20세기 아방가르드 회화. 러시아 아방가르드
개인 소장품의 아방가르드 석판화 컬렉션은 현재 러시아 박물관을 순회하고 있으며 새해까지 (12 월 8 일부터 23 일까지) 상트 페테르부르크 아트 센터 "Feather Rows"가 주최하는 전시회에 통합됩니다. ) 브라이언스크 미술관에 머물 예정입니다. 칸딘스키, 브라크, 샤갈, 마네, 마그리트,
에른스트와 그 시대의 대표자들! 오늘 거기 있었는데 좋았어요. 한 시간 반 동안 사색하고 아름다움에 노출됐어요..
PS: 홀 자체가 꽤 추우니 겉옷을 입으세요))
아방가르드의 역사
용어 " 아방가르드"프랑스 단어에서 유래" 아방가르드", 이는 "로 번역됩니다. 전위».
예술의 아방가르드매우 다르고 때로는 완전히 반대되는 이념적 기반을 가진 여러 학교를 통합합니다. 아방가르드 예술가들은 고전적 미학, 혁신적인 아이디어를 거부하고 예술적 구현을 위한 실험적 방법을 적극적으로 탐색함으로써 단결됩니다. 따라서 아방가르드 예술가들은 새로운 그림 방법으로 스프레이 건, 석고 주걱, 바닥 걸레, 심지어는 "야생 고기" 효과를 위해 발 밑에 깔린 페인트 튜브를 사용했습니다.
« 우리에게 예술은 위험을 감수할 의지가 있는 사람들만이 탐험할 수 있는 미지의 세계로의 모험입니다. 우리는 환상을 파괴하고 진실을 드러내기 때문에 와이드 포맷을 선호합니다.,”라고 자신에 대해 썼습니다. 아방가르드 예술가그리고 다음과 같이 덧붙였습니다: “ 뭐든 잘 그리는 그림은 없어요».
유명한 아방가르드 예술가와 그들의 스타일 특징
아방가르드 예술가들은 그림을 그리는 것이 아니라 자신의 그림을 "생각"했습니다. 그들은 창의성의 목표를 예술뿐만 아니라 다양한 유형의 예술 사이의 장벽을 파괴하고 그림, 음악 및 연극에서 새로운 아이디어를 홍보하는 것으로 보았습니다. 그들의 창의성은 바실리 칸딘스키(Wassily Kandinsky)의 말처럼 온 세상을 창조했습니다. 현실과 전혀 공통점이 없는 것 같았어" 그의 의견으로는 영적 원리를 전달하는 것은 고전적인 음모가 아니라 색 반점과 선 형태의 즉흥 연주입니다.
칸딘스키의 그림
바실리 칸딘스키에 대하여
유명한 아방가르드 예술가들의 캔버스는 비범한 성격의 밝은 생각을 반영했습니다. 동시에 그들의 거의 모든 작품은 천재들의 작품처럼 언뜻보기에 혼란스러워 보입니다.
대부분의 아방가르드 예술가들은 자신만의 시각적 언어를 찾기 위해 최첨단 현대 미술과 고대 전통을 넘나들고자 노력합니다. 그리하여 마르크 샤갈은 『샤갈의 성서』라고 불리는 일련의 석판화에서 유대 문화로 눈을 돌려 유대 민족의 조상들을 순진하고 감정적인 형태로 묘사한다.
마르크 샤갈 <성경 삽화>
예술가 마크 샤갈 소개
미국 아방가르드 예술가들은 스스로를 " 신화를 만드는 사람", 인도 신화의 고대 상징을 묘사했기 때문입니다.
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카렐 아펠 <세 인물>
아방가르드 예술가인 카렐 아펠(Karel Appel)과 피에르 알레신스키(Pierre Aleshinsky)는 매립지에서 발견된 물건으로 예술품을 창조하면서 원시 민족과 외부 문화의 예술을 작품에서 칭찬했습니다. " 내가 야만인처럼 그림을 그린다면 그건 내가 야만인 시대에 살고 있기 때문일 뿐이다."-Karel Appel이 말했습니다.
많은 아방가르드 예술가들의 작품은 혁명과 불가분의 관계였습니다. 그래서 1945년 베트남 혁명 이후 많은 예술가들이 게릴라와 저항군과 함께 집과 도시를 떠나 숲으로 향했습니다. 1950년 정글에서 지역 최고의 아방가르드 예술가 중 한 명인 To Igon Wang이 이끄는 미술 학교가 조직되었습니다. 그의 학생들은 군대 생활을 스케치하고 애국적인 선전 포스터와 전단지를 만들었습니다.
다른 예술가들은 아방가르드를 확장하거나 넘어서 새로운 예술 운동을 창조하기도 했습니다. 예를 들어, 헝가리의 Victor Visarelli는 “ 옵 아트" - 미술, " 속이는» 착시 현상을 이용해 보는 사람의 눈과 뇌를 표현합니다.
빅터 비사렐리(Victor Visarelli)와 헝가리의 아방가르드
현대 미술의 경계를 넓혀가는 아방가르드 예술가들은 세계 예술의 수도를 옛 파리에서 새롭고 역동적인 뉴욕으로 옮겼습니다. 자연주의의 특성 부족, 단순하고 밝은 색상, 단순한 물체의 복잡하지 않은 구성으로 인해 아방가르드주의의 특징은 새로운 예술적 스타일, 즉 미니멀리즘의 출현을 예상했습니다.
“20세기 아방가르드” 전시회의 다른 그림들
앨런 다르칸젤로
앙드레 마르샹
버나드 뷔페
클로드 뮐하우젠
르네 마그리트
살바도르 달리
11월에 게시됨 2012년 17일 오후 7시 |
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아방가르드역사적 전통, 연속성, 예술의 새로운 형태와 경로에 대한 실험적 탐색을 거부하는 경향입니다. 이 개념은 학문주의와 반대입니다.
아방가르드는 그 시대의 예술에서 성장하면서 그 기원을 갖고 있습니다. 모데나.
아방가르드 예술의 근본적인 적대감과 예술 문화의 영성의 전통에도 불구하고, 이 운동 참가자들의 허무주의적 요구는 과거와 원시의 부담 없이 "순수한 본질"과 "절대적인 것"의 표현을 이해한다고 주장합니다. 외부 세계의 형태를 모방하는 예술적 아방가르드의 사상은 19세기와 20세기 초 예술의 영적 혼란과 유사합니다.
아방가르드 예술에는 고유한 낭만적인 신화가 있습니다.
낭만적이고 심지어 종교적인 것은 예술 작품의 창조, "자급 자족", 창의성을 통한 사람의 정당화를 의미하지 않는 창의성 행위 자체의 절대화에 대한 주요 아방가르드 아이디어입니다. 그 속에서 '진짜 현실'이 드러난다.
이는 무엇보다도 현대 시대의 상징주의로부터 가장 극단적인 형태의 아방가르드 예술의 연속성을 드러낸다.
동시에 이 개념을 어원에 근거하여 과도하게 확장하는 것도 위험한 것으로 인식되어야 합니다. “목표를 달성하기 위해 빠른 공격으로 자신을 희생할 준비가 된 선진 부대”입니다.
이 용어에 대한 이러한 군사주의적 해석은 필연적으로 "아방가르드는 한 시대에서 다른 시대로 전환하는 동안 수세기 전에 일어났으며... 단지 20세기의 예술 운동 중 하나일 수는 없다"는 생각으로 이어집니다.
아방가르드 예술이 "과거의 무궁무진한 원천, 고풍스러운 의식에서 영적인 힘을 끌어낸다"고 가정하고 그것이 쇠퇴가 아니라 "과거에 대한 재고"를 나타낸다면 가장 본질적인 것은 흐릿하고 모호해집니다. - 문화사에 대한 아방가르드 예술가들의 화해할 수 없고 적대적인 태도는 많은 증거입니다.
20세기 예술에 정말로 '인간과의 이별'이 있다면 이것은 반문화적이고 몰역사적인 운동이다.
새로운 세기 초의 미래학자들은 “우리 자신의 재량에 따라 이 세상을 길들이고 세상의 법칙을 전복”할 것을 요구했습니다. 이 테제만으로도 문화의 주요 내용인 '숭배와 예배를 통한 영혼의 배양'을 부정하는 것입니다.
예술 작품에서 창작 과정으로의 의미 전환은 언어적 가장 무도회에 지나지 않습니다. 왜냐하면 영적인 의미에서 세계 예술사의 주요 가치는 항상 과정, 즉 창조 행위였기 때문입니다. 물질적 형태의 별도 작업이 아닙니다.
따라서 20세기 초 '러시아 종교철학 르네상스'와 '러시아 예술적 아방가르드'가 동일하지 않고 동시에 발전했다는 생각이 더 중요해 보인다. 문화사의 맥락에서 사고방식.”
미래주의, 추상주의, 초현실주의, 다다, 팝아트, 옵아트 등 20세기 초 서유럽과 러시아 아방가르드의 모든 주요 운동에서는 형성 과정이 예술의 정신적 의미로부터 일관되게 전환되었습니다. .
러시아 아방가르드 예술가 류보프 포포바다음과 같이 정의했습니다.
“현실에서 볼 수 있는 형태로부터 예술적 형태를 산만하게 하는 것».
류보프 세르게예브나 포포바 “철학자의 초상”, 1915년
전통적으로 내용에 포함된 형식의 이러한 해방은 자유분방하고 종종 어리 석고 공격적인 자유의 파토스를 불러일으켰으며 동시에 예술의 형식 형성 패턴에 대한 분석적이고 과학적인 접근 방식이 필요했습니다. 독일 바우하우스와 모스크바 VKHUTEMAS에서 진행되었습니다. 그러나 예술적 전통과의 단절은 필연적으로 "예술의 형식적 요소를 연구하는 실험실 작업"을 무의미하고 순진한 게임으로 만들었습니다. 조합론, 기술주의.
창의적인 방향, 방법, 스타일의 개념은 의미를 잃었습니다. 예술의 종류는 '재료'에서만 달랐습니다.
이것이 "예술 수단의 내부 정체성"이라는 아이디어가 자연스럽게 생겨난 방식입니다. V. 칸딘스키, "예술의 합성"그리고 심지어 " 예술을 삶의 콘텐츠로 변화시키는 것입니다."
바실리 바실리예비치 칸딘스키 칸딘스키 파란색으로, 1925
그렇기 때문에 아방가르드 운동 전체는 20세기의 특징인 문명에 의한 문화의 이동 과정과 기술 시대의 실용주의 이데올로기에 의한 역사적 정신적 가치를 반영하는 것입니다.
20세기 초, '실버 에이지'의 모호한 이상은 말 그대로 강력한 압력에 의해 휩쓸려갔습니다. 기술주의, 구성주의, 기능주의.
감정은 냉정한 계산, 예술적 이미지-건축의 미학, 기본 형태의 조화, 높은 아이디어-공리주의로 대체되었습니다.
O. Spengler의 용어를 사용하면 영적 문화의 복잡한 유기체가 비인간적 "메커니즘"으로 급속히 퇴화되고 있다고 말할 수 있습니다. 이러한 경향은 특히 러시아 역사의 극대주의에서 분명하게 드러났습니다.
오스왈드 아놀드 고트프리트 슈펭글러
(독일어: Oswald Arnold Gottfried Spengler; 5월 29일 - 5월 8일)- 독일의 이상주의 철학자, 삶의 철학을 대표하는 보수-민족주의 홍보주의자.
1910년대 N. Berdyaev에 따르면 러시아에서 자랐습니다.'훌리건 세대'
1860년대의 아이디어를 발전시킨 바자로프의 상속자들은 "목적 없는 예술"을 생명 건설 이념인 "엔지니어링"으로 대체할 계획을 세웠는데, 이는 나중에 자연스럽게 공산주의 사상과 무정부주의자들의 요구와 합쳐졌습니다.
19세기의 "순회"와 "60년대" 운동에서 매우 분명하게 드러난 러시아 최대주의는 러시아 혁명에 의해서만 강화되었지만 전 세계적으로 소련 볼셰비키 러시아가 발상지로 간주되기 시작했습니다. 예술적 아방가르드.
"위대한 유토피아는 러시아의 역사를 옮겼으며 현실과의 불일치를 담고 있습니다."
러시아의 종교철학자 I. 일린은 아방가르드주의를 다음과 같이 정의했다. “미적 볼셰비즘의 정신, 무책임 이론, 관용의 실천”.
또 다른 러시아 사상가인 S. Bulgakov 신부는 다음과 같이 강조했습니다.
« 창의성에는 종교적 가치가 있다… 허무주의는 창의성에 대한 궁극적인 부정이다».
아방가르드주의는 예술가의 창조적 상상력의 원천인 예술적 전통을 깨뜨린다는 점에서 허무주의이다.
러시아 아방가르드 예술가에 따르면 과거는 “활동력의 상당 부분을 상실하고 그에 따라 문화적 중요성을 상실한 재료로서 사용되지 않은 채로 남아 있을 수 있습니다.”
예를 들어, 라자르 마르코비치 리시츠키건축에서는 "하나는 하나와 같다"와 그 밖의 모든 것: "이집트-그리스-로마-고딕 가장 무도회"에서 건축 구성의 역사적, 예술적 의미는 단순한 디자인으로 대체됩니다. 그러한 논리는 자연스럽게 아방가르드 예술가를 다음과 같은 생각으로 이끈다. “과거는 현재와 아무 상관이 없다”, “예술에는 발전이 없다”.
사회 혁명의 위험한시기에 예술 교육이 거의없는 사람의 허무주의와 만족스럽지 못한 야망의 복합체는 파괴적인 결과를 가져 왔습니다.
리시츠키 라자르(El). 제목 페이지 앨범 'Victory Over' 태양." 1923년
소련 아방가르드 예술가들은 예술 분야에서 새로운 운동이나 학파의 창설을 옹호하지 않았고, 스스로를 "정당"의 선지자이자 지도자라고 선언했으며, 다른 사람들을 "집단적 프롤레타리아 노동"에서 이름 없는 예술가의 역할로 격하시켰습니다. K. 말레비치, M. 샤갈, D. Shterenberg그들은 "위원", "권한"으로 임명되었으며 혁명은 그들에게 그들의 사상과 조직 형태를 강제로 강요할 수 있는 권한을 부여했습니다.
그것은 예술 속의 볼셰비즘, 그러나 전통도 없고 사람들을 하나로 묶는 문화도 없습니다. 예술가와 관객, 예술가와 예술가; 이 사람들은 공허함 속에 홀로 남겨졌습니다. 허무주의, 아이러니, '카니발리즘'이라는 가면은 두려움, 시기, 증오를 가렸습니다. 미술사에서 시대를 앞선 천재들만이 이런 고독을 견뎌냈지만, 그들은 사람에 대한 사랑과 신에 대한 믿음으로 구원을 받았다.
아방가르드주의자(무신론자와 무정부주의자)는 천재가 아니었습니다. 이것을 느낀 그들은 스스로를 천재라고 선언했습니다. 그러므로 각자는 서로를 전복시키려고 노력했습니다.
Malevich는 Kandinsky, Kandinsky는 Malevich와 Tatlin, Tatlin, Lissitzky, Matyushin은 모든 사람과 적대적이었습니다. 동시에 그들은 권력에 대한 의지로 단결했습니다.
카지미르 말레비치 <현장의 여성들> 1928-1932.
그들은 최소한 “세계적인 규모로” 자신의 삶을 재편하는 꿈을 꾸었습니다.
블라디미르 타틀린. 디자인 스케치 설정 오페라 '플라잉 더치맨' , 1915.
아방가르드는 '파티 예술'을 원했고, 결국 그것을 '사회주의 리얼리즘'의 형태로 얻었다. 그리고 모든 러시아 아방가르드 예술가가 정치와 관련이 있는 것은 아니지만 많은 사람들이 진정한 낭만주의와 이상주의자로 남아 있었으며 일반적으로 아방가르드는 민족 문화의 패배를 증언했습니다.
이는 용어에도 반영되었습니다. 일반적으로 표현의 개념을 부정하는 아방가르드주의자들은 고전 회화의 "환상주의"를 "비전주의"(라틴어 비전 - 현상)와 대조했습니다.
Matyushin Mikhail Vasilievich. 무의미함. 1915-1917.
기술자의 기술과 용어가 다음과 같이 정의되었습니다. 콜라주, 행동주의, 가상성, 클립.
오랜 역사 동안 아방가르드 예술이 일관된 예술 운동, 스타일, 유파를 형성하지 못했다는 점은 의미심장하다.
아방가르드 예술가들의 작품에서 성실성이 부족하다, 그들은 항상 어느 정도, 절충주의적인, 편집적인그리고 위험한.
국적과 창작 개성을 불문하고 아방가르드 미술의 대표자들은 역사적 전통과의 단절로 인해 '형태의 완전성으로부터의 해방'에 대한 공통된 염원을 특징으로 한다.
옛 거장들이 시각적 수단과 표현 가능성의 조화에 대한 무거운 고민을 어깨에 짊어졌다면, 아방가르드 예술가들은 '표현의 자유'를 위해 이 예술적 전통을 태연하게 버렸다.
현대미술은 정말 자유로워졌습니다. 이 자유로운 자유와 대담함으로 정복하고, 사로잡고, 사로잡지만 동시에 자신과 주변 세계와 불화 상태에 있는 세계관의 완전성, 조화의 파괴를 증언합니다. 그러한 자유는 창의적인 사람 자신에게 즉각적으로 파괴적인 결과를 가져왔습니다.
20세기 초, 폭력과 짐승의 본능을 외치던 이탈리아 미래학자들은 자발적으로 1차 세계대전에 참전해 거의 모두 목숨을 잃었다.
독일의 표현주의 화가 키르히너(E. L. Kirchner)는 전쟁에서 정신적 충격을 받고 미쳐서 자살했다.
V. Lehmbruck은 자살했고 O. Dike는 광기에 가까웠습니다.
그러나 아방가르드주의에는 언제나 또 다른 특징이 있었습니다. 상업적인 측면.
형식과 내용의 근본적인 혁신에도 중점을 두는 모더니즘 예술과 달리 “아방가르드 예술은 주로 화용주의 분야에서 혁신적인 가치 체계를 구축한다.
V. Rudnev가 매우 정확하게 정의한 것처럼 아방가르드 위치의 의미는 다음과 같습니다. 대중에게 적극적이고 공격적인 영향력을 행사합니다. 충격, 스캔들, 터무니없는 생산- 이것이 없으면 아방가르드 예술은 불가능하다영형".
아방가르드 예술가는 이상적인 '순수한 형태'를 달성하기 위해 '스스로' 작업할 수 없습니다.
“반응은 미학적 형식과 내용에 대한 길고 집중적인 인식을 제외하고 즉각적이고 즉각적이어야 합니다. 깊은 이해가 이루어지기 전에 반응이 일어나서 자리잡을 시간이 필요합니다. 그래야 가능한 한 이러한 이해를 방해하고 어렵게 만들 수 있습니다. 완전하거나 부분적인 오해는 아방가르드 예술가의 계획에 유기적으로 들어가고 수신자를 인식의 주체에서 대상으로, 미학적 사물로 전환시킵니다.».
전위 -부조리의 창조, 예술 현실의 영적 의미와 삶의 불일치.
예술적 가치가 미학적 가치로 일관되게 대체되고 미적 가치가 사변적 가치로 대체되는 "새로운 화용론"이 발생하는 곳입니다.
이것이 설치, 행동주의, 팝아트의 본질입니다. "조각가" M. Duchamp는 예술 작품 대신 받침대 위의 변기를 보여주고 E. Warhol은 깡통으로 만든 "구성"을 보여줍니다.
R. Mutt라는 가명으로 서명됨 마르셀 뒤샹의 소변기 '분수'
이래서 아방가르드주의를 구별해야 한다모더니즘 예술의 본질적인 예술적 움직임에서 시작됩니다. 절정주의, 상징주의, 입체파, 오르피즘, 야수파, 표현주의.
앤디 워홀 '깡통'
그리고 20세기 중반 포스트모더니즘 예술에서 이 화용론이 다소 완화되었지만(아마도 단순히 아방가르드가 아방가르드가 아니기 때문일 수도 있음), 학교를 무시하고 이해의 복잡성을 무시한다는 것은 매우 분명합니다. 예술 형식은 가장 쉬운 길이며, 주로 바보를 속이고 교양이 부족한 대중, 교육을 제대로 받지 못한 비평가, 무지한 예술 후원자를 속이는 사람들을 끌어들이는 것입니다.
실제로 아방가르드의 내면적 공허함과 영성을 온전히 이해하기 위해서는 상당한 ‘시각적 경험’이 필요하다. 예술이 초보적일수록 무지한 관객이 예술을 이해하고 실제 가치와 상상의 가치를 구분하기가 더 어렵습니다.
이것은 "벌거 벗은 왕 이야기"와 같은 줄거리입니다. 현대 미술을 이해하는 것은 혁신적인 열망이 전통으로 돌아가려는 시도와 끊임없이 충돌한다는 사실로 인해 복잡해지기 때문에 이름의 아방가르드가 본질적으로 항상 아방가르드가 아니라는 것이 밝혀졌습니다.
이러한 자연 현상에 대한 반응으로 1970년대부터 시작되었습니다. 네오아방가르드, 포스트아방가르드, 트랜스아방가르드라는 명칭이 점점 더 많이 등장하고 있다. 러시아 미술 비평에서 "아방가르드"라는 단어는 1910년 A. Benois가 "러시아 예술가 연합" 전시회에 관한 기사에서 처음 사용했으며, 여기서 그는 "아방가르드" P. Kuznetsov를 강력하게 비난했습니다. , M. Larionov, G. Yakulov.
쿠즈네초프 파벨 바르폴로메비치. "바위 강 옆에". 앨범 리프 "부하라 산".
남자 이름 라리오노프. "황소 머리"
야쿨로프, 게오르기 보그다노비치 “건설적인 음악당”
아방가르드는 19세기와 20세기의 경계에서 발생한 세계, 주로 유럽 예술의 일련의 경향을 총칭하는 이름입니다. 새로운 비전통적 원칙을 지지하는 고전적 전통의 개정으로서, 문학적 아방가르드주의는 작품의 사실적 이미지에 대한 이전의 기준을 거부하고 작품의 전통적인 구조를 표현하는 새로운 수단을 제시합니다.
역사적 현상으로서의 아방가르드
역사적 현상으로서의 아방가르드주의는 20세기 초 부르주아 문화 위기의 크고 어려운 산물이며 주관주의적이고 무정부주의적인 세계관에서 비롯됩니다.
아방가르드 운동은 예술적 창의성에 대한 예리하고 급진적인 태도를 기반으로 하며, 고전적 미학의 측면에 국한되지 않고 비표준적이고 새로운 표현 방법을 사용하며 창의적인 이미지의 상징성이 풍부합니다.
아방가르드의 의미는 본질적으로 무기물입니다. 그것은 학교와 예술 운동을 결합하며 때로는 완전히 다른 이데올로기를 대표합니다. 작가의 창조적 운명, 미학적, 사회적 지위의 차이로 인해 아방가르드 경향의 이러한 모순은 미적 이중성과 예술적 절충주의로 이어졌습니다. 아방가르드 운동의 공통된 특징은 선언문, 즉 사회 규범과 기반에 대한 공개적이고 단호한 항의입니다.
아방가르드주의 대표자들은 예술을 통해 세상을 변화시키기 위해서는 인류의 새로운 의식 형성, 낡은 관습으로부터의 무한한 자유가 필요하다고 믿습니다. 사회적 금지에 의해 가려지지 않는 느낌. 아방가르드 예술가들은 창의적이고 수용적인 과정에서 의식에 대한 인식을 능숙하게 줄이고 무의식적 원리를 발전시킵니다.
아방가르드 예술의 집중 발전기
아방가르드주의 집중발전기 1905~1930모더니즘과 밀접하게 연결되어 있으며 그 특징은 인상주의, 표현주의, 야수파, 입체파, 미래파, 추상 미술, 다다이즘, 초현실주의와 같은 주요 모더니즘 운동에 반영됩니다. 또는 그 이름으로 아방가르드에 소속된 학교를 지정합니다. 창작 집단은 붕괴 이후 아방가르드라고 불리기 시작했다.
1930년대 후반 유럽의 위험한 정치적 상황으로 인해 아방가르드 창작의 반항적 성격이 군사정치적 내용으로 대체되면서 극단적인 문학은 사라지게 되었다.
아방가르드는 전후 1950~1960년 유럽 문학에서 부활했고, 그 극단적인 사상은 개념주의와 초현실주의 같은 운동의 토대를 마련한 새로운 '네오 아방가르드' 운동으로 구체화됐다. 그러나 네오아방가르드 경향은 20세기 초반의 아방가르드와는 달리 부르주아 사회의 개념이 아니라 사회주의 시대의 예술과 문화에 반대한다.
아방가르드와 모더니즘의 차이
모더니즘. 앙리 마티스: '춤' 19세기 말에 등장한 모더니즘은 아방가르드주의의 초기 시기로, 그 주요 발전기는 20세기 전반기에 일어났다. 모더니즘과 아방가르드주의는 현실주의를 받아들이지 않고 예술을 통한 의식의 변화라는 공통의 유토피아적 목표로 연결됩니다. 그러나 아방가르드 예술가들은 예술의 도움으로 의식뿐만 아니라 사회를 재구성하기 위한 보다 급진적인 아이디어를 가지고 있습니다.
모더니즘은 예술적 혁명, 창조적 전통의 변화를 부정하지 않고 이를 목표로 삼았지만, 아방가르드주의는 이전의 모든 관습에 근본적으로 반대했습니다.
모더니즘과 달리 아방가르드주의는 명확하게 정의되고 형성된 철학적, 예술적 조건 체계가 아니며 이를 이끄는 주요 특성은 경계의 불안정성, 이론의 절충주의, 보수주의의 부족입니다.
다양한 아방가르드 학파가 오래 가지 못했는데, 이는 서로의 우위 경쟁과 이데올로기의 독특함을 놓고 서로 대립했기 때문이다.
그러나 혁신적이고 독창적인 아이디어는 아방가르드 예술 전체의 공통된 특징을 구현하므로 이를 20세기 전반에 걸친 예술적 형태가 풍부한 단일 운동으로 정의할 수 있습니다. 이 운동의 출현은 자유주의와 인본주의를 사회적 진보의 보장으로 선포하는 세계 질서의 기초가 파괴되고 새로운 우선 순위에서 영감을 얻은 해당 형태의 예술이 부족하기 때문입니다.
우선, 고전적 사실주의 예술의 미학적 측면이 반박되었으며, 이는 구식이며 20세기 혁명 시대에 적합하지 않은 것으로 판명되었습니다. 아방가르드주의자들은 현실이 이 시대 예술에 극도로 필요한 철학적, 도덕적 개념을 파괴했다고 믿었습니다. 예를 들어, 아방가르드주의는 이미지 개념과 표현성 개념 사이의 유추를 방해하여 후자를 선호합니다. 작가가 전달하는 모든 면에서 세계를 완전하고 포괄적으로 묘사하는 것을 선호하는 사실주의와 비교하여, 아방가르드주의는 세계 질서가 파괴된 상황에서 용납할 수 없는 유기적이고 다면적인 이미지를 고려하여 반대 원칙을 고수했습니다. , 인류의 현대 생활은 혼란과 무질서, 어려운 혁명적 사건에 휩싸여 있습니다. 아방가르드 예술은 재현, 즉 친숙하고 정확한 형태로 현실을 재현하는 것을 거부합니다. 그것은 현실의 예술적 변형이라는 아이디어로 대체되고 있으며, 이는 과장법, 비유주의, 그로테스크와 같은 중요한 문체 장치의 창조를 위한 길을 열어줄 것이며 일부 형태에서는 고전적 창작 행위에 대한 거부를 장려합니다. 잔인한 세상 앞에서 절망하고 그 기초에 대한 불일치를 나타내는 비유적인 몸짓을 선호합니다 . 
삶의 질서에 대한 급격한 변화, 지속적이고 파괴할 수 없는 신념의 몰락으로 시대를 느끼는 아방가르드 예술가들은 학교(미래주의, 표현주의)를 공산주의 개념과 연결하는 급진 좌파 이데올로기 세력과 분명히 일치합니다. , 그리고 단어의 대가 Vladimir Vladimirovich Mayakovsky, Bertolt Brecht , Louis Aragon, Paul Eluard의 작품입니다. 공산주의 이론은 예술의 완전한 자유와 독립이라는 대체 불가능한 아방가르드 목표와 모순되며, 이는 정경과 양립할 수 없습니다. 마찬가지로 예술이 공산주의 정치에 종속된다는 이론과 지속적인 창작 과정을 수반하는 아방가르드 비보수주의 사이의 불일치도 받아들일 수 없었습니다.
혁명적 예술 - 아방가르드
혁명적 예술로 인식되는 아방가르드주의는 그 성격을 유지하면서도 공산주의 국가에서는 반민중적이고 형식주의적인 운동으로 인식되었고, 독일에서는 이를 '퇴행적 예술'이라고 불렀다. 
그러나 사실 아방가르드주의는 전체주의 권력을 강화하는 데 어느 정도 도움이 되었고, 전체주의와의 이념적 불일치는 명백한 현상이었으며, 이로 인해 아방가르드 문화와 학교가 파괴되고 저명한 예술가들이 체포 및 살해되었습니다. 잔인한 학살의 희생자는 연극 기괴한 Vsevolod Emilievich Meyerhold의 저명한 대표자, 작가, 시인 Daniil Ivanovich Kharms, 작가, 시인, 시나리오 작가 Nikolai Makarovich Oleinikov, 배우, 감독 Alexander Yakovlevich Tairov 등이었습니다.
아방가르드주의의 특징
아방가르드는 진리를 추구하며 큰 실험을 두려워하지 않는 대담하고 혁신적인 운동입니다.. 진실을 찾기 위해 그는 잠재 의식과 사전 성찰, 꿈과 유사한 신비로운 상태 (초현실주의, 암시와 역설 사용)에 침투하여 심리적 (비합리적 다다이즘), 사회 예술 (미래주의, 네오 아방가르드)의 형태를 드러냅니다. 가르드), 터무니없는 것으로 판명된 표준 개념을 희화화(부조리주의)하고, 강조적으로 기하학적인 관습적 형태(큐비즘)의 도움으로 예술적 솔루션을 사용합니다.
풍부한 특이한 미적 기술, 예술적 기술의 포화에도 불구하고 아방가르드주의는 신화적 현실을 폭로하는 원칙, 즉 비신화화, 예술적 원칙 시스템에 의해 가려진 자연적 구성 요소의 발견을 박탈하지 않습니다. , 자발성, "발언의 자유", "예술"의 직접적인 영향을 위해 미적 효과를 완전히 거부합니다."(Edward Estlin Cummings, Ernst Toller).
미적 의미가 논리적으로 표현되는 완전하고 통합적인 시스템으로서의 현실주의와 모더니즘의 특징적인 작품 이론 대신, 아방가르드주의는 해석과 즉흥 연주, 독자의 참여를 목적으로 하는 자유 텍스트의 아이디어를 도입합니다. 완전히 인식되지 않은 플롯의 생성(1950년대 롤랑 바르트가 권장한 "작업"과 "텍스트" 개념의 분리는 처음에는 아방가르드주의에 기반을 두었습니다).
네오아방가르드 문학에는 '모호한 의미'라는 개념이 널리 퍼져 있는데, 이는 작품 작가에게 속한 모더니스트의 '집중된 의미'와 모순된다.
고전적인 모더니즘과 달리 아방가르드주의는 비엘리트적이고 개방적인 예술로 간주되지만, 일부 학교에서는 미적 공간 창조에 대한 숨겨진 이론, '순수시' 개념, '무관심한 창의성' 이론을 사용했습니다. 예술과 역사의 연관성을 인식하지 못합니다.
아방가르드라는 말은프랑스 아방가르드(avantgarde)는 전방 분리를 뜻한다.
공유하다:"카드 플레이어"
작가
폴 세잔
국가 프랑스
수명 1839–1906
스타일 후기 인상주의
작가는 프랑스 남부 엑상프로방스의 작은 마을에서 태어났지만 파리에서 그림을 그리기 시작했습니다. 수집가 Ambroise Vollard가 주최한 개인 전시회 이후 그에게 진정한 성공이 찾아왔습니다. 떠나기 20년 전인 1886년, 그는 고향 외곽으로 이주했다. 젊은 예술가들은 그와의 여행을 “Aix 순례”라고 불렀습니다.
130x97cm
1895년
가격
2억 5천만 달러
판매된 2012 년에
비공개 경매에서
세잔의 작품은 이해하기 쉽습니다. 작가의 유일한 규칙은 사물이나 플롯을 캔버스에 직접 옮기는 것이므로 그의 그림은 보는 사람에게 당혹감을 유발하지 않습니다. 세잔은 프랑스의 두 가지 주요 전통인 고전주의와 낭만주의를 예술에 결합했습니다. 다채로운 질감의 도움으로 그는 사물의 모양에 놀라운 가소성을 부여했습니다.
1890년부터 1895년까지 5점의 그림 "카드 연주자" 시리즈가 그려졌습니다. 그들의 줄거리는 동일합니다. 몇몇 사람들이 열정적으로 포커를 플레이합니다. 작품은 플레이어 수와 캔버스 크기 만 다릅니다.
네 개의 그림은 유럽과 미국의 박물관(오르세 미술관, 메트로폴리탄 미술관, 반스 재단, 코톨드 미술관)에 보관되어 있으며, 다섯 번째 그림은 최근까지 그리스 억만장자 선주 개인 소장품이었습니다. 게오르그 엠비리코스. 그는 죽기 직전인 2011년 겨울에 이 집을 매물로 내놓기로 결정했습니다. 세잔의 "무료" 작품의 잠재적인 구매자는 미술상인 William Acquavella와 세계적으로 유명한 갤러리 소유주인 Larry Gagosian이었으며 이들은 약 2억 2천만 달러를 제안했습니다. 그 결과 이 그림은 아랍 국가인 카타르 왕실에 2억 5천만 달러에 넘어갔고, 2012년 2월 회화 역사상 최대 규모의 미술 거래가 성사됐다. 저널리스트 Alexandra Pierce는 Vanity Fair에서 이 사실을 보도했습니다. 그녀는 그림의 가격과 새 소유자의 이름을 알아냈고 그 정보는 전 세계 언론에 퍼졌습니다.
2010년에는 아랍 현대 미술관과 카타르 국립 박물관이 카타르에 문을 열었습니다. 이제 그들의 컬렉션이 늘어나고 있습니다. 아마도 The Card Players의 다섯 번째 버전은 이러한 목적으로 셰이크에 의해 인수되었을 것입니다.
제일값비싼 그림세상에
소유자
셰이크 하마드
빈 칼리파 알 타니
알 타니 왕조는 130년 넘게 카타르를 통치해 왔습니다. 약 반세기 전 이곳에서 엄청난 양의 석유와 가스가 발견되어 카타르는 즉시 세계에서 가장 부유한 지역 중 하나가 되었습니다. 탄화수소 수출 덕분에 이 작은 나라는 1인당 GDP가 가장 높습니다. 셰이크 하마드 빈 칼리파 알타니는 그의 아버지가 스위스에 있는 동안 가족들의 지원을 받아 1995년에 권력을 장악했습니다. 전문가들에 따르면 현 통치자의 장점은 국가 발전을 위한 명확한 전략과 성공적인 국가 이미지 구축에 있다고 합니다. 카타르에는 이제 헌법과 총리가 있으며, 여성은 의회 선거에서 투표할 권리가 있습니다. 그건 그렇고, Al-Jazeera 뉴스 채널을 설립 한 것은 카타르의 Emir였습니다. 아랍 국가 당국은 문화에 큰 관심을 기울입니다.
2
"넘버 5"
작가
잭슨 폴락
국가 미국
수명 1912–1956
스타일 추상 표현주의
잭 더 스프링클러(Jack the Sprinkler) - 이것은 그의 특별한 그림 기술로 인해 미국 대중이 폴록에게 붙인 별명이었습니다. 작가는 붓과 이젤을 버리고 캔버스나 섬유판의 주위와 내부에서 계속 움직이면서 그 표면에 물감을 붓는다. 그는 어릴 때부터 Jiddu Krishnamurti의 철학에 관심이 있었는데, 그 철학의 주요 메시지는 자유로운 '분출'을 통해 진실이 드러난다는 것입니다.
122x244cm
1948년
가격
1억 4천만 달러
판매된 2006년에
경매에 소더비
Pollock의 작업의 가치는 결과가 아니라 과정에 있습니다. 작가가 자신의 작품을 '액션 페인팅'이라고 부른 것은 우연이 아니다. 그의 가벼운 손길로 그것은 미국의 주요 자산이 되었습니다. 잭슨 폴락(Jackson Pollock)은 페인트에 모래와 깨진 유리를 섞어서 판지, 팔레트 나이프, 칼, 쓰레받기로 그림을 그렸습니다. 예술가는 너무 유명해서 1950년대에는 소련에서도 모방자가 발견되었습니다. 그림 "Number 5"는 세계에서 가장 이상하고 가장 비싼 그림 중 하나로 인식됩니다. 드림웍스의 창립자 중 한 명인 데이비드 게펜(David Geffen)은 개인 소장품으로 이 작품을 구입했고, 2006년 소더비 경매에서 멕시코 수집가 데이비드 마르티네스(David Martinez)에게 1억 4천만 달러에 팔렸습니다. 그러나 법률 회사는 곧 고객을 대신하여 David Martinez가 그림의 소유자가 아니라는 보도 자료를 발표했습니다. 한 가지 확실한 사실은 멕시코 금융가가 실제로 최근 현대 미술 작품을 수집했다는 것입니다. 그가 Pollock의 "Number 5"와 같은 "큰 물고기"를 놓쳤을 가능성은 거의 없습니다.
3
"여자 III"
작가
윌렘 데 쿠닝
국가 미국
수명 1904–1997
스타일 추상 표현주의
네덜란드 태생인 그는 1926년 미국으로 이민했다. 1948년에는 작가 개인전이 열렸다. 미술 평론가들은 복잡하고 신경질적인 흑백 구성을 높이 평가하며 작가를 위대한 모더니스트 예술가로 인정했습니다. 그는 평생을 알코올 중독으로 고통받았지만, 새로운 예술을 창조하는 기쁨은 작품마다 느껴진다. De Kooning은 그의 그림의 충동성과 넓은 스트로크로 구별되며, 이것이 때때로 이미지가 캔버스 경계 내에 맞지 않는 이유입니다.
121x171cm
1953년
가격
1억 3,700만 달러
판매된 2006년에
비공개 경매에서
1950년대 데 쿠닝의 그림에는 텅 빈 눈, 풍만한 가슴, 못생긴 얼굴의 여성들이 등장했다. "Woman III"은 경매에 나온 이 시리즈의 마지막 작품이었습니다.
이 그림은 1970년대부터 테헤란현대미술관에 보관됐으나 엄격한 도덕률이 도입되자 폐기를 시도했다. 1994년에 이 작품은 이란에서 수출되었고, 12년 후 이 작품의 소유자인 David Geffen(Jackson Pollock의 "Number 5"를 판매한 동일한 제작자)은 이 그림을 백만장자 Steven Cohen에게 1억 3750만 달러에 팔았습니다. 흥미롭게도 게펜은 1년 만에 자신의 그림 컬렉션을 팔기 시작했습니다. 이로 인해 많은 소문이 생겼습니다. 예를 들어 제작자가 Los Angeles Times 신문을 구매하기로 결정했다는 것입니다.
예술 포럼 중 하나에서는 Leonardo da Vinci의 그림 "Lady with an Ermine"과 "Woman III"의 유사성에 대한 의견이 표명되었습니다. 여 주인공의 이빨 미소와 엉성한 모습 뒤에 그림 감정가는 왕족의 우아함을 보았습니다. 이는 여성의 머리에 씌워진 왕관이 제대로 그려지지 않은 것에서도 알 수 있습니다.
4
"아델의 초상블로흐-바우어 I"
작가
구스타프 클림트
국가 오스트리아
수명 1862–1918
스타일 현대의
구스타프 클림트는 조각가의 집안에서 태어나 일곱 자녀 중 둘째로 태어났습니다. 에르네스트 클림트의 세 아들은 예술가가 되었지만, 구스타프만이 전 세계적으로 유명해졌습니다. 그는 어린 시절의 대부분을 가난하게 보냈습니다. 아버지가 돌아가신 후 그는 온 가족을 책임지게 되었습니다. 클림트가 그의 스타일을 발전시킨 것은 바로 이 시기였다. 모든 관객은 그의 그림 앞에서 얼어 붙습니다. 얇은 금색 획 아래에서 솔직한 에로티시즘이 분명하게 보입니다.
138x136cm
1907년
가격
1억 3천 5백만 달러
판매된 2006년에
경매에 소더비
'오스트리아 모나리자'로 불리는 이 그림의 운명은 쉽게 베스트셀러의 기초가 될 수도 있다. 작가의 작품은 주 전체와 한 할머니 사이에 갈등을 일으켰습니다.
그래서 "아델레 블로흐-바우어의 초상 I"은 페르디난드 블로흐의 아내인 귀족을 묘사합니다. 그녀의 마지막 소원은 이 그림을 오스트리아 주립 미술관에 기증하는 것이었습니다. 그러나 블로흐는 유언장에 기부를 취소했고 나치는 그림을 압수했습니다. 나중에 갤러리는 Golden Adele을 구입하는 데 어려움을 겪었지만 Ferdinand Bloch의 조카 인 Maria Altman이라는 상속녀가 나타났습니다.
2005 년에 "오스트리아 공화국에 대한 마리아 알트만"이라는 유명한 재판이 시작되었고 그 결과 영화는 그녀와 함께 로스 앤젤레스로 "떠났습니다". 오스트리아는 전례없는 조치를 취했습니다. 대출 협상이 이루어졌고 인구는 초상화를 구입하기 위해 돈을 기부했습니다. 선은 결코 악을 이기지 않았습니다. 알트만은 가격을 3억 달러로 인상했습니다. 재판 당시 그녀의 나이는 79세였으며, 개인의 이익을 위해 블로흐바우어의 유언장을 바꾼 인물로 역사에 이름을 남겼다. 이 그림은 뉴욕 뉴갤러리의 소유주인 로널드 로더(Ronald Lauder)가 구입하여 오늘날까지 남아있습니다. 오스트리아가 아닌 그를 위해 Altman은 가격을 1억 3,500만 달러로 낮췄습니다.
5
"비명"
작가
에드워드 뭉크
국가 노르웨이
수명 1863–1944
스타일 표현주의
전 세계적으로 유명해진 뭉크의 첫 그림 '병든 소녀'(5부)는 15세에 결핵으로 세상을 떠난 뭉크의 여동생에게 헌정됐다. 뭉크는 항상 죽음과 외로움이라는 주제에 관심이 있었습니다. 독일에서는 그의 무겁고 정신없는 그림이 스캔들을 불러일으키기까지 했습니다. 그러나 우울한 주제에도 불구하고 그의 그림에는 특별한 자력이 있습니다. 예를 들어 "비명"을 들어보세요.
73.5x91cm
1895년
가격
1억 1999만 2천 달러
판매됨 2012년
경매에 소더비
그림의 전체 제목은 Der Schrei der Natur(독일어에서 "자연의 외침"으로 번역됨)입니다. 인간이나 외계인의 얼굴은 절망과 공포를 표현합니다. 이는 시청자가 사진을 볼 때 경험하는 것과 동일한 감정입니다. 표현주의의 주요 작품 중 하나는 20세기 미술에서 심각해진 주제에 대해 경고합니다. 한 버전에 따르면 작가는 평생 동안 겪은 정신 장애의 영향으로 그것을 만들었습니다.
이 그림은 여러 박물관에서 두 번 도난당했지만 반환되었습니다. 도난 이후 약간 손상을 입은 <절규>는 복원되어 2008년 뭉크 미술관에 다시 전시될 준비가 되었습니다. 대중 문화의 대표자들에게 이 작품은 영감의 원천이 되었습니다. Andy Warhol은 이 작품의 일련의 인쇄 사본을 만들었고 영화 "Scream"의 마스크는 그림 속 주인공의 이미지와 모양으로 만들어졌습니다.
한 주제에 대해 뭉크는 네 가지 버전의 작품을 썼습니다. 개인 소장품에 있는 작품은 파스텔로 만들어졌습니다. 노르웨이의 억만장자 페터 올슨(Petter Olsen)은 이 작품을 2012년 5월 2일 경매에 내놓았습니다. 구매자는 "Scream"에 기록적인 금액을 아끼지 않은 Leon Black이었습니다. Apollo Advisors의 창립자, L.P. 라이온스 고문, L.P. 예술을 사랑하는 것으로 유명하다. 블랙은 다트머스 대학, 현대 미술관, 링컨 아트 센터, 메트로폴리탄 미술관의 후원자입니다. 이곳은 지난 세기의 현대 예술가와 고전 거장들의 그림을 가장 많이 소장하고 있습니다.
6
"가슴과 녹색 나뭇잎을 배경으로 한 누드"
작가
파블로 피카소
국가 스페인, 프랑스
수명 1881–1973
스타일 입체파
그는 출신은 스페인 사람이지만 정신과 거주지는 진정한 프랑스인입니다. 피카소는 16세 때 바르셀로나에 자신의 미술 스튜디오를 열었습니다. 그런 다음 그는 파리로 가서 인생의 대부분을 그곳에서 보냈습니다. 그래서 그의 성에는 이중 악센트가 있습니다. 피카소가 창안한 스타일은 캔버스에 묘사된 사물을 한 각도에서만 볼 수 있다는 생각을 부정하는 데 기반을 두고 있습니다.
130x162cm
1932년
가격
1억 648만 2천 달러
판매된 2010 년에
경매에 크리스티
로마에서 작업하는 동안 예술가는 곧 그의 아내가 된 댄서 Olga Khokhlova를 만났습니다. 그는 방랑을 끝내고 그녀와 함께 호화로운 아파트로 이사했습니다. 그 무렵에는 인정이 영웅을 찾았지만 결혼 생활은 파괴되었습니다. 세계에서 가장 비싼 그림 중 하나는 거의 우연히 피카소와 마찬가지로 단명했던 큰 사랑으로 만들어졌습니다. 1927년에 그는 젊은 Marie-Therese Walter(그녀는 17세, 그는 45세)에게 관심을 갖게 되었습니다. 아내로부터 비밀리에 그는 여주인과 함께 파리 근처의 마을로 떠났고 그곳에서 다프네의 이미지로 마리 테레즈를 묘사하는 초상화를 그렸습니다. 캔버스는 뉴욕 딜러 Paul Rosenberg가 구입했으며 1951년에 Sidney F. Brody에게 판매되었습니다. Brodys는 예술가가 80세가 되었기 때문에 단 한 번만 세계에 그림을 보여주었습니다. 남편이 사망한 후 Brody 부인은 2010년 3월 Christie's 경매에 이 작품을 올렸습니다. 60년이 넘는 세월 동안 가격은 5,000배 이상 올랐습니다! 알려지지 않은 수집가가 1억 650만 달러에 구입했습니다. 2011년에는 영국에서 '한 그림 전시회'가 열렸는데, 그곳에서 두 번째로 공개됐지만 아직 주인이 누구인지는 알 수 없다.
7
"여덟 명의 엘비스"
작가
앤디 워홀
국가 미국
수명 1928-1987
스타일
팝 아트
컬트 팝아트 아티스트이자 감독이자 인터뷰 매거진의 창립자 중 한 명인 디자이너 앤디 워홀은 “섹스와 파티는 직접 출연해야 하는 유일한 장소”라고 말했습니다. 그는 Vogue 및 Harper's Bazaar와 함께 일했으며 레코드 커버를 디자인하고 I.Miller 회사를 위한 신발을 디자인했습니다. 1960년대에는 캠벨과 코카콜라 수프, 프레슬리와 먼로 등 미국의 상징을 묘사한 그림이 등장해 그를 전설로 만들었습니다.
358x208cm
1963년
가격
1억 달러
판매된 2008 년에
비공개 경매에서
워홀 60년대는 미국 팝아트 시대를 일컫는 명칭이다. 1962년 그는 뉴욕의 모든 보헤미안들이 모이는 맨해튼 팩토리 스튜디오에서 일했습니다. 저명한 대표자: Mick Jagger, Bob Dylan, Truman Capote 및 기타 세계의 유명한 인물. 동시에 워홀은 하나의 이미지를 반복적으로 반복하는 실크스크린 인쇄 기술을 테스트했습니다. 그는 또한 "The Eight Elvises"를 만들 때 이 방법을 사용했습니다. 시청자는 스타가 살아나는 영화의 장면을 보는 것 같습니다. 여기에는 작가가 그토록 사랑했던 모든 것이 있습니다. 상생의 공개 이미지, 은색, 죽음의 예감을 주요 메시지로 삼았습니다.
오늘날 세계 시장에서 워홀의 작품을 홍보하는 두 명의 미술상이 있습니다. 래리 가고시안(Larry Gagosian)과 알베르토 무그라비(Alberto Mugrabi)입니다. 전자는 2008년에 2억 달러를 들여 워홀의 작품 15점 이상을 구입했습니다. 두 번째 사람은 자신의 그림을 크리스마스 카드처럼 사고 팔지만, 더 높은 가격에만 팔 수 있습니다. 그러나 로마 예술 감정가 Annibale Berlinghieri가 "Eight Elvises"를 알려지지 않은 구매자에게 Warhol의 기록적인 금액 인 1 억 달러에 판매하도록 도운 것은 그들이 아니라 겸손한 프랑스 예술 컨설턴트 Philippe Segalot였습니다.
8
"주황색,빨간색 노란색"
작가
마크 로스코
국가 미국
수명 1903–1970
스타일 추상 표현주의
컬러 필드 페인팅의 창시자 중 한 명은 러시아 드빈스크(현 라트비아 다우가프필스)에서 유대인 약사의 대가족에서 태어났습니다. 1911년에 그들은 미국으로 이주했다. 로스코는 예일대학교 미술과에서 공부하고 장학금을 받았지만 반유대주의 정서로 인해 학업을 그만뒀다. 그럼에도 불구하고 미술 평론가들은 예술가를 우상화했고 박물관은 평생 그를 추적했습니다.
206x236cm
1961년
가격
8,688만 2천 달러
판매된 2012 년에
경매에 크리스티
Rothko의 첫 번째 예술적 실험은 초현실주의 지향이었지만 시간이 지남에 따라 플롯을 색 반점으로 단순화하여 객관성을 박탈했습니다. 처음에는 밝은 색조를 띠다가 1960년대에 갈색과 보라색으로 바뀌다가 작가가 사망할 무렵에는 검은색으로 짙어졌습니다. 마크 로스코는 자신의 그림에서 어떤 의미도 찾지 말라고 경고했습니다. 저자는 자신이 말한 것을 정확히 말하고 싶었습니다. 공기 중에 색이 녹을 뿐이고 그 이상은 아닙니다. 그는 관객이 깔때기처럼 색상에 "끌어들도록" 45cm 거리에서 작품을 볼 것을 권장했습니다. 조심하십시오 : 모든 규칙에 따라 보는 것은 명상의 효과, 즉 무한에 대한 인식, 자신에 대한 완전한 몰입, 이완 및 정화로 이어질 수 있습니다. 그의 그림 속 색은 살아있고, 숨 쉬며, 강한 감정적 영향을 미칩니다(때로는 치유 효과가 있다고 합니다). 작가는 “시청자는 그것을 보면서 울어야 한다”고 선언했고 실제로 그런 일이 일어났다. 로스코의 이론에 따르면, 지금 이 순간에도 사람들은 그가 그림을 그리던 시절과 똑같은 영적 경험을 하고 있다고 한다. 그렇게 미묘한 수준에서 이해할 수 있었다면 이러한 추상 미술 작품이 비평가들에 의해 종종 아이콘과 비교된다는 사실에 놀라지 않을 것입니다.
'오렌지, 레드, 옐로우'라는 작품은 마크 로스코 회화의 정수를 표현한 작품이다. 뉴욕 크리스티 경매의 초기 가격은 3,500만~4,500만 달러입니다. 알려지지 않은 구매자가 예상 가격의 두 배를 제시했습니다. 종종 그렇듯이 그림의 행운의 주인의 이름은 공개되지 않습니다.
9
"삼부작"
작가
프랜시스 베이컨
국가
대 브리튼 섬
수명 1909–1992
스타일 표현주의
이름이 완전히 같고 위대한 철학자의 먼 후손인 프란시스 베이컨의 모험은 그의 아버지가 아들의 동성애 성향을 받아들일 수 없어 그를 부인했을 때 시작되었습니다. 베이컨은 먼저 베를린으로 갔다가 파리로 갔는데, 그 후 그의 행적은 유럽 전역에서 혼란스러워졌습니다. 그의 생애 동안 그의 작품은 구겐하임 미술관, 트레티야코프 미술관 등 세계 주요 문화 센터에 전시되었습니다.
147.5x198cm(각각)
1976년
가격
8,620만 달러
판매된 2008 년에
경매에 소더비
일류 박물관들은 베이컨의 그림을 소장하려고 했지만, 영국의 원시 대중은 그런 예술품을 찾기 위해 서두르지 않았습니다. 전설적인 영국 총리 마가렛 대처(Margaret Thatcher)는 그에 대해 이렇게 말했습니다. “이 무서운 그림을 그리는 사람.”
작가 자신도 전후 시기를 작업의 시작 시기로 여겼다. 복무를 마치고 돌아온 그는 다시 그림을 그리기 시작하여 주요 걸작을 창작했습니다. "삼부작, 1976"에 참여하기 전에 베이컨의 가장 비싼 작품은 "교황 이노센트 10세의 초상화를 위한 연구"(5,270만 달러)였습니다. "Triptych, 1976"에서 예술가는 Furies에 의해 Orestes를 박해하는 신화적인 음모를 묘사했습니다. 물론 Orestes는 베이컨 그 자체이고 Furies는 그의 고통입니다. 30년 넘게 이 그림은 개인 소장품으로 전시되지 않았다. 이 사실은 특별한 가치를 부여하므로 비용이 증가합니다. 하지만 예술 감정가에게 몇 백만 달러, 그리고 그 만큼 관대한 사람의 돈은 얼마입니까? 로만 아브라모비치(Roman Abramovich)는 1990년대부터 자신의 컬렉션을 만들기 시작했는데, 이 컬렉션에서 그는 현대 러시아에서 패셔너블한 갤러리 소유자가 된 친구 다샤 주코바(Dasha Zhukova)로부터 큰 영향을 받았습니다. 비공식 자료에 따르면 이 사업가는 알베르토 자코메티(Alberto Giacometti)와 파블로 피카소(Pablo Picasso)의 작품을 개인적으로 소유하고 있으며 1억 달러가 넘는 금액에 구입했습니다. 2008년에 그는 삼부작의 주인이 되었습니다. 그건 그렇고, 2011 년에는 베이컨의 또 다른 귀중한 작품 인 "루치안 프로이트의 초상화를위한 세 가지 스케치"가 획득되었습니다. 숨겨진 소식통에 따르면 Roman Arkadyevich가 다시 구매자가되었다고합니다.
10
"수련이 있는 연못"
작가
클로드 모네
국가 프랑스
수명 1840–1926
스타일 인상주의
작가는 자신의 그림에서 이 방법을 "특허"로 낸 인상주의의 창시자로 인정받고 있습니다. 첫 번째 중요한 작품은 "풀밭 위의 점심"(Edouard Manet 작품의 원본 버전)이었습니다. 젊었을 때 그는 캐리커처를 그렸고 해안을 따라 여행하거나 야외를 여행하는 동안 실제 그림을 그렸습니다. 파리에서 그는 보헤미안적인 생활 방식을 이끌었고 군 복무 후에도 그것을 떠나지 않았습니다.
210x100cm
1919년
가격
8,050만 달러
판매된 2008 년에
경매에 크리스티
모네는 위대한 예술가였을 뿐만 아니라, 예리한 정원사였으며 야생 동물과 꽃을 좋아했습니다. 그의 풍경에서 자연의 상태는 순간적이며, 사물은 공기의 움직임에 의해 흐려지는 것처럼 보인다. 큰 획을 사용하면 인상이 향상되며 특정 거리에서는 눈에 보이지 않게 되고 질감이 있는 3차원 이미지로 합쳐집니다. 후기 모네의 그림에서 물과 생명이라는 주제는 특별한 위치를 차지합니다. 지베르니 마을에 작가는 자신의 연못이 있었는데, 그곳에서 특별히 일본에서 가져온 씨앗으로 수련을 키웠습니다. 꽃이 피자 그는 그림을 그리기 시작했습니다. '수련' 시리즈는 작가가 세상을 떠날 때까지 약 30년에 걸쳐 그린 작품 60점으로 구성된다. 나이가 들수록 시력이 나빠졌지만 멈추지 않았습니다. 바람과 계절, 날씨에 따라 연못의 모습이 시시각각 변하는데, 모네는 이러한 변화를 포착하고 싶었습니다. 세심한 작업을 통해 그는 자연의 본질을 이해하게 되었다. 이 시리즈의 그림 중 일부는 국립 서양 미술관(도쿄), 오랑주리 미술관(파리) 등 세계 최고의 갤러리에 보관되어 있습니다. 다음 버전의 "수련이 있는 연못"이 기록적인 금액으로 알려지지 않은 구매자의 손에 들어갔습니다.
11
거짓 별 티
작가
재스퍼 존스
국가 미국
생년월일 1930
스타일 팝 아트
1949년 존스는 뉴욕의 디자인 학교에 입학했습니다. 잭슨 폴록(Jackson Pollock), 빌렘 드 쿠닝(Willem de Kooning) 등과 함께 20세기의 주요 예술가 중 한 명으로 평가받고 있다. 2012년에는 미국 민간인에게 수여하는 최고의 영예인 대통령 자유 메달을 받았습니다.
137.2x170.8cm
1959년
가격
8천만 달러
판매된 2006년에
비공개 경매에서
Marcel Duchamp와 마찬가지로 Jones는 실제 물체를 사용하여 원본과 완전히 일치하도록 캔버스와 조각에 묘사했습니다. 그의 작품을 위해 그는 맥주병, 깃발, 카드 등 간단하고 이해하기 쉬운 물건을 사용했습니다. 영화 False Start에는 명확한 구성이 없습니다. 작가는 종종 그림의 색상에 "잘못" 표시를 하면서 색상의 개념 자체를 뒤집으면서 보는 사람과 장난을 치는 것 같습니다. "나는 색상이 다른 방법으로 결정될 수 있도록 색상을 묘사하는 방법을 찾고 싶었습니다." 비평가들에 따르면 그의 가장 폭발적이고 "자신감 없는" 그림은 알려지지 않은 구매자에 의해 구입되었습니다.
12
"앉아있다나체상소파에"
작가
아메데오 모딜리아니
국가 이탈리아, 프랑스
수명 1884–1920
스타일 표현주의
모딜리아니는 어린 시절부터 자주 아팠으며 열병에 걸린 동안 그는 예술가로서의 자신의 운명을 깨달았습니다. 그는 리보르노, 피렌체, 베니스에서 그림을 공부했고, 1906년에 파리로 가서 그의 예술이 번창했습니다.
65x100cm
1917년
가격
6,896만 2천 달러
판매된 2010 년에
경매에 소더비
1917년 모딜리아니는 19세의 잔느 에뷔테른(Jeanne Hebuterne)을 만났고, 그녀는 그의 모델이자 아내가 되었습니다. 2004년에는 그녀의 초상화 중 하나가 3,130만 달러에 팔렸는데, 이는 2010년 '소파에 앉아 있는 누드' 판매 이전 마지막 기록입니다. 그림은 현재 Modigliani의 최대 가격으로 알려지지 않은 구매자에 의해 구입되었습니다. 활발한 작품 판매는 작가가 죽은 후에야 시작되었습니다. 그는 결핵으로 가난하게 세상을 떠났고, 다음날 임신 9개월이었던 잔느 에뷔테른(Jeanne Hebuterne)도 자살했다.
13
"소나무 위의 독수리"
작가
치바이시
국가 중국
수명 1864–1957
스타일 궈화
서예에 대한 관심이 제백석을 그림으로 이끌었습니다. 28세에 화가 후칭위안(Hu Qingyuan)의 제자가 되었다. 중국 문화부는 그에게 "중국 인민의 위대한 예술가"라는 칭호를 수여했으며 1956년에는 국제 평화상을 받았습니다.
10x26cm
1946년
가격
6,540만 달러
판매된 2011 년에
경매에 차이나 가디언
Qi Baishi는 많은 사람들이 중요성을 부여하지 않는 주변 세계의 표현에 관심이 있었고 이것이 그의 위대함입니다. 교육을 받지 못한 사람이 교수가 되었고 역사상 뛰어난 창조자가 되었습니다. 파블로 피카소는 그에 대해 이렇게 말했습니다. “중국에 제백석이 있기 때문에 당신네 나라에 가기가 두렵습니다.” "소나무 위의 독수리"라는 작품은 작가의 가장 큰 작품으로 인정 받고 있습니다. 캔버스 외에도 두 개의 상형 문자 두루마리가 포함되어 있습니다. 중국의 경우 작품 구매 금액은 4억 2,550만 위안이라는 기록적인 금액을 기록했습니다. 고대 서예가 황정견의 두루마리만 4억 3,680만 달러에 팔렸습니다.
14
"1949-A-No. 1"
작가
클리포드 스틸
국가 미국
수명 1904–1980
스타일 추상 표현주의
20살 때 뉴욕 메트로폴리탄 미술관을 방문하고 실망했습니다. 나중에 그는 Student Arts League의 과정에 등록했지만 수업 시작 후 45분 후에 떠났습니다. 이는 "그에게 적합하지 않은" 것으로 판명되었습니다. 첫 번째 개인전은 반향을 불러일으켰고, 작가는 자신을 발견했으며, 이를 통해 인지도를 얻었다.
79x93cm
1949년
가격
6,170만 달러
판매된 2011 년에
경매에 소더비
800여 점의 캔버스와 1,600여 점의 종이 작업 등 그의 모든 작품을 미국의 한 도시에 남겼고, 그곳에 그의 이름을 딴 박물관이 열릴 예정이다. 덴버는 그런 도시가 되었지만 당국이 건설 비용만 부담하고 이를 완성하기 위해 네 작품을 경매에 내놨다. 스틸의 작품은 다시 경매될 가능성이 낮아 미리 가격을 인상했다. 그림 "1949-A-No.1"은 예술가로서는 기록적인 금액으로 판매되었지만 전문가들은 최대 2,500만 ~ 3,500만 달러에 판매될 것으로 예상했습니다.
15
"우월주의적 구성"
작가
카지미르 말레비치
국가 러시아
수명 1878–1935
스타일 우월주의
말레비치는 키예프 예술학교에서 그림을 공부한 후 모스크바 예술아카데미에서 그림을 공부했습니다. 1913년에 그는 Suprematism(라틴어로 “지배”를 뜻함)이라고 부르는 스타일로 추상적이고 기하학적인 그림을 그리기 시작했습니다.
71x88.5cm
1916년
가격
6천만 달러
판매된 2008 년에
경매에 소더비
이 그림은 약 50년 동안 암스테르담 시립박물관에 보관됐으나 말레비치의 친척들과 17년간의 논쟁 끝에 박물관에서 이를 양도했다. 작가는 이 작품을 '지상주의 선언'과 같은 해에 그렸기 때문에 소더비는 경매 전부터 이 작품이 6천만 달러 미만으로는 개인 소장품에 들어가지 않겠다고 밝혔습니다. 그래서 그런 일이 일어났습니다. 위에서 보는 것이 더 좋습니다. 캔버스의 그림은 지구의 조감도와 비슷합니다. 그건 그렇고, 몇 년 전에 같은 친척이 MoMA 박물관에서 또 다른 "최고주의 작품"을 압수하여 필립스 경매에서 1,700만 달러에 판매했습니다.
16
"목욕하는 사람들"
작가
폴 고갱
국가 프랑스
수명 1848–1903
스타일 후기 인상주의
작가는 7세까지 페루에 살다가 가족과 함께 프랑스로 돌아왔지만 어린 시절의 추억으로 인해 끊임없이 여행을 떠났다. 프랑스에서 그는 그림을 그리기 시작했고 반 고흐와 친구가 되었습니다. 그는 반 고흐가 싸움 중에 귀를 잘릴 때까지 Arles에서 그와 몇 달을 보냈습니다.
93.4x60.4cm
1902년
가격
5,500만 달러
판매된 2005년에
경매에 소더비
1891년 고갱은 수익금을 타히티 섬 깊숙한 곳으로 여행하는 데 사용하기 위해 자신의 그림 판매를 조직했습니다. 그곳에서 그는 자연과 인간 사이의 미묘한 연결이 느껴지는 작품을 만들었습니다. 고갱은 초가집에서 살았고 그의 캔버스에는 열대 낙원이 피어났습니다. 그의 아내는 13세의 타히티 출신 테후라였는데, 이는 예술가가 난잡한 관계에 참여하는 것을 막지 못했습니다. 매독에 걸린 그는 프랑스로 떠났습니다. 그러나 그곳에는 고갱이 붐비고, 그는 타히티로 돌아왔습니다. 이 시기를 "두 번째 타히티인"이라고 합니다. 당시 그의 작품에서 가장 호화로운 그림 중 하나인 "목욕하는 사람들"이라는 그림이 그려졌습니다.
17
"블루와 핑크 톤의 수선화와 식탁보"
작가
앙리 마티스
국가 프랑스
수명 1869–1954
스타일 야수파
1889년에 앙리 마티스는 맹장염에 걸렸습니다. 그가 수술에서 회복 중이었을 때, 그의 어머니는 그에게 물감을 사주었습니다. 처음에 마티스는 지루함 속에서 컬러 엽서를 복사한 다음, 루브르 박물관에서 본 위대한 화가들의 작품을 복사했고, 20세기 초에는 야수파라는 스타일을 생각해 냈습니다.
65.2x81cm
1911년
가격
4,640만 달러
판매된 2009 년에
경매에 크리스티
그림 "파란색과 분홍색의 수선화와 식탁보"는 오랫동안 Yves Saint Laurent의 소유였습니다. 디자이너가 사망한 후, 그의 미술 컬렉션 전체는 그의 친구이자 연인인 피에르 베르제(Pierre Berger)의 손에 넘어갔고, 피에르 버거(Pierre Berger)는 이를 크리스티 경매에 올리기로 결정했습니다. 판매된 컬렉션의 진주는 캔버스 대신 일반 식탁보에 그린 그림 "파란색과 분홍색 톤의 수선화와 식탁보"였습니다. 야수파의 한 예로서, 색의 에너지로 가득 차 있으며, 색이 폭발하고 비명을 지르는 것처럼 보입니다. 식탁보에 그린 유명한 그림 시리즈 중 현재 이 작품은 개인 소장품으로 소장되어 있는 유일한 작품입니다.
18
"잠자는 소녀"
작가
로이이씨
텐슈타인
국가 미국
수명 1923–1997
스타일 팝 아트
작가는 뉴욕에서 태어나 학교를 졸업한 후 오하이오로 가서 미술 수업을 들었습니다. 1949년 리히텐슈타인은 미술 석사 학위를 받았습니다. 만화에 대한 그의 관심과 아이러니를 활용하는 능력은 그를 지난 세기의 컬트 예술가로 만들었습니다.
91x91cm
1964년
가격
4,488만 2천 달러
판매된 2012 년에
경매에 소더비
어느 날 껌이 리히텐슈타인의 손에 떨어졌습니다. 그는 삽입된 그림을 캔버스에 다시 그려 유명해졌습니다. 그의 전기에 나오는 이 이야기에는 팝아트의 전체 메시지가 담겨 있습니다. 소비는 새로운 신이며, 껌 포장지의 아름다움은 모나리자 못지않습니다. 그의 그림은 만화와 만화를 연상시킵니다. 리히텐슈타인은 완성된 이미지를 확대하고 래스터를 그렸고 스크린 인쇄와 실크스크린 인쇄를 사용했습니다. 그림 "Sleeping Girl"은 거의 50년 동안 수집가 Beatrice와 Philip Gersh의 소유였으며 그의 상속인이 경매에서 판매했습니다.
19
"승리. 부기 우기"
작가
피에트 몬드리안
국가 네덜란드
수명 1872–1944
스타일 신생물증
작가는 1912년 파리로 이사하면서 본명인 코르넬리스를 몬드리안으로 바꾸었습니다. 그는 예술가 테오 판 두스부르크(Theo van Doesburg)와 함께 신조형주의(Neoplasticism) 운동을 창시했습니다. Piet 프로그래밍 언어는 Mondrian의 이름을 따서 명명되었습니다.
27x127cm
1944년
가격
4천만 달러
판매된 1998년에
경매에 소더비
20세기 예술가 중 가장 "뮤지컬"한 예술가는 신생물 예술가로 유명해졌지만 수채화 정물화로 생계를 유지했습니다. 그는 1940년대에 미국으로 이주하여 그곳에서 여생을 보냈습니다. 그에게 가장 큰 영감을 준 것은 재즈와 뉴욕이었습니다! 그림“승리. 부기우기(Boogie-Woogie)'가 가장 좋은 예이다. 시그니처인 깔끔한 사각형은 몬드리안이 가장 좋아하는 재료인 접착 테이프를 사용하여 구현되었습니다. 미국에서 그는 '가장 유명한 이민자'로 불렸다. 60년대에 이브 생 로랑(Yves Saint Laurent)은 커다란 체크 무늬 프린트가 있는 세계적으로 유명한 "몬드리안" 드레스를 출시했습니다.
20
"구성 번호 5"
작가
바질칸딘스키
국가 러시아
수명 1866–1944
스타일 아방가르드
작가는 모스크바에서 태어났고 그의 아버지는 시베리아 출신이다. 혁명 후 그는 소련 정부와 협력하려고 노력했지만 곧 프롤레타리아트의 법이 자신을 위해 만들어지지 않았으며 어려움 없이 독일로 이주했다는 것을 깨달았습니다.
275x190cm
1911년
가격
4천만 달러
판매된 2007 년에
경매에 소더비
칸딘스키는 물체 그림을 완전히 포기한 최초의 사람 중 한 명으로 천재라는 칭호를 받았습니다. 독일 나치 시대에 그의 그림은 '퇴폐 미술'로 분류되어 어디에도 전시되지 않았습니다. 1939년 칸딘스키는 프랑스 시민권을 취득했고 파리에서 예술 과정에 자유롭게 참여했습니다. 그의 그림은 푸가처럼 '소리'가 나기 때문에 많은 사람들이 '작곡'이라고 부릅니다(첫 번째 작품은 1910년에, 마지막 작품은 1939년에 작성되었습니다). '구성번호 5'는 이 장르의 핵심 작품 중 하나다. 작가는 "'구성'이라는 단어가 마치 기도처럼 들렸다"고 말했다. 많은 추종자들과 달리 그는 마치 노트를 쓰듯이 거대한 캔버스에 무엇을 묘사할지 계획했습니다.
21
<푸른 옷을 입은 여인에 관한 연구>
작가
페르낭 레제
국가 프랑스
수명 1881–1955
스타일 입체파-포스트 인상주의
Léger는 건축 교육을 받은 후 파리의 Ecole des Beaux-Arts에 다녔습니다. 작가는 자신을 세잔의 추종자로 여겼고, 입체파를 옹호했으며, 20세기에는 조각가로도 성공했다.
96.5x129.5cm
1912년~1913년
가격
3,920만 달러
판매된 2008 년에
경매에 소더비
소더비 인상주의 및 모더니즘 국제 부서의 회장인 데이비드 노먼(David Norman)은 “The Lady in Blue”에 지불된 막대한 금액이 완전히 정당하다고 생각합니다. 이 그림은 유명한 Léger 컬렉션에 속하며(작가는 동일한 주제에 대해 세 개의 그림을 그렸으며, 그 중 마지막 그림은 현재 개인 소유입니다. -Ed.), 캔버스 표면은 원래 형태로 보존되었습니다. 작가 자신이 이 작품을 Der Sturm 갤러리에 기증한 후 독일의 모더니즘 수집가인 Hermann Lang의 컬렉션에 포함되었으며 현재는 알려지지 않은 구매자의 소유입니다.
22
“거리 장면. 베를린"
작가
에른스트 루트비히키르히너
국가 독일
수명 1880–1938
스타일 표현주의
독일 표현주의의 경우 키르히너는 상징적인 인물이 되었습니다. 그러나 지방 당국은 그가 '퇴폐적 예술'을 고수했다고 비난했으며, 이는 그의 그림의 운명과 1938년 자살한 예술가의 삶에 비극적인 영향을 미쳤습니다.
95x121cm
1913년
가격
3,809만 6천 달러
판매된 2006년에
경매에 크리스티
베를린으로 이주한 후 키르히너는 거리 풍경을 11점의 스케치로 그렸습니다. 그는 대도시의 분주함과 긴장감에서 영감을 받았습니다. 2006년 뉴욕에서 판매된 이 그림에서는 작가의 불안한 상태가 특히 극명하게 느껴진다. 베를린 거리의 사람들은 우아하면서도 위험한 새를 닮았다. 이 작품은 경매에서 팔린 유명한 시리즈의 마지막 작품이었으며 나머지 작품은 박물관에 보관되어 있습니다. 1937년 나치는 키르히너를 가혹하게 대우했습니다. 그의 작품 중 639점이 독일 갤러리에서 제거되거나 파괴되거나 해외로 판매되었습니다. 예술가는 이것을 살아남을 수 없었습니다.
23
"행락객"춤추는 사람"
작가
에드가 드가
국가 프랑스
수명 1834–1917
스타일 인상주의
예술가로서 드가의 역사는 루브르 박물관의 필사자로 일하면서 시작되었습니다. 그는 '유명하면서도 무명인'이 되는 것을 꿈꿨고, 결국 성공했다. 청각 장애와 시각 장애가 있는 80세의 드가는 생애 마지막에도 계속해서 전시회와 경매에 참석했습니다.
64x59cm
1879년
가격
3,704만 3천 달러
판매된 2008 년에
경매에 소더비
드가는 “발레리나는 항상 직물을 묘사하고 움직임을 포착하기 위한 구실일 뿐이었습니다.”라고 말했습니다. 무용수들의 삶의 장면이 염탐된 것 같습니다. 소녀들은 예술가를 위해 포즈를 취하는 것이 아니라 단순히 드가의 시선에 사로잡힌 분위기의 일부가 되었습니다. “Resting Dancer”는 1999년에 2,800만 달러에 팔렸고, 10년이 채 지나지 않아 3,700만 달러에 구입되었습니다. 오늘날 이 작품은 지금까지 경매에 나온 작가의 작품 중 가장 비싼 작품입니다. Degas는 프레임에 큰 관심을 기울이고 직접 디자인했으며 변경을 금지했습니다. 판매되는 그림에는 어떤 프레임이 설치되어 있는지 궁금합니다.
24
"그림"
작가
호안 미로
국가 스페인
수명 1893–1983
스타일 추상 미술
스페인 남북 전쟁 동안 예술가는 공화당 편이었습니다. 1937년에 그는 파시스트 정권을 피해 파리로 도망쳐 가족과 함께 가난하게 살았습니다. 이 기간 동안 미로는 “스페인을 도와주세요!”라는 그림을 그려 파시즘의 지배에 대해 전 세계의 관심을 끌었습니다.
89x115cm
1927년
가격
3,682만 4천 달러
판매된 2012 년에
경매에 소더비
그림의 두 번째 제목은 '푸른 별'이다. 작가는 같은 해에 "그림을 죽이고 싶다"고 발표하면서 캔버스를 무자비하게 조롱하고 손톱으로 페인트를 긁고 깃털을 캔버스에 붙이고 작품을 쓰레기로 덮었습니다. 그의 목표는 그림의 신비에 대한 신화를 폭로하는 것이었지만 이에 대처하여 Miro는 자신의 신화, 즉 초현실적 추상화를 만들었습니다. 그의 '회화'는 '꿈의 그림'의 순환에 속한다. 경매에서는 4명의 구매자가 이를 놓고 싸웠으나 한 번의 익명 전화 통화로 분쟁이 해결되었고 '그림'은 작가의 가장 비싼 그림이 되었습니다.
25
"파란 장미"
작가
이브 클라인
국가 프랑스
수명 1928–1962
스타일 흑백 그림
작가는 화가 집안에서 태어났지만 동양어, 항해술, 금도금 공예, 선불교 등을 공부했습니다. 그의 성격과 건방진 장난은 흑백 그림보다 몇 배나 더 흥미로 웠습니다.
153x199x16cm
1960년
가격
3,677만9천 달러
2012년에 판매됨
크리스티 경매에서
노란색, 주황색, 분홍색 단색 작품의 첫 번째 전시는 대중의 관심을 불러일으키지 못했습니다. 클라인은 기분이 상했고 다음번에는 특수 합성 수지와 군청색을 섞은 동일한 캔버스 11개를 선보였습니다. 그는 심지어 이 방법에 대해 특허를 냈습니다. 이 색상은 역사에 "국제 클라인 블루"로 기록되었습니다. 작가는 또한 공허함을 팔기도 하고, 종이를 비에 노출시켜 그림을 그리기도 하고, 판지에 불을 붙이기도 하고, 캔버스에 사람의 몸을 프린트하기도 했다. 한마디로 나는 최선을 다해 실험했습니다. “블루 로즈”를 만들기 위해 저는 건조된 안료, 레진, 자갈, 천연 스펀지를 사용했습니다.
26
"모세를 찾아서"
작가
로렌스 알마 타데마 경
국가 대 브리튼 섬
수명 1836–1912
스타일 신고전주의
로렌스 경은 자신이 미술 카탈로그에 처음으로 등재될 수 있도록 성에 접두사 “alma”를 추가했습니다. 빅토리아 시대 영국에서는 그의 그림에 대한 수요가 너무 많아서 예술가가 기사 작위를 받았습니다.
213.4x136.7cm
1902년
가격
3,592만 달러
판매된 2011 년에
경매에 소더비
Alma-Tadema 작품의 주요 주제는 고대였습니다. 그의 그림에서 그는 로마 제국 시대를 아주 세밀하게 묘사하려고 노력했습니다. 이를 위해 그는 아펜 니노 반도에서 고고학 발굴까지 수행했으며 런던 집에서 그해의 역사적 내부를 재현했습니다. 신화적인 주제는 그에게 또 다른 영감의 원천이 되었습니다. 예술가는 일생 동안 수요가 매우 많았지 만 사망 후 금방 잊혀졌습니다. 이제 '모세를 찾아서' 그림의 가격이 사전 판매 예상 가격의 7배에 달하는 등 관심이 다시 살아나고 있다.
27
"잠든 알몸의 공무원의 초상"
작가
루시안 프로이트
국가 독일,
대 브리튼 섬
수명 1922–2011
스타일 비유적인 그림
화가는 정신분석학의 아버지인 지그문트 프로이트(Sigmund Freud)의 손자이다. 독일에 파시즘이 확립된 후 그의 가족은 영국으로 이주했습니다. 프로이트의 작품은 런던의 월리스 컬렉션 박물관에 소장되어 있는데, 이전에는 현대 예술가가 전시한 적이 없습니다.
219.1x151.4cm
1995년
가격
3,360만 달러
판매된 2008 년에
경매에 크리스티
20세기의 패셔너블한 예술가들은 긍정적인 “벽에 색 반점”을 만들어 수백만 달러에 팔았지만, 프로이트는 극도로 자연주의적인 그림을 그려서 훨씬 더 높은 가격에 팔았습니다. “나는 영혼의 울부짖음과 시들어가는 육체의 고통을 포착합니다.”라고 그는 말했습니다. 비평가들은 이 모든 것이 지그문트 프로이트의 "유산"이라고 믿습니다. 그림은 매우 활발하게 전시되고 성공적으로 판매되어 전문가들은 의심하기 시작했습니다. 최면 특성이 있습니까? The Sun에 따르면, 경매에서 판매된 잠자는 누드 관리의 초상화는 미인 감정가이자 억만장자 로만 아브라모비치(Roman Abramovich)가 구입했습니다.
28
"바이올린과 기타"
작가
엑스그리스 하나
국가 스페인
수명 1887–1927
스타일 입체파
마드리드에서 태어나 예술 공예 학교를 졸업했습니다. 1906년에 그는 파리로 이주하여 그 시대의 가장 영향력 있는 예술가들인 Picasso, Modigliani, Braque, Matisse, Léger의 서클에 들어갔고 Sergei Diaghilev 및 그의 극단과도 작업했습니다.
5x100cm
1913년
가격
2,864만 2천 달러
판매된 2010 년에
경매에 크리스티
Gris는 자신의 표현에 따르면 “평면적이고 채색된 건축”에 종사했습니다. 그의 그림은 정확하게 생각되었습니다. 그는 단일 임의의 획을 남기지 않았으며 이는 창의성을 기하학과 유사하게 만듭니다. 예술가는 입체주의의 창시자인 파블로 피카소를 크게 존경하면서도 자신만의 입체파 버전을 창조했습니다. 후계자는 입체파 스타일의 첫 번째 작품인 "피카소에 대한 찬사"를 그에게 헌정하기도 했습니다. 그림 "바이올린과 기타"는 작가의 작품에서 뛰어난 작품으로 인정 받고 있습니다. 평생 동안 Gris는 유명했고 비평가와 미술 평론가의 호평을 받았습니다. 그의 작품은 세계 최대의 박물관에 전시되어 있으며 개인 소장품으로 보관되어 있습니다.
29
"초상화엘뤼아르의 들판'
작가
살바도르 달리
국가 스페인
수명 1904–1989
스타일 초현실주의
초현실주의 그룹에서 쫓겨난 달리는 “초현실주의가 바로 나다”라고 말했다. 시간이 지나면서 그는 가장 유명한 초현실주의 예술가가 되었습니다. 달리의 작품은 갤러리뿐만 아니라 어디에나 있습니다. 예를 들어 Chupa Chups의 포장을 생각해 낸 사람은 바로 그 사람이었습니다.
25x33cm
1929년
가격
2,060만 달러
판매된 2011 년에
경매에 소더비
1929년 시인 Paul Eluard와 그의 러시아 아내 Gala가 위대한 도발가이자 싸움꾼인 Dali를 방문했습니다. 그 만남은 반세기 이상 이어진 사랑 이야기의 시작이었습니다. 이번 역사적인 방문 중에 그림 "폴 엘뤼아르의 초상화"가 그려졌습니다. “나는 올림푸스에서 뮤즈 중 하나를 훔친 시인의 얼굴을 포착하는 책임이 나에게 맡겨졌다고 느꼈다”고 작가는 말했다. 갈라를 만나기 전 그는 처녀였고 여자와의 섹스에 대한 생각에 혐오감을 느꼈다. 삼각관계는 Eluard가 죽을 때까지 존재했으며 그 후 Dali-Gala 듀엣이 되었습니다.
30
"기념일"
작가
마크 샤갈
국가 러시아, 프랑스
수명 1887–1985
스타일 아방가르드
모이세 시갈(Moishe Segal)은 비테프스크에서 태어났으나 1910년 파리로 이주해 이름을 바꾸며 당대의 대표적인 아방가르드 예술가들과 가까워졌다. 1930년대 나치가 집권하자 그는 미국 영사의 도움을 받아 미국으로 떠났다. 그는 1948년에야 프랑스로 돌아왔다.
80x103cm
1923년
가격
1,485만 달러
1990년에 판매됨
소더비 경매에서
그림 "Anniversary"는 작가의 최고의 작품 중 하나로 인정 받고 있습니다. 여기에는 그의 작품의 모든 특징이 포함되어 있습니다. 세계의 물리적 법칙이 지워지고 부르주아 생활의 풍경에 동화의 느낌이 보존되며 사랑이 줄거리의 중심에 있습니다. 샤갈은 사람들을 삶에서 그린 것이 아니라 기억이나 상상에서만 그렸습니다. 그림 "Anniversary"는 예술가 자신과 그의 아내 Bela를 묘사합니다. 이 그림은 1990년에 판매되었으며 그 이후로 경매에 나오지 않았습니다. 흥미롭게도 뉴욕 현대 미술관(MoMA)에는 "생일"이라는 이름으로만 똑같은 작품이 소장되어 있습니다. 그건 그렇고, 그것은 1915 년에 더 일찍 작성되었습니다.
프로젝트를 준비했습니다
타티아나 팔라소바
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Tmn 매거진 13호
(2013년 5월~6월)
아방가르드 - (프랑스 아방가르드 - "뱅가드") - 미래주의, 다다이즘, 초현실주의, 입체파, 절대주의, 야수파 등 20세기 1/3 모더니즘 예술 문화의 다양한 혁신적인 운동과 경향의 집합입니다. 등. 아방가르드는 일반적으로 모더니즘의 극단적인 표현이다. 아방가르드는 역동적이고 실험적인 예술입니다. 아방가르드의 시작은 1905~1906년으로 거슬러 올라가며 사람들은 이미 20년대에 아방가르드의 죽음에 대해 이야기합니다.
아방가르드의 사회적 기반은 현대문명에 대한 항의, 적대감이다. 아방가르드 작품은 파괴의 개념과 결합된 고전 문화의 유희를 기반으로 합니다. 아방가르드의 특징은 예술적 형식 분야와 화용론 분야(텍스트와 독자의 상호 작용, 인공물의 구조에 지각자의 포함) 모두에서 혁신적인 예술적 실천입니다.
아반그라드는 고전적인 모더니즘과 달리 의식적으로 청중에게 초점을 맞추고 적극적으로 영향을 미칩니다. 아방가르드는 진화의 개념이 없으며 발전하지도 않습니다. 이것은 아방가르드에게 보수적으로 보이는 모든 것에 대한 날카로운 항의입니다. 러시아 철학자 V. F. 페트로프-스트롬스키(V. F. Petrov-Stromsky)는 "파괴적인 경향이 있는 이 예술은 1914년 인도주의적 재앙에 대한 예감이자 전조였으며, 이는 "인간이 자랑스럽게 소리를 낸다"는 니체-고르키의 주장에 대한 공허한 이야기를 모두 폭로했습니다.
탄생 연도는 젊은 파블로 피카소(1881-1973)가 프로그래밍 방식의 입체파 그림 "Les Demoiselles d'Avignon"을 그린 1907년입니다. 입체파는 후기 인상파 예술에서 분석 탐구의 논리적 연속으로 나타났습니다. 예를 들어 Paul Cezanne은 1907년에 예술가들에게 "원통, 공, 원뿔을 통해 자연을 해석하라"는 유명한 호소를 했습니다.
입체파의 역사에는 세 단계가 있습니다.
1. 세잔(Cézanne, 1907-1909), 입체파가 세계 현상의 가장 단순한 공간 구조를 찾으려고 시도했을 때 그들은 현실을 묘사하지 않고 사물의 모습이 아니라 사물의 모습을 전달하는 "다른 현실"을 창조했습니다. 디자인, 건축학, 구조, 본질.
2. 입체파(1910-1912)의 분석 단계는 특정 기하학적 기법의 사용과 대상에 대한 다양한 지점 또는 화각의 조합으로 구성되었습니다. 입체파 작품에서는 눈에 보이는 세계의 모든 대상-공간 관계가 의도적으로 위반됩니다. 여기서 밀도가 높고 무거운 물체는 무중력이 될 수 있고, 가벼운 물체는 무거워질 수 있습니다. 벽, 테이블 표면, 책, 바이올린 및 기타 요소가 광학적으로 초현실적인 특별한 공간에 떠 있습니다.
3. 입체주의의 마지막 합성 단계(1913-1914)에서 입체파는 신문의 스티커, 연극 프로그램, 포스터, 성냥갑, 옷 조각, 벽지 조각, 혼합 모래 등 그림이 아닌 요소를 캔버스에 도입했습니다. 촉각 질감, 자갈 및 기타 작은 품목을 향상시키는 페인트.
N. Berdyaev는 입체파에서 부패, 죽음, 오래된 예술과 존재를 휩쓸고가는 "겨울 우주 바람"의 공포를 보았습니다.
입체파의 대표자: P. Picasso, J. Braque, H. Gris.
Fauvism - (프랑스어 Les faues - "야생 동물, 개방형 색상 실험") 색상은 영적 자기 표현의 주요 수단이되었으며 주변 세계의 대상에 대한 동정심을 나타냅니다. Fauvists는 사물의 다채롭고 표현력이 풍부한 표현, 색이 사람의 내면 세계에 미치는 영향의 마법을 전달하는 데 관심을 가졌습니다. 1905년 파리 전시회에 앙리 마티스(1869~1954)의 '삶의 기쁨'이라는 그림이 등장해 추상적인 아름다움을 향한 경향이 뚜렷이 드러났다.
Fauvism의 대표자 : J. Rouault, R. Dufy, A. Matisse, M. Vlaminka, A. Marquet, A. Derain.
미래주의와 입체미래주의.
미래주의 - (라틴어 Futurum - "미래") - 아방가르드 예술의 극도로 충격적인 경향 중 하나이며 이탈리아와 러시아의 시각 및 언어 예술에서 가장 완벽하게 실현됩니다. 미래주의의 시작은 1909년 2월 20일 파리 신문 르 피가로(Le Figaro)에 이탈리아 시인 F.T. 마리네티(1876-1944). 미래주의 미학의 중심에는 현대 문명에 대한 감탄이 있습니다. 최신 기술 성과에 도취된 미래주의자들은 도시화, 산업 발전, 물질적 가치를 이상화했습니다. 미래주의는 고전적인 고급 예술과 그 “신비적 이상”을 거부했습니다.
러시아 미래주의는 이탈리아와 독립적으로 생겨났으며 더욱 중요했습니다. 러시아 미래주의의 기초는 붕괴의 느낌, 오래된 모든 것의 위기입니다. 미래주의에 가장 가까운 것은 A. Kruchenykh, V. Mayakovsky, V. Khlebnikov, 형제 V. 및 D. Burlyuk, V. Kamensky 및 스스로를 "미래"라고 부르는 다른 사람들을 포함하는 입방체 미래학자 "Gilea"의 협회였습니다. "부데렌즈" .
특히 주목할만한 것은 N. Goncharova, M. Larionov, M. Matyushin, K. Malevich와 같이 시인과 창의적으로 상호 작용하는 러시아의 Cubo-Futurist 예술가입니다.
추상화.
추상화는 1910~1920년대 여러 아방가르드 운동의 일반적인 경향이다. 그림에서 말로 표현된 의미가 없는 회화적이고 조형적인 구성, 색상 조합을 만드는 것입니다. 추상화에서는 심리적, 기하학적이라는 두 가지 경향이 나타났습니다.
심리적 추상주의의 창시자는 바실리 칸딘스키(1866-1944)였으며 그의 그림 "산", "모스크바" 등에서 색의 독립적인 표현 가치를 강조했습니다. 중요한 것은 추상 미술이 깊은 "존재의 진실", "우주 세력"의 움직임, 인간 경험의 서정성과 드라마를 표현하려고 노력한 색상 조합의 음악적 연관성입니다.
기하학적(논리적, 지적) 추상화는 비구상적 입체파입니다. 예술가들은 다양한 기하학적 형태, 채색면, 직선과 파선을 결합하여 새로운 형태의 예술적 공간을 창조했습니다. 예를 들어, 러시아에서는 핵 물리학 분야의 첫 번째 발견에 대한 일종의 굴절로 발생한 M. Larionov (1881-1964)의 Rayonism; O. Rozanova, L. Popova, V. Tatlin의 "비객관성"; K. Malevich의 최고주의.
우월주의.
카지미르 말레비치(1878,1879-1935)는 1913년 그림 “검은 사각형”을 통해 절대주의를 발견했습니다. “내가 묘사한 것은 ‘빈 사각형이 아니라 편견에 대한 인식’이었다”(K. 말레비치).
나중에 "Suprematism, or the World of Non-Representation"(1920) 에세이에서 작가는 시대를 초월한 예술, 순수한 플라스틱 관능, 보편적인 (최고주의) 그림 공식 및 구성 등 자신의 미적 원칙을 공식화했습니다. 기하학적으로 올바른 요소의 이상적인 구조입니다. Suprematism에는 줄거리, 그림, 공간적 관점이 없으며 가장 중요한 것은 기하학적 모양과 열린 색상입니다. 추상적인 형태로 떠난다. 절대주의의 3가지 시기: 검정, 유색, 흰색. 흰색: 작가가 흰색 배경에 흰색 모양을 그리기 시작했을 때입니다.
구성주의.
구성주의는 건축이라는 범주를 미학의 중심에 두는 아방가르드의 주요 경향 중 하나이다. 구성주의는 과학기술 혁명의 여명기에 등장했고 기술주의 사상을 이상화했다. 그는 인간성보다 기계와 그 제품을 더 중요하게 여기며 예술에 맞서 싸울 것을 촉구했습니다. 디자인은 특정한 실용적 또는 기능적 의미를 지닌 예술적 구조의 요소를 편리하게 구성하는 것입니다. 러시아 구성주의의 창시자는 블라디미르 타틀린(Vladimir Tatlin, 1885-1953)입니다. 그는 소위 각진 부조라고 불리는 일련의 작품을 만들었습니다. 즉, 주석, 나무, 종이, 페인트 등의 실제 재료를 사용하여 그림의 플라스틱 이미지를 실제 전시 공간으로 가져오는 것입니다. 적절한 색상. 제 3 인터내셔널의 사회 정치적 역할에 대한 아이디어를 구현 한 그의 유명한 프로젝트 "제 3 공산주의 인터내셔널 기념비". 러시아 구성주의는 볼셰비키의 혁명적 이데올로기에 봉사했습니다.
유럽에서 구성주의에 대한 최초의 공식적인 승인은 1922년 뒤셀도르프에서 “국제 구성주의 분파”의 창설이 발표되었을 때 이루어졌습니다. 구성주의 미학에 따르면 예술적 창의성의 목표는 목적이 있는 "사물"의 생산인 "생명 건설"입니다. 이는 디자인 발전에 기여했습니다. 기능주의(구성주의 운동)의 이론가이자 실천가인 르 코르뷔지에(1887-1965)는 도시를 햇빛이 가득한 야외 공원으로 만들려고 노력했습니다. 그는 계층적으로 다른 수준의 구역으로 나누어지지 않은 "빛나는 도시"의 모델을 만들었습니다. 코르뷔지에는 건축에서 합리주의, 민주주의, 평등이라는 사상을 장려했습니다.
구성주의 역사에서 특별한 장소는 1919년 독일 건축가 V. Gropius가 조직한 예술 및 산업 학교인 Bauhaus(Bauhaus - "건축가 길드")가 차지했습니다. 1933년 나치에 의해 폐쇄됨 이 학교의 목표는 예술, 과학 및 기술의 최신 성과를 결합하여 디자인 예술가를 양성하는 것이었습니다.
다다(Dada)는 서유럽 예술과 문학의 아방가르드 운동이다. 스위스에서 발전해 1916년부터 1922년까지 발전했다. 이 운동의 창시자는 루마니아 시인 트리스탄 차라(1896~1963)였다. 다다의 기원은 1916년 취리히에 문을 연 볼테르 카페로 거슬러 올라갑니다. 그곳에서 다다이스트(H. Ball, R. Huelsenbeck, G. Arp)가 연극과 음악의 밤을 조직했습니다.
프랑스어 "dada" - 나무로 만든 어린이용 말(Tzara가 Larousse의 "사전"을 무작위로 열었습니다)
- "dada" - 일관성이 없고 유치한 옹알이,
다다는 공허함이다. 기본적으로 이 단어는 아무 의미가 없습니다. 의미가 없으면 의미가 있습니다.
다다주의의 창시자 중 한 명인 독일의 시인이자 음악가인 휴고 볼(1886-1927)은 독일인에게 이것이 "멍청한 천진함의 지표"이자 모든 종류의 "유치함"이라고 믿었습니다. 공허함 속에 그들은 점점 더 높은 문제에 휩싸여 있고, 검투사의 몸짓, 노쇠한 사람들이 하는 게임은 여전히 거짓 도덕성의 공개 공연으로 남아 있습니다."
다다이즘의 원칙은 다음과 같습니다. 세계 문화의 전통과의 단절, 문화와 현실로부터의 탈출, 무방비 상태의 사람이 빠져드는 혼돈과 광기로서의 세상에 대한 생각, 비관주의, 불신, 가치 거부, 감정 보편적인 상실과 존재의 무의미함, 이상과 삶의 목표의 파괴 . 다다이스트의 작품에서는 현실이 부조리의 지점에 이르렀습니다. 그들은 언어 혁명의 도움으로 사회에 맞서 싸웠습니다. 언어를 파괴함으로써 사회를 파괴했습니다. 다다이스트는 주로 그들의 슬로건과 충격적인 행동으로 유명하며, 그 다음에는 예술적 텍스트로 알려져 있습니다. 다다이스트의 작품은 언뜻 무의미해 보이는 단어와 소리의 비합리적인 무정부적 조합을 충격적으로 표현하도록 설계되었습니다. 아이러니, 에로티시즘, 블랙 유머, 무의식의 혼합 - 다다이즘 유물의 구성 요소.
기성품.
기성품(Ready-mades) - (영어 기성품 - "ready") - 작품 - 실용적인 용도의 물건으로 정상적인 기능 환경에서 제거되고 변경 없이 미술 전시회에 예술 작품으로 전시됩니다. 1913년 뉴욕에서 첫 번째 레디메이드를 전시한 창업자 마르셀 뒤샹(1887-1968): 흰색 의자 위에 올려진 “자전거 바퀴”(1913), 고물상에서 기념으로 구입한 “병 건조기”(1914) , "Fountain"(1917) – 매장에서 전시장까지 직접 배송된 소변기.
뒤샹은 어떤 회화적 사본도 대상 자체보다 대상을 겉모습으로 더 잘 보여줄 수 없다고 믿었습니다. 그것을 묘사하려고 노력하는 것보다 원본에 있는 대상 자체를 전시하는 것이 더 쉽습니다. 예술 전시 공간에 어떤 물체를 도입하면 이 "소개"가 인정받은 예술가에 의해 수행된 경우 예술 작품으로서의 지위가 정당화됩니다.
초현실주의.
초현실주의(프랑스어: 초현실주의 - "초현실주의")는 1920년대에 나타났습니다. 프랑스에서는 프로이트주의, 직관주의, 다다이즘의 예술적 발견 및 형이상학 적 회화의 예술적, 미적 기반에서 발생한 운동입니다.
초현실주의 미학은 앙드레 브르통(1896-1966)의 2개의 “초현실주의 선언”에 명시되어 있습니다. 초현실주의자들은 과학주의, 논리학, 이성, 전통미학의 “족쇄”에서 인간 정신의 해방을 요구했습니다. 초현실주의의 2가지 주요 원칙: 자동 글쓰기 및 꿈 기록. 비논리성, 역설, 놀라움의 기술을 강화합니다. 관객을 다른 의식 수준으로 안내하는 초현실적인(초현실적인) 예술적 분위기. 초현실주의에게 인간과 세계, 공간과 시간은 유동적이고 상대적이다. 세상의 혼란은 예술적 사고에도 혼란을 야기합니다. 이것이 초현실주의 미학의 원리입니다. 초현실주의는 신비롭고 알 수 없으며 극적으로 강렬한 우주와 데이트를 하게 만듭니다. 외로운 남자는 신비한 세계와 마주한다.
회화의 초현실주의 : H. Miro, I. Tanguy, G. Arp, S. Dali, M. Ernst, A. Masson, P. Delvaux, F. Picabia, S. Matta.
“초현실주의는 나다”라고 선언한 스페인 화가, 조각가, 그래픽 아티스트 살바도르 달리(1904-1989)의 그림이 가득한 광대한 공간입니다. (“기억의 지속성”, “갈라” 등 작품). 그의 캔버스는 사람의 가슴에 죽어가는 장엄한 '신의 장례식'과 같고, 이 상실에 대한 차가운 눈물과도 같다. 그의 캔버스 위의 이동되고 왜곡된 인식할 수 없는 세계는 얼어붙거나 경련을 일으키며 몸부림친다. 목표는 세상의 모든 것이 상호 변환 가능하다는 것을 보여주는 것입니다. 슬픈 아이러니.
영화의 초현실주의는 루이스 부뉴엘(1900-1983) 감독의 작품으로 대표된다.
영화는 꿈을 연상시키며 미스터리와 연관되어 있다. Buñuel의 영화 "Un Chien Andalou"는 시선을 자르는 장면으로 유명합니다. 이것은 초현실적 인 제스처 (연기)의 장면이며 그의 영화 "Beauty of the Day"와 "A Woman Without Love"는 주목할 만합니다.
"팝아트"(영어: 대중 예술 - "대중적이고 공개적으로 접근 가능한 예술")라는 용어는 1965년 비평가 L. Allway에 의해 소개되었습니다. 팝 아트는 비객관 예술에 대한 반응이자 객관성에 대한 "갈망"을 만족시키는 것입니다. 서양 미술의 오랜 지배력에 의해 생성된 추상화 미술. 팝아트 이론가들은 특정 맥락에서 모든 사물은 원래의 의미를 상실하고 예술 작품이 된다고 주장합니다. 예술가의 임무는 일반적인 사물에 대한 인식의 특정 맥락을 구성하여 예술적 특성을 부여하는 것입니다. 라벨과 광고의 시학. 팝아트는 일상적인 사물을 조합한 것으로 때로는 더미나 조각품과 결합되기도 합니다.
대표자: R. Hamilton, E. Paolozzi, L. Ellway, R. Banham, P. Blake, R.B. 중국, D. 호크니, P. 필립스. 미국: Robert Rauschenberg(1925-2008), Jesper Johns(b. 1930), Andy Warhol, R. Lichtenstein, K. Oldenburg, D. Dine 등.
앤디 워홀(Andy Warhol)은 자신의 공장 작업실에서 스텐실을 사용하여 작품을 대량 생산했습니다. 그가 개인적으로 친숙했던 그의 유명한 양면화 "Merlin". "복사본"의 색이 바래는 아이디어: 일단 유명인이 되면 반복 가능하고 취약해지며 점차 존재를 멈추고 죽음의 어둠 속에서 지워집니다. 재스퍼 존스(Jasper Johns)는 신문 조각을 자르고 페인트와 왁스로 덮어 미국 국기를 그렸습니다.
미니멀리즘.
미니멀리즘은 팝아트의 잡다한 세계에 대한 반응으로, 최소한의 기술적 세부 사항과 구조와 예술가의 개입을 최소화한 "시각적 및 표현적 수단"의 극도의 경제 원칙을 선언하는 예술 방향입니다. 생성된 객체의 구성. 더 자주 이들은 신중한 색상으로 칠해진 금속 조각 구조였습니다.
대표자: S. LeWitt, D. Flavin, C. Andre, R. Morris, D. Judd, F. Stellar.
대지 예술.
대지 예술(영어 Land-art - “nature-art”)은 예술가의 활동이 자연 속에서 수행되고 예술 작품의 재료는 순전히 천연 재료이거나 최소한의 인공 요소와의 조합인 예술 행위입니다. 1960~1980년대. 예술가 V. de Maria, M. Heitzer, D. Oppenheim, R. Smithson, Christo 등은 접근하기 어려운 자연 경관과 사막에서 대규모 프로젝트를 수행했습니다. 산 위, 마른 호수 바닥에 예술가들은 거대한 구덩이와 다양한 모양의 도랑을 파고, 기괴한 암석 조각 더미를 만들고, 바다 만에 돌의 나선을 깔고, 초원에 석회로 거대한 그림을 그렸습니다. Land 예술가들은 그들의 프로젝트를 통해 현대 도시 문명, 금속과 플라스틱의 미학에 항의했습니다.
개념주의.
개념주의(영어 개념 - "개념, 아이디어, 개념")는 1968년 미국 예술가 T. Atkinson, D. Bainbridge, M. Baldwin, J. Kosuth, L. Weiner에 의해 입증되었습니다. Joseph Kosuth(b. 1945)는 그의 프로그램 기사 “Art after Philosophy”(1969)에서 개념 예술을 전통 예술과 철학을 대체하는 문화적 현상이라고 불렀습니다. 개념 - 작품의 아이디어. 작품은 문서화된 프로젝트여야 하며, 개념과 구현 과정을 기록한 문서여야 합니다. 예를 들어, 뉴욕 현대 미술관의 J. Kosuth 구성 "의자 하나와 세 개"(1965)는 의자의 세 "사람"을 나타냅니다. 즉, 벽에 기대어 서 있는 실제 의자 자체, 사진 및 언어 백과사전에서 본 의자에 대한 설명입니다.
연극과 영화의 모더니즘.
모더니즘 사상가 중 한 사람인 프랑스 철학자 자크 라캉(1901-1981)은 사람의 정신 생활에 위협이 되는 많은 신경증, 정신병 및 기타 장애의 원인이 “인간 자아의 연극적 영향”이라고 믿었습니다. 식별 과정(자신의 실제 "나" 검색)에 참여하면서 사람은 가면을 바꾸고 게임의 유혹에 자신을 노출시킵니다. 모더니스트 연극은 인간 분열의 비극, 자아의 취약성을 반영하여 세상의 부조리를 보여줌과 동시에 인간 정신을 고독의 황야에서 자기고립으로부터 해방시키는 일종의 치료적 카타르시스적 기능을 수행했습니다. .
비극극장. 극작가의 특정 작품이 아니라 그의 전체 창의성을 무대 공간에서 실현하여 상호 작용하는 이미지와 상호 연결된 충돌의 통합 세계로 인식합니다.
대표자 : 영국의 감독이자 개혁가인 고든 크레이그(Gordon Craig).
에픽 극장. 유쾌한 상대성과 도덕적인 부도덕, 배우와 이미지 사이의 냉소적인 의사소통의 자유를 기반으로 새로운 관계 시스템을 만듭니다.
대표자 : 독일의 극작가이자 감독인 베르톨트 브레히트(1898-1956) - 베를린 앙상블 극장의 창립자.
사회적 가면의 극장. 연극 가면은 개인의 특성 없이 특정한 사회적 유형을 표현합니다. 예를 들어 V. Meyerhold의 공연 ( "The Bedbug", "The Forest", "The Lady with Camellias"등)의 각 캐릭터는 강당을 향하고 독립적으로 청중에게 자신에 대해보고했습니다. 사람들 사이의 관계가 약화되고 갈등이 모호해집니다.
대표자 : 러시아 실험감독 브세볼로드 메이어홀트(1874~1940).
"잔인함의 극장". 그들은 극장을 고대 형태의 의식 성소로 되돌리려고 노력했습니다. 그곳에서 관객은 원래의 "우주적" 활력 요소에 합류하여 "초월적 황홀경"에 빠질 수 있습니다.
대표자 : Antonin Artaud (1896-1948).
터무니없는 극장.
주요 좌우명은 "표현할 것도 없고, 표현할 것도 없고, 표현할 힘도 없고, 표현하려는 욕구도 없고, 표현해야 할 의무도 없다."
주요 대표자 : Eugene Ionesco (1909-1994), 그의 작품 "The Bald Singer", "The Lesson", "Chairs"등. 그는 일상을 환상으로 옮겨 인간관계와 감정을 과장함으로써 인간 존재의 부조리함을 보여주고자 노력한다. 예를 들어, 연극 "The Lesson"에서 수학 교사는 "산술은 철학으로 이어지고 철학은 범죄로 이어진다", "한 마디로 죽일 수 있습니다"라는 논리에 따라 학생을 죽입니다. 연극 "의자"에서는 두 노인이 의자를 들고 오지 않는 연사를 기다리고 있습니다. 그들은 자살합니다. 홀과 노인들의 영혼 속에있는 공간의 공허함의 이미지는 한계에 이르렀습니다. Ionesco의 희극 "고도를 기다리며"에서 행동의 장면은 길이며 그 옆에는 두 명의 영웅이 앉아있는 외로운 나무가 있습니다. 그들의 만남은 순간, 순간이다. 과거는 더 이상 존재하지 않으며 미래도 아직 오지 않았습니다. 영웅들은 자신이 어디서 왔는지 모르고, 시간의 흐름도 모릅니다. 그들은 아무것도 할 힘이 없습니다. 그들은 약하고 아픈 것 같습니다. 그들은 Godot를 기다리고 있습니다. 그리고 그들은 그것이 누구인지 스스로 깨닫지 못합니다. 연극 "Endgame"에서는 영웅이 의자에 묶여 독립적으로 움직일 수 없는 한 방에서 액션이 이루어집니다. 황량한 공간을 배경으로 펼쳐지는 연극 '오, 해피 데이즈'에서는 주인공 비니가 한 점에 묶여 있는 모습이 나온다. 1막에서는 허리까지 흙이 덮여 있고, 2막에서는 머리만 보인다. 여주인공이 붙어 있는 공간의 한 지점에 대한 은유는 죽음, 즉 그녀가 존재할 때까지 모든 사람이 알아차리지는 못하더라도 모든 사람을 그 자체로 끌어들이는 무덤입니다.
"터무니없는 극장"의 대표자: A. Adamov, J. Genet, S. Beckett.
포토제니(Photogeny)는 프랑스 감독이자 영화이론가인 루이 델뤽(1890~1924)의 스타일로, 대상의 내적 의미와 신비함을 강조하기 위한 가속모션과 슬로우모션, 연상편집, 이중구도 등의 방식을 포함한다.
기념비적인 스타일.
기념비적인 스타일의 영화는 대본이 없는 영화로, 작품의 의미를 캐릭터의 전개나 줄거리를 통해서가 아니라 제스처가 중요한 역할을 하는 새로운 유형의 편집인 "어트랙션의 몽타주"를 통해 관객에게 전달했습니다. 역할.
대표 : 러시아 영화감독 세르게이 에이젠슈타인(1898~1948), 그의 작품 <전함 포템킨>, <끔찍한 이반>, <알렉산더 네프스키> 등
포스트 할리우드 스타일.
이는 제2차 세계대전 이후 유럽에서 일어난 “경제적 기적”의 결과에 대한 반작용으로 일어났습니다. 철학적 기초는 F. Nietzsche ( "신의 죽음에 관한")와 O. Spengler (유럽의 쇠퇴에 관한)의 아이디어입니다. 영화의 주인공은 복지사회의 엑스트라 인물이다.
따라서 독일 감독이자 시나리오 작가인 Rainer Werner Fassbinder(1945-1982)는 T. Mann 작품의 모티프와 범죄 연대기 요소, L. 베토벤의 음악과 축구 팬의 비명 등을 하나의 전체로 결합했습니다. 에.
음악의 모더니즘.
20세기 중반 독일의 철학자이자 사회학자. 테오도르 아도르노(1903-1969)는 진정한 음악은 개인이 주변 세계에 대해 느끼는 혼란을 전달하고 사회적 업무로부터 자신을 완전히 고립시키는 음악이라고 믿었습니다.
구체적인 음악.
자연스럽거나 인공적인 소리를 녹음한 다음 이를 혼합하고 편집합니다.
대표자 : 프랑스의 음향학자이자 작곡가인 피에르 쉐퍼(Pierre Schaeffer, 1910-1995).
Aleatorics.
음악에서 가장 중요한 것은 무작위성입니다. 따라서 체스 게임의 동작, 악보 종이에 잉크 뿌리기, 주사위 던지기 등을 기반으로 로트를 사용하여 음악 작곡을 구성할 수 있습니다.
대표자: 독일 작곡가, 피아니스트, 지휘자 카를하인츠 슈톡하우젠(b. 1928), 프랑스 작곡가 피에르 불레즈.
점묘법.
일시 중지로 둘러싸인 갑작스러운 소리 형태의 음악과 2~3개의 소리로 구성된 짧은 동기.
대표자 : 오스트리아의 작곡가이자 지휘자 안톤 베베른(1883~1945).
전자음악.
전자 음향 및 음향 재생 장비를 사용하여 만든 음악입니다.
대표자: H. Eimert, K. Stockhausen, W. Mayer-Epper.
