 이미지

무롬의 피터와 페브로니아의 인생 이야기는 가족 관계에 있는 동안에도 주님께 얼마나 경건하고 헌신할 수 있는지를 보여줍니다. 그들의 가족 생활 Fevronia는 미래의 남편의 몸에 생긴 딱지와 궤양을 치료하면서 시작되었습니다. 이를 위해 그녀는 그가 치료된 후에 결혼해 달라고 요청했습니다. 물론 왕자는 독화살 개구리의 딸과 결혼하고 싶지 않았지만 Fevronia는 이것을 예견했습니다. 왕자의 병이 다시 시작되었고, 심지어 왕자는 그녀와 결혼했습니다. 그들은 함께 통치하기 시작했고 그들의 경건함으로 유명해졌습니다.

물론 통치에는 구름이 없었습니다. 그들은 도시에서 추방된 후 다시 돌아오라는 요청을 받았습니다. 그 후 그들은 노년까지 통치하다가 수도원 생활을 했습니다. 부부는 얇은 칸막이가 있는 하나의 관에 묻혀달라고 요청했지만 그들의 명령은 이행되지 않았습니다. 따라서 그들은 두 번 다른 사원으로 옮겨졌지만 여전히 기적적으로 함께 끝났습니다.

그녀는 진정한 기독교 결혼의 후원자입니다. 1618년으로 거슬러 올라가는 성도들의 삶의 이미지는 현재 무롬스크의 역사 및 미술관에 있습니다. 또한 다른 교회에서도 성인의 아이콘을 찾을 수 있습니다. 예를 들어, 모스크바의 주님 승천 교회에는 유물 조각이 포함된 이미지가 있습니다.

가디언 아이콘

한때 Rus에서는 또 다른 유형의 이미지가 나타났습니다. 이는 차원적입니다. 처음으로 그러한 아이콘은 Ivan the Terrible의 아들을 위해 그려졌습니다. 약 20개의 유사한 이미지가 오늘날까지 살아 남았습니다. 이것은 수호 아이콘이었습니다. 묘사 된 성도들은 생애가 끝날 때까지 유아의 후원자라고 믿어졌습니다. 우리 시대에는 이러한 관행이 재개되었습니다. 누구나 어린이를 위해 그러한 이미지를 주문할 수 있습니다. 이제 일반적으로 다음 용도로 사용되는 특정 아이콘 세트가 있습니다. 다양한 의식. 이는 예를 들어, 개인화된 아이콘, 결혼식, 가족 등 각 상황에 맞는 이미지를 구매하실 수 있습니다.

단어로서의 아이콘은 그리스어에서 유래되었으며 다음을 의미합니다. 직접 번역- "이미지". 비잔티움은 아이콘의 발상지로 간주되며 그곳에서 이 "이미지"가 탄생했습니다.

흥미로운 점은 초기 기독교 전통인간이 만든 전능자의 형상을 만드는 데에는 어떤 규칙도 없었습니다. 이것은 계명 중 하나에 의해 설명되었습니다 구약 성서, “우상을 만드는 것”을 금지하고 그러한 형상을 이교 숭배와 직접 연결하는 것을 금지합니다. 첫 번째는 신을 묘사할 가능성을 완전히 부정했으며, 이 전통은 여전히 ​​다른 것(이슬람, 유대교)에 남아 있습니다.

한편, 이러한 상황에서는 신자들에게 기독교의 기본 사상과 이미지를 "상기시키는"적절한 상징을 사용하는 것이 허용되는 것으로 간주되었지만, 이는 그들만이 이해할 수 있었습니다. 따라서 최초의 기독교인을 섬긴 카타콤바에서 벽은 특별한 이미지로 장식되었으며 그중에는 예를 들어 다음과 같은 상징이 있습니다.

  • 물고기 위에 얹은 빵 바구니는 빵 다섯 개와 물고기 두 마리로 천 명을 먹이고, 빵을 불어넣는 기적을 상징합니다.
  • 포도나무 - 주님께서 심으신 것 같이
  • 비둘기, 배 등

점차적으로 의인화된(즉, 인간과 같은) 형상으로서의 하나님의 형상이 나타나기 시작합니다. 이와 함께 성상숭배자와 성상파괴자의 충돌과정이라 불리는 지적 논쟁과 투쟁이 발생하고 심화된다. 역사적으로 이것은 세속 당국에 의해 아이콘 숭배 금지가 ​​처음으로 공식화 된 8-9 세기의시기입니다 ( 비잔틴 황제레오 3세), 그리고 교회(754년 공의회).

이 투쟁의 결과로 843년 공의회의 권위에 의해 이콘 숭배도 공식적으로 허용되었습니다. 이것은 "처음부터" 이루어진 것이 아니며, 그 당시 비잔티움의 신학자들은 해당 아이콘 이론에 포함된 전체 조화로운 시스템을 개발했습니다. 이러한 사상의 거물 중에는 이제 “교회의 아버지”인 Studite Theodore와 Damascus의 John이 있습니다.

기독교 아이콘 이론

하나님의 형상인 이콘은 상징으로 인식되어 인간과 보이지 않는 세계 사이의 중재자임을 선언하였다.

이미지에는 고유한 계층 구조가 있습니다.

  • 신은 원형이다
  • 로고스(하나님의 실현된 말씀) – 두 번째 유형의 이미지
  • 인간은 세 번째 종이다.

주요 질문은 보이지 않는 하나님을 어떻게 묘사할 수 있는가 하는 것입니다. 전설에 따르면, 하나님께서 장로들과 선지자들에게 하늘의 빛으로 나타나셨다고 우리는 알고 있습니다. 불타는 덤불또는 세 명의 여행자 형태로. 이것은 구약의 전통입니다. 신약의 역사에서 우리는 하나님의 또 다른 형상을 알고 있습니다. 이것은 사람의 모습으로 세상에 나타난 주님의 아들입니다. 이 이미지는 육화된 인간을 통해 초자연적이고 천상의 신성이 우리 앞에 나타날 때 아이콘에 사용되도록 허용되었습니다. 즉, 아이콘 숭배에 대한 허가는 그리스도 성육신의 주요 교리에 기초를 두었습니다.

아버지 하나님 자신은 비잔틴 성화 화가들에 의해 결코 묘사되지 않았지만, 유럽 지역과 러시아에서는 삼위일체의 제1위가 백발의 노인으로 표현될 수 있는 성화가 있었습니다.

그러나 10세기에 이르러 아이콘의 상징성, 장르, 도상학 유형이 구체화되기 시작한 것은 비잔티움에서였습니다.

기독교 아이콘의 정경

정식성은 아이콘의 주요 특징 또는 특징이라고 할 수 있습니다. 이 이미지는 교회 관행에 사용되고 사람과 하나님 사이의 연결을 확립하기 위해 사용되어야 했기 때문에 그 안에 있는 모든 것은 동일한 "규칙"을 따라야 했습니다. 정경. 이 정경은 주로 신학적인 내용 요소에 의해 결정되었고 그 다음에는 미학에 의해서만 결정되었습니다. 이미지 구성, 아이콘 모양, 색상, 액세서리 등 교리에 의해 결정되어 모든 신자들에게 이해가 가능해졌습니다.

그러한 정식 조항은 기독교의 출현과 함께 직접적으로 나타나지 않았으며, 반대로 고대 문화에서는 이에 대해 어느 정도 알고있었습니다. 이집트 미술의 특징은 다음과 같다. 높은 레벨정경성, 정경이 있었다 고대 문화, 그러나 더 작은 규모입니다.

기독교 문화에서 정경은 추가적으로 다음과 같은 사항을 충분히 제공했습니다. 평균 수준아이콘을 실행한 후 이미지 샘플이 확인, 선택 및 사용 가능해졌으며 이미 안정적인 아이콘 이미지 모델이 있었기 때문에 "발명"하거나 "저작" 개발할 필요가 없었습니다. 무엇보다도 중세 시대에는 주인이 작품에 서명조차 하지 않았으며 모든 아이콘은 "익명의 사람들"에 의해 만들어졌습니다.

도상학적 캐논은 다음 요소로 확장되었습니다.

아이콘 이미지의 플롯 및 구성

아이콘의 구성은 성경과 일치하며 내용 요소의 선택은 교회에 맡겨졌습니다. 이 순서나 저 순서를 구현하기 위해 아이콘 페인터는 전체 이미지가 이미 제시되고 지정된 샘플, 슬릿 및 소위 "설명 원본"을 가지고 있었습니다. 신자들이 아이콘을 인식하고 본질적으로 아이콘을 구별할 수 있었던 것은 이러한 주제 구성 "표준"에 의해서였습니다.

흥미로운 점은 12세기 이후 러시아에서 비잔틴 대포지역 전통에 따라 안정적인 유형의 도상학이 "변경"되거나 심지어 새로운 도상학이 나타날 때 겪기 시작합니다. 예를 들어, 이것이 성모 마리아 중보의 정경이나 특정 지역의 성도들의 이미지가 있는 아이콘이 발생한 방법입니다.

아이콘 그림

공식적으로는 그림의 묘사도 엄격하게 "규제"되었습니다. 따라서 주요(또는 의미상 주요) 도형은 정면에 위치해야 했습니다. 신자를 대면합니다. 그것은 움직이지 않고 크게 주어졌습니다. 이러한 인물이 아이콘의 "중심"이었습니다. 이 플롯에서 덜 중요한 수치는 프로필에 표시되었으며 움직임, 복잡한 포즈 등이 특징입니다. 아이콘에 사람이 있으면 머리를 강조한 길쭉한 인물로 묘사되었습니다. 사람의 얼굴이라면 눈과 이마를 강조한 얼굴 윗부분이 돋보였다. 이런 식으로 감각적인 것보다 영적인 것이 우월하다는 것이 강조되었습니다. 대조적으로, 남자의 입은 실체가 없고, 코는 가늘고, 턱은 작은 것으로 묘사되었다. 성인의 이미지에는 얼굴 옆에 이름이 적혀 있습니다.

러시아 도상학의 색상

아이콘 이미지의 색상 상징도 엄격하게 표준입니다. 한편, 러시아의 도상학 전통은 유난히 밝고 풍부한 팔레트와 색 구성표가 특징입니다.

비잔틴 전통은 신성한 빛 자체를 반사하는 황금색의 본질적인 우월성을 특징으로 합니다. 이러한 아이콘에서는 배경과 중요한 세부 사항이미지 – 후광, 십자가 등 러시아 아이콘에서는 금이 페인트로 대체되고 비잔티움에서 매우 중요했던 보라색 (황제의 힘)은 전혀 사용되지 않습니다.

아이콘의 빨간색은 배경이 빨간색으로 덮여 비잔틴 금을 대체하는 Novgorod 학교에서 가장 널리 사용됩니다. 내용적으로 보면 구속주의 피의 색깔, 즉 생명의 불꽃을 상징하게 될 것이다.

흰색의 경우 신성한 빛과 순결의 의미가 규정되었습니다. 그것은 그리스도와 의인과 성도들의 옷에 사용되었습니다.

흑인의 경우 죽음과 지옥의 상징에 따라 내용이 결정되었습니다. 일반적으로 매우 드물게 사용되었으며 필요한 경우 파란색이나 갈색의 어두운 톤으로 대체될 수 있습니다.

녹색은 대지의 색이었습니다(프스코프 아이콘 그림 학교에서 주로 나타남). 이 색은 하늘이나 왕실에 반대되는 것처럼 보였습니다.

파란색은 하늘, 영원을 상징하며 진리의 의미를 가지고 있었습니다. 구주와 하나님의 어머니는 모두 푸른 옷을 입으실 수 있었습니다.

아이콘 안의 공간

그림의 배열과 이미지 공간 자체의 구성은 캐논의 또 다른 중요한 구성 요소입니다. 오늘날 우리는 예술에서 사용할 수 있는 공간의 평면 디스플레이 세 가지 유형에 대해 알고 있습니다. 전망은 다음과 같습니다.

  • 직선(동심 공간). 르네상스 시대의 특징을 표현 활성 위치그리고 작가의 관점
  • 평행(정적 공간). 이미지는 동양 미술과 고대 그리스의 전형적인 캔버스를 따라 위치합니다.
  • 반대(편심 공간). 아이콘 페인팅의 표준으로 선택됨

이 관점은 아이콘이 르네상스 그림처럼 현실 세계를 향한 창이 아니라 천상의 세계를 "현시"하는 방법으로 이해되었을 때 독단적 입장의 본질을 반영했습니다. 여기서 그가 묘사하는 것을 보는 것은 예술가가 아니라 신자를 보는 아이콘의 성격입니다. 공간 자체는 상징적입니다.

  • 언덕은 산을 나타낼 수 있고,
  • 덤불은 숲 전체이고,
  • 교회 전구-도시 전체.

따라서 아이콘은 땅과 하늘을 연결하는 수직선을 가질 수 있습니다. 따라서 이미지의 아래쪽 부분에는 움직이고 변하기 쉬운 인간이 주어지고 위쪽 부분에는 영원, 하늘의 세계가 주어집니다.

러시아 아이콘 그림의 장르

  • 바이트안 문자
  • 잠언
  • 정직한 아이콘(이 "섹션"은 나중에 아이콘 그림에 표시됩니다)

이러한 정의를 기반으로 장르 기능이 형성되며 그 중 가장 중요한 기능은 다음과 같습니다.

역사적이고 전설적인

저것들. 창세기에 기초하여 신성한 역사에서 일어난 사건의 줄거리를 기록하고 재현합니다.

러시아 아이콘 그림의 이 장르는 내러티브(문맹 신자를 위한 "교회 알파벳"), 세부 사항, 활력 및 이동성을 특징으로 합니다.

상징적 독단적

저것들. "비유"를 기반으로합니다.

그것들은 구성의 엄격함, 교리에 대한 집착의 경직성, 인물의 추상성, 줄거리의 거의 부족이 특징입니다. 주요 강조점은 상징주의와 정식 의미론적 요소입니다. 예 - “오란타”, “성체성사”, .

개인적이거나 "정직한"

저것들. 특정 인물, 즉 성자, 사도를 기리기 위해 작성되었습니다.

이 도상화 장르의 특징은 얼굴과 인물의 정면성과 배경의 추상성이다. 이미지 자체는 절반 길이일 수도 있고 전체 길이일 수도 있으며, 성자의 삶이 존재할 수도 있습니다(얼굴은 그의 삶의 줄거리 내용이 담긴 조각(우표)으로 둘러싸여 있습니다).

테오토코스 주기의 장르

이것은 위의 세 가지 장르 요소가 모두 하나의 전체로 합쳐지는 러시아 아이콘 그림의 특별한 장르입니다. 아이와 함께 있는 하느님의 어머니의 얼굴은 확실하게 이야기됩니다. 역사적 사건, 이것이 특정 기독교 교리가 (성육신, 구원, 희생)을 확인하고 엄청난 상징적 부담을 전달하는 방식입니다.

Rus의 성모 마리아 아이콘 그림은 가장 존경받고 사랑받는 장르 중 하나입니다. 축복받은 동정녀의 도상학에는 여러 가지 고유한 이미지 유형이 있으며 이에 대해서는 별도로 논의하겠습니다. 별도의 글에서 우리는 러시아 성상화의 역사와 그 학파를 고려할 것입니다.

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