17세기의 가장 유명한 성화 화가. 아이콘 페인팅의 거장

31.08.2019

“물질 분야의 발견을 넘어서, 우리는 시, 그림, 아이콘, 음악의 작가를 알아볼 수 있는 것처럼 스스로 창조주를 발견할 수 있습니다. 우리는 그를 누구와도 혼동하지 않고 듣고 이렇게 말합니다. "오, 누구누구만이 이것을 쓸 수 있었을 겁니다." 이것은 신에게도 해당됩니다.”-Surozh의 메트로폴리탄 Anthony가 자신의 방식으로 주변 세계를 바라 보는 것에 대한 말입니다.

그리고 거기에는 경외감과 영감의 힘이 있습니다!
얼굴 앞에는 달콤한 불길의 마음이 있습니다 ...
아이콘 - 인간의 손으로 만든 창조물 -
캔버스에 정신을 담다

L. 골루비츠카야-베이스

모든 아이콘은 필연적으로 하나님의 어머니이신 그리스도, 이 성인 또는 저 성인의 불완전한 이미지입니다. 오직 그 사람 자신만이 자신의 진정한 이미지입니다. 그러나 모든 아이콘 화가는 하나님과 교통했고, 친교를 통해 하나님에 대해 배웠고, 그의 경험을 캔버스나 나무에 담았습니다. 각 아이콘은 특정 아이콘 화가의 인식을 통해 절대적으로 확실한 것을 전달합니다.

어떤 의미에서 이것이 우리가 성육신하신 그리스도를 인식하는 방식입니다. 우리는 서로 크게 다른 아이콘을 그리는데, 그 중 어느 것도 그리스도 자신을 절대적으로 정확하게 재현하지 못하고, 내가 보는 것과 아는 것처럼 그분을 묘사합니다. 놀라운 점은 우리에게 그리스도의 사진 이미지가 없다는 것입니다. 이는 우리에게 그분의 모습에 대해 순간적이고 극도로 제한적인 생각을 주고 그분을 다르게 아는 사람에게는 그분을 낯설게 만들 것입니다.

Sourozh의 메트로폴리탄 Anthony

일련의 대화를 더 자세히 읽으면 주교의 영적 성서에 대해 더 많이 배울 수 있습니다. 지난 9개월 동안의 본당 모임에서 메트로폴리탄은 마치 그가 떠나기 전에 말하지 않은 것을 남기고 싶지 않은 것처럼 청취자에게 완전히 마음을 열었습니다.

오늘 우리는 아이콘 캔버스에 살아있는 이미지와 기억을 포착 한 사람들, 즉 아이콘 화가에 대해 이야기하겠습니다. 그들은 누구입니까? 우리는 어떤 작품을 알고 있나요? 자신의 눈으로 그들의 창작물을 어디에서 볼 수 있습니까?

고대 러시아에서는 성화 화가가 되는 것이 전적으로 금욕적이고 도덕적이며 명상적인 길이라고 믿었습니다.

"전례 이미지 내용의 깊이와 영성을 가장 강력하게 드러내는 아이콘의 예술적 언어의 완벽 함을 밝힐 기회가 주어진 것은 러시아였습니다. 비잔티움이 세계에 주로 신학을 주었다면 다음과 같이 말할 수 있습니다. 그 단어는 이미지 속의 신학이 러시아에 의해 주어졌습니다.”

Leonid Uspensky, 신학자, 아이콘 화가

1. 그리스인 테오파네스 (약 1340년 - 약 1410년)

그리스인 테오파네스의 이름은 고대 러시아 성화 화가 중 일류에 속하며, 그의 뛰어난 재능은 이미 동시대인들에게 인정받아 그를 "매우 교활한 철학자", 즉 매우 능숙한 사람이라고 불렀습니다. 그는 작품뿐만 아니라 밝은 성격으로도 큰 인상을 남겼다.

화가의 정확한 생애는 알려져 있지 않으며, 그는 아마도 1340년 비잔티움에서 태어나 수년 동안 콘스탄티노플, 칼케돈, 갈라타, 카파, 스미르나의 신전을 그렸습니다. 그러나 Feofan의 세계적인 명성은 Rus'에서 제작된 아이콘, 프레스코화 및 그림을 통해 그에게 가져왔고, 그곳에서 그는 35~40세의 나이에 이미 자신의 기술에 대한 확고한 대가로 자리 잡았습니다.

Rus'에 오기 전에 그리스인은 수많은 대성당(약 40개)에서 일했습니다.

저자가 확인된 그의 최초이자 유일하게 완전히 보존된 작품은 사원 그림이다. 일린의 구세주의 변모그리스인 Feofan이 약 10년 동안 머물렀던 Veliky Novgorod의 거리.

제3차 노브고로드 연대기에는 다음과 같이 언급되어 있습니다. “6886년(서기 1378년) 여름에 주 하나님과 우리 구주 예수 그리스도의 교회가 장엄한 변모의 이름으로 서명되었습니다… 그리고 그것은 그리스 거장 Feofan이 서명했습니다.” 아이콘 화가의 나머지 작품은 그의 창의성의 징후에 의해서만 결정됩니다.

존경받는 마카리우스 대왕, 일린 거리에 있는 변모 교회의 프레스코화,
벨리키 노브고로드

유명한 아이콘 화가의 프레스코화는 성인들의 머리카락과 옷의 휘장을 묘사하는 데 사용되는 어두운 적갈색 톤 위에 파스텔 색상과 흰색 하이라이트로 쉽게 알아볼 수 있으며 그의 스타일도 특징적입니다. 다소 날카로운 선으로. Feofan의 밝고 창의적인 개성은 자유롭고 대담하며 극도로 일반화되어 때로는 거의 스케치적인 글쓰기 스타일로 나타납니다. Feofan이 만든 이미지는 내면의 힘과 엄청난 영적 에너지로 구별됩니다.

그는 Novgorod 예술, 특히 비슷한 세계관을 공언하고 부분적으로 주인의 스타일을 채택한 주인에게 중요한 공헌을 남겼습니다.

성전에서 가장 웅장한 이미지는 돔에 있는 전능하신 구주의 가슴에서 가슴까지의 이미지입니다.

그리스인 테오파네스는 종교적 위업이나 황홀경의 순간에 성자를 전달하려고 노력합니다. 그의 작품은 표현력과 내면의 힘이 특징입니다.

일부 정보, 특히 편지에 따르면 Feofan의 삶의 후속 사건은 잘 알려져 있지 않습니다. 현명한 자의 현현 Nizhny Novgorod에서 일한 아이콘 화가 인 Afanasyev Monastery의 대 수도 원장 Kirill Tverskoy에게 (그림은 살아남지 못했습니다) 일부 연구자들은 그가 Kolomna와 Serpukhov에서도 일했다고 믿는 경향이 있습니다. 1390년경 모스크바에 도착한 그는 많은 주문을 받았고 숙련된 세밀화가로 알려졌습니다. 연구원 B.V. 미하일롭스키그에 대해 다음과 같이 썼습니다.

"테오판의 작품은 뛰어난 기량, 자신감 넘치는 붓의 대담함, 뛰어난 표현력, 개인의 창의성이 발휘하는 눈부신 자유로움으로 인해 놀라움을 금치 못합니다."

그리스인 테오판은 여러 모스크바 교회의 그림을 이끌었습니다. 이것은 1395년에 성모 탄생을 기념하는 새로운 석조 교회이며, 1399년에 세묜 체르니와 그의 제자들인 성 대천사 미카엘 교회와 함께 그 그림입니다. Tokhtamysh 침공 중에 소실되었으며 Gorodets의 Prokhor 장로와 함께 수태 고지 교회 안드레이 루블레프 1405년에.

그리스인 테오파네스의 작업에서 비잔틴 영적 삶의 두 극과 문화에 대한 반영이 가장 완벽하게 표현되었으며 이상적인 구현, 즉 고전적 원리(신성한 창조물로서 지상의 아름다움을 찬미함, 가장 높은 것을 반영하는 것)를 찾았습니다. 완벽함) 그리고 영적 금욕주의에 대한 열망, 외부적이고 화려하고 아름다운 것을 거부합니다.

아이콘 화가의 프레스코화에서 마치 신비로운 환상의 순간을 기록하는 것처럼 날카로운 틈새, 날카로운 빛의 섬광, 얼굴, 손, 옷에 날카로운 타격으로 떨어지는 것은 신성한 빛을 상징합니다. 새롭고 영적인 삶.

제한된 범위의 색상 (검정색, 다양한 색조의 적갈색, 흰색 등)은 세계의 다양성과 다색을 포기하는 수도원의 이미지와 같습니다.

일린 거리 변모교회의 대천사 형상,
벨리키 노브고로드

비잔틴 거장은 Rus'에서 두 번째 집을 찾았습니다. 그의 열정적이고 영감을 받은 예술은 러시아 국민의 세계관과 조화를 이루었으며 그리스인 테오파네스의 동시대 사람들과 이후 세대의 러시아 예술가들에게 유익한 영향을 미쳤습니다.

다닐 체르니 (약 1350년 - 약 1428년)

전기가 완전히 신뢰할 수있는 출처로 보존되지 않은 Daniil Cherny는 가장 강력한 재능, 즉 심리적 특성화와 엄청난 그림 기술의 재능을 가졌습니다. 그의 모든 작품은 가장 작은 세부 사항까지 조화를 이루고 전체론적이며 표현력이 풍부합니다. 그림의 완벽함과 움직임의 생동감은 그의 작품을 가장 재능 있는 대가들과 구별시켜 줍니다.

Andrei Rublev의 교사이자 멘토. 그는 프레스코화, 모자이크, 아이콘의 풍부한 유산을 남겼으며 그 중 가장 유명한 것은 "아브라함의 가슴"과 "세례자 요한"(블라디미르의 가정 대성당), "성모님"과 "사도 바울"(삼위일체)입니다. -Sergius Lavra, Sergiev Posad, 모스크바 지역).

프레스코화 "아브라함의 품". 가정 대성당, 블라디미르

그런데 Daniil이 항상 Andrei Rublev와 협력하여 작업했다는 사실은 두 예술가의 작업을 분리하는 문제를 야기합니다.

이 별명은 어디에서 왔습니까? 블랙?

이는 17세기 말부터 18세기 초에 쓰여진 "신성한 성화 화가들의 이야기"라는 텍스트에 언급되어 있습니다. 이 연대기는 Daniel이 Andrei Rublev와 함께 Vladimir의 Assumption Cathedral을 그렸다는 증거이자 명확한 증거입니다. 출처에서 Daniil의 이름은 Rublev의 이름보다 먼저 호출되며 이는 첫 번째 선배의 선배와 경험을 다시 한 번 확인합니다. "성스러운 아이콘 화가 이야기"가 이를 나타낼 뿐만 아니라 Joseph Volotsky는 Daniel을 유명한 Rublev의 교사라고 부릅니다.

우연히 또는 아마도 전염병으로 인해 Daniel은 1427 년 특정 "역병"(열)으로 전우와 동시에 사망했습니다. 두 유명한 작가 모두 모스크바의 스파소-안드로니코프 수도원에 묻혀 있습니다.

안드레이 루블료프 (약 1360년 - 약 1428년)

세계적으로 유명한 러시아 아이콘 화가이자 수도사 예술가가 시성되었습니다. 수백 년 동안 그것은 러시아 성화 그림의 진정한 위대함을 상징해 왔습니다. 그는 루스 세례 천년이 되는 해에 시성되었습니다.

수도사 Andrei Rublev의 탄생 연도는 그의 기원과 마찬가지로 알려지지 않았으며 그에 대한 역사적 정보가 부족합니다. 그의 별명 성 (Rublev)이 존재하면 그가 교육받은 사회계 출신이라고 가정하는 것이 가능합니다. 그 시대에는 상류층의 대표자만이 성을 가졌기 때문입니다.

루블료프의 가장 초기 알려진 작품은 그리스인 테오파네스(Theophanes the Greek)와 고로데츠(Gorodets)의 프로호르(Prokhor)가 공동으로 그린 1405년 모스크바 크렘린의 수태고지 대성당 그림으로 간주됩니다.

그의 작품에서 그 당시 이미 발전한 모스크바의 특별한 아이콘 그림 스타일을 추적할 수 있습니다. 수도사 안드레이 자신은 수년 동안 살았고, 그가 죽은 후 그는 현재 그의 이름을 딴 박물관이 운영되고 있는 야우자 강둑에 있는 수도의 안드로니코프스키 수도원에 묻혔습니다.

매우 영적인 분위기 속에서 살아가는 안드레이 수도사는 자신의 환경에서 발견한 거룩함의 역사적 사례와 금욕 생활의 사례를 통해 배웠습니다. 그는 교회의 가르침과 그가 묘사한 성인들의 삶을 깊이 탐구하고 이를 따랐으며, 이를 통해 그의 재능은 예술적, 정신적 완성을 이룰 수 있었습니다.

스님의 삶에서 Radonezh의 세르지오말했다:

"Andrey는 훌륭한 아이콘 화가이며 정직한 회색 머리를 가진 녹색 지혜의 모든 것을 능가합니다."

프레스코화 "손으로 만들지 않은 구세주", 안드로니코프 수도원의 스파스키 대성당,
모스크바 트레티야코프 미술관

루블프스키 스파- 이것은 전형적인 러시아의 아름다운 외모를 구현한 것입니다. 그리스도의 얼굴의 단 하나의 요소도 지나치게 강조되지 않습니다. 모든 것이 비례적이고 일관됩니다. 그는 러시아인이고, 눈이 과장되지 않고, 코가 곧고 가늘고, 입은 작고, 얼굴의 타원형은 길지만 그렇지 않습니다. 좁고 금욕주의가 전혀 없으며 그의 머리에는 굵고 가느 다란 목에 차분한 위엄이 솟아 오르는 두꺼운 털이 있습니다.

이번 새로운 디자인에서 가장 중요한 점은 디자인입니다. 관객을 직접적으로 바라보며 그에 대한 생생하고 적극적인 관심을 표현합니다. 그는 사람의 영혼을 파헤쳐 그를 이해하고 싶은 욕구를 느낍니다. 눈썹은 자유롭게 치켜 올려져 있어 긴장감이나 슬픔의 표정이 없으며, 시선은 맑고 개방적이며 자비롭다.

Rublev의 탁월한 걸작은 전통적으로 간주됩니다. 삼위일체의 아이콘, 15세기 1분기에 쓰여졌습니다. 줄거리는 세 명의 아름다운 젊은 천사의 형태로 의로운 아브라함에게 신이 나타나는 성경 이야기를 기반으로합니다. 아브라함과 그의 아내 사라는 마므레 참나무 그늘 아래서 낯선 사람들을 대했으며, 아브라함은 세 위격의 신성이 천사들 안에 구현되었다는 것을 이해하게 되었습니다.

그들은 왕좌 주위에 앉아 있는 것으로 묘사되며, 그 중앙에는 신약의 양, 즉 그리스도를 상징하는 희생용 송아지 머리가 달린 성찬 잔이 있습니다. 이 이미지의 의미는 희생적인 사랑입니다. 아버지 하나님을 상징하는 왼쪽 천사가 오른손으로 잔을 축복하고 있습니다. 예수 그리스도의 복음 옷을 입은 가운데 천사 (아들)는 오른손을 상징적 표징으로 보좌에 내려 놓고 아버지 하나님의 뜻에 복종하고 사람들에 대한 사랑의 이름으로 자신을 희생 할 준비가되어 있음을 표현합니다 .

오른쪽 천사(성령)의 몸짓은 아버지와 아들 사이의 상징적 대화를 완성하여 희생적인 사랑의 높은 의미를 확인하고 희생할 운명의 사람들을 위로합니다. 따라서 구약의 삼위 일체 이미지 (즉, 구약의 줄거리 세부 사항 포함)는 성찬례 (선한 희생)의 이미지로 바뀌어 최후의 만찬 복음과 성찬의 의미를 상징적으로 재현합니다. (그리스도의 몸과 피로 빵과 포도주로 교통함). 연구자들은 이미지가 간결하고 자연스럽게 어울리는 구성 순환의 상징적 우주론적 중요성을 강조합니다.

이 아이콘에는 불필요한 세부 사항이 없으며 각 요소는 특별한 신학적 상징을 담고 있습니다. 이런 걸작을 만들기 위해서는 뛰어난 예술가가 되는 것만으로는 충분하지 않았습니다. Rublev의 모든 작품과 마찬가지로 삼위 일체는 러시아 아이콘 그림의 정점이되었지만 St. Andrew가 수도원 적 위업으로 도달 한 영적 높이의 증거이기도합니다.

디오니소스 (약 1440년 - 1502년)

15세기 후반부터 16세기 초반까지 모스크바의 대표적인 성화 화가이자 등소작가입니다. 전통의 계승자로 간주됨 안드레이 루블레프그리고 그의 가장 재능있는 학생.

Dionysius의 가장 초기에 알려진 작품은 Kaluga 근처 Pafnutievo-Borovsky 수도원에있는 하나님의 어머니 탄생 교회의 기적적으로 보존 된 그림입니다 (15 세기).

러시아 북부의 디오니시우스의 작품은 특별히 언급할 가치가 있습니다. 1481년경 그는 볼로그다 근처의 Spaso-Kamenny 및 Pavlovo-Obnorsky 수도원의 성화를 그렸고, 1502년에는 그의 아들 Vladimir 및 Theodosius와 함께 Beloozero에 있는 Ferapontov 수도원의 프레스코화를 그렸습니다. .

Prilutsky의 St. Demetrius 아이콘, Ferapontov 수도원,
Kirillo-Belozersky 역사, 건축 및 예술 박물관 보호구역, 아르한겔스크 지역.

Dionysius의 최고의 아이콘 중 하나는 다음과 같습니다. 모스크바 크렘린의 가정 대성당에서 묵시록의 아이콘. 이 아이콘의 생성은 1492년에 예상된 세상의 종말과 관련이 있습니다. 아이콘의 전체 이름: "세상의 종말과 최후의 심판에 대한 비전인 신학자 요한의 묵시록 또는 계시."

다층적인 구성이 묘사됩니다. 아름다운 옷을 입은 신자들의 군중이 연합 된기도의 힘에 사로 잡혀 어린 양 앞에 절했습니다. 묵시록의 장엄한 그림이 숭배자들 주위에 펼쳐집니다. 백석 도시의 성벽 뒤에는 반투명 천사의 모습이 검은 악마의 모습과 대조를 이룹니다. 복잡성, 다중 형상, 붐비는 다중 계층 구성에도 불구하고 Dionysius "Apocalypse"의 아이콘은 모스크바 학교의 전통적인 아이콘 그림과 같이 우아하고 가볍고 색상 구성이 매우 아름답습니다. 안드레이 루블료프 시대부터.

시몬 우샤코프 (1626 - 1686)

국가 최고 관리들이 가장 좋아하는 유일한 아이콘 화가인 차르 알렉세이 미하일로비치(Tsar Alexei Mikhailovich)가 가장 좋아하는 사람으로, 그의 작품에 17세기의 가장 중요한 역사적, 문화적 과정을 반영했습니다.

어떤 의미에서 Simon Ushakov는 그의 창의성으로 교회 예술의 "세속화"과정의 시작을 표시했습니다. 차르와 총대주교, 차르의 자녀, 보야르 및 기타 중요한 인물들의 명령에 따라 Ushakov는 50개 이상의 성화를 그렸으며, 이는 러시아 성화 그림의 새로운 "Ushakov" 시대의 시작을 알렸습니다.

Ushakov가 그린 꽤 많은 성화들이 우리에게 전해졌으나, 그 중 대부분은 이후의 기록과 복원으로 인해 왜곡되었습니다. 그는 그 시대에 비해 매우 발전된 사람이었으며, 무엇보다도 그 시대의 모든 기술 수단을 훌륭하게 구사할 수 있었던 재능 있는 예술가였습니다.

Ushakov의 서명과 날짜가 기록된 최초의 작품은 17세기 50년대로 거슬러 올라가며, 그 중 가장 초기의 작품은 1652년의 "블라디미르의 성모" 아이콘입니다. 그분은 유명한 고대 기적의 형상을 선택하신 것이 아니라, 그것을 “크기와 모양에 따라” 재현하셨습니다.

사이먼 우샤코프. 블라디미르의 성모님,
반대쪽에는 갈보리 십자가가 있습니다. 1652년

그 당시 채택된 "고대 모델에 따라 아이콘을 그리는 것"이라는 규칙과 달리 Ushakov는 서양 미술에 무관심하지 않았는데, 그 경향은 이미 17세기에 Rus에서 크게 퍼졌습니다. 원래의 러시아-비잔틴 아이콘 그림을 바탕으로 그는 고대 "패턴"과 소위 "Fryazhsky"라는 새로운 스타일을 모두 따르고 새로운 구성을 고안했으며 서양 모델과 자연을 면밀히 관찰하고 다음과 같은 노력을 기울였습니다. 인물에 성격과 움직임을 부여합니다.

아이콘 "최후의 만찬"(1685) Trinity-Sergius Lavra의 가정 대성당,
모스크바 지역

그의 작품에서 그는 인간의 얼굴과 모습을 보다 사실적으로 표현하려고 노력했습니다. 동시에, 그의 작품에서 그는 여전히 오래된 패턴과 규칙을 고수했기 때문에 그의 예술에서 이중성이 눈에 띄는 것입니다. 그는 그 그림을 여러 번 그렸습니다. 손으로 만든 것이 아닌 구원자, 얼굴에 살아있는 인간의 특징을 부여하려고 노력합니다. 고통, 슬픔의 표현; 뺨의 따뜻함과 머리카락의 부드러움을 전합니다. 그러나 아이콘 페인팅의 규칙을 벗어나지는 않습니다.

손으로 만든 것이 아닌 구원자,1678g

Ushakov 작품의 또 다른 중요한 역사적 특징은 과거의 아이콘 화가와 달리 Ushakov가 자신의 아이콘에 서명한다는 사실입니다.

언뜻보기에 중요하지 않은 세부 사항은 본질적으로 당시 대중 의식의 심각한 변화를 의미합니다. 이전에 주님 자신이 아이콘 화가의 손을 인도한다고 믿었다면 (이런 이유로 주인이 서명 할 도덕적 권리가없는 경우) 그의 작품), 이제 상황은 완전히 반대 방향으로 바뀌고 있으며 심지어 종교 예술도 세속적인 특징을 갖게 됩니다.

Ushakov는 17세기의 많은 예술가들의 교사였습니다. 모스크바 예술 생활의 선두에 섰습니다. 아이콘 화가의 상당 부분이 그의 발자취를 따랐으며 점차적으로 오래된 기술에서 그림을 해방했습니다.

표도르 주보프 (약 1647 - 1689)

Zubov Fedor Evtikhievich는 17세기에 살았던 유명하고 재능 있는 성화 화가입니다. 그는 바로크 양식으로 작품을 썼습니다.

아이콘 "사막의 선지자 엘리야", 1672

사이먼 우샤코프(Simon Ushakov)와 마찬가지로 그도 왕실에서 무기고 기수로 일했으며 5명의 "보상받은 성화 화가" 중 한 명이었습니다. 40년 이상 수도에서 일한 표도르 주보프(Fyodor Zubov)는 손으로 만들지 않은 구세주, 세례 요한, 첫 번째 부름을 받은 안드레이, 선지자 엘리야, 성 니콜라스, 다른 많은 성도들. 그는 크렘린 대성당의 벽화 작업을 했습니다.

흥미로운 사실 : Fyodor Zubov는 왕실의 "유급 아이콘 화가", 즉 "행복이 없다면 월급을 받고이를 통해 미래에 대한 확실한 자신감을 얻은 주인"이되었습니다. 불행이 도움이 될 것입니다.” 사실 1660년대 초 Zubov의 가족은 사실상 생계수단이 없었고 아이콘 화가는 차르에게 청원서를 작성해야 했습니다.

그의 작품의 창의적인 실행의 주요 특징은 최고의 장식 "패턴"이 우세한 Ustyug 아이콘 화가의 서예 스타일 특징입니다. Zubov는 17세기 아이콘 그림의 최고의 업적과 고대 전통의 업적을 결합하려고 노력했습니다.

러시아 아이콘 그림 연구자들은 Fyodor Zubov의 주요 장점은 묘사된 성도의 얼굴에 영적 의미와 순수성을 복원하려는 열망이라는 데 동의합니다. 즉, 주보프는 17세기 성상화의 최고의 성과와 고대 전통의 성과를 결합하려고 노력한 것입니다.

3ubov는 하나의 작품에 여러 줄거리를 도입하는데, 그 중 하나가 주요 작품이고 나머지는 부차적이지만 예술적이고 실질적인 설득력이 충만하여 신중하게 해석됩니다. 이것은 19세기 연구자 중 한 명이 Zubov의 초기 작품인 아이콘을 시적으로 묘사한 방법입니다. "광야의 세례 요한"(1650년경, 트레티야코프 미술관):

“... 신성한 요르단 강이 거기에 바람이 불고 나무가 자라며 그 잎사귀는 사슴이 갉아 먹습니다. 사자는 그곳 강에서 물을 마시고, 거룩한 사막 거주자는 같은 강에서 물을 길어오고, 사슴은 그 옆에 평화롭게 누워 있습니다. 황금빛 소나무는 숲의 어두운 배경을 배경으로 실루엣을 보여주고, 실제 하늘은 그 꼭대기 위에서 연기를 뿜어냅니다.”

Zubov의 이 작품의 예는 아이콘 그림의 깊이에서 미래의 그림 같은 풍경이 어떻게 탄생했는지 보여줍니다.

10세기 말에 일어난 루스 세례 시대부터 러시아 성상화라고 불리는 정교회의 깊은 곳에서 독특하고 독특한 예술이 발전했습니다. 거의 7세기 동안 러시아 문화의 핵심으로 남아 있던 것은 바로 그녀였으며, 피터 통치 기간에만 나는 세속 회화로 대체되었습니다.

몽골 이전 시대의 도상학

정교회와 함께 Rus는 비잔티움에서 문화의 업적을 빌려 키예프 공국에서 더욱 발전한 것으로 알려져 있습니다. 키예프에 세워진 최초의 십일조 교회의 그림이 블라디미르 왕자가 초청 한 해외 거장들에 의해 수행 되었다면 곧 러시아 아이콘 화가들이 Pereyaslavl, Chernigov, Smolensk 및 러시아 도시의 어머니라고 불리는 수도 자체에 나타났습니다. 몽골 이전 시대에는 국립 학교의 정체성이 아직 완전히 확립되지 않았기 때문에 그들의 작품과 비잔틴 교사가 그린 아이콘을 구별하는 것은 매우 어렵습니다.

그 시기에 만들어진 작품은 오늘날까지 거의 남아 있지 않지만, 그 중에서도 진짜 걸작이 있습니다. 그 중 가장 눈에 띄는 것은 12세기 말 무명의 거장이 그린 양면 노브고로드 아이콘 '손으로 만들지 않은 구세주'로, 뒷면에는 '십자가 숭배' 장면이 그려져 있다. 8세기가 넘는 기간 동안 이 작품은 디자인의 정확성과 부드러운 모델링으로 보는 사람을 놀라게 했습니다. 현재 아이콘은 State Tretyakov Gallery 컬렉션에 있습니다. 이 아이콘의 사진으로 기사가 열립니다.

상트페테르부르크 국립 러시아 박물관에 전시된 몽골 이전 시대의 또 다른 유명한 작품은 "황금 머리 천사"로 알려진 노브고로드 아이콘이기도 합니다. 섬세한 감성과 깊은 서정성이 가득한 천사의 얼굴은 보는 이로 하여금 차분하고 맑은 느낌을 준다. 러시아의 아이콘 화가들은 비잔틴 교사들로부터 그러한 감정을 전달하는 능력을 완전히 물려 받았습니다.

타타르-몽골 멍에 시대의 아이콘 그림

타타르-몽골 멍에 시대의 시작을 알리는 바투 칸의 러시아 침공은 국가의 생활 방식에 근본적인 영향을 미쳤습니다. 러시아 아이콘 그림은 그의 영향에서 벗어나지 못했습니다. 이전에 형성된 예술 센터의 대부분은 호드에 의해 점령되고 파괴되었으며, 공동 운명을 통과한 사람들은 어려운 시기를 겪었으며, 이는 그 안에서 만들어진 작품의 일반적인 예술적 수준에 영향을 미칠 수밖에 없습니다.

그럼에도 불구하고, 이 어려운 시기에도 러시아 아이콘 화가들은 세계 문화사에서 정당한 자리를 차지한 자신만의 회화 학교를 만들었습니다. 14세기 후반과 15세기 거의 전체 기간은 특별한 상승으로 특징지어집니다. 이 기간 동안 뛰어난 거장들로 이루어진 은하계 전체가 Rus'에서 일했으며, 그 중 가장 유명한 대표자는 1360년경 모스크바 공국에서 태어난 Andrei Rublev였습니다.

불멸의 『삼위일체』의 저자

1405년에 안드레이(그의 세속 이름은 알려지지 않음)라는 이름으로 수도원 서약을 한 주인은 모스크바 크렘린의 수태고지 대성당과 블라디미르의 가정 대성당 그림에 참여했습니다. Andrei Rublev는 아래에서 논의할 그리스인 Feofan과 Daniil Cherny라는 다른 두 명의 뛰어난 거장과 함께 이러한 대규모 작업을 수행했습니다.

주인의 작품은 러시아 아이콘 그림의 정점으로 간주되며, 주인 중 누구도 달성할 수 없습니다. 그의 가장 눈에 띄고 유명한 작품은 루블레프의 아이콘인 "삼위일체"이며 현재 모스크바의 트레티야코프 갤러리에 보관되어 있습니다.

창세기 18장(아브라함의 환대)에 설명된 에피소드를 바탕으로 한 구약의 줄거리를 사용하여 주인은 모든 전통성을 지닌 다른 모든 유사어보다 훨씬 뛰어난 구성을 만들었습니다. 그는 불필요한 내러티브 세부 사항이라고 생각하는 것을 거부하고 삼위 일체가 눈에 보이는 이미지 인 삼위 일체 하나님을 상징하는 세 명의 천사 인물에 시청자의 관심을 집중했습니다.

신성한 사랑을 상징하는 이미지

Rublev의 아이콘은 세 가지 신성한 hypostases의 통일성을 명확하게 보여줍니다. 이는 구성 솔루션이 천사의 형상으로 형성된 원을 기반으로 한다는 사실에 의해 달성됩니다. 개개인이 하나의 전체를 이루는 그러한 일치는 예수 그리스도께서 부르신 높은 사랑의 원형이 됩니다. 따라서 Rublev의 아이콘 인 "삼위 일체"는 모든 기독교의 영적 지향을 표현하는 일종의 표현이되었습니다.

안드레이 루블료프(Andrei Rublev)는 1428년 10월 17일 모스크바에서 발생한 화재의 희생자가 되어 사망했습니다. 그는 안드로니코프 수도원의 영토에 묻혔는데, 그곳에서 죽음으로 인해 Spassky 대성당의 그림 작업이 중단되었습니다. 1988년 러시아 정교회의 결정에 따라 수도사 안드레이(루블레프)가 성인으로 시성되었습니다.

위대한 스승의 멘토

러시아 성상화의 역사에서 안드레이 루블료프(Andrei Rublev) 옆에는 동시대의 다닐 체르니(Daniil Cherny)가 서 있습니다. 아이콘 또는 더 정확하게는 블라디미르의 가정 대성당을 그리는 동안 만든 프레스코 화는 예술적 특징이 너무 유사하여 전문가가 특정 저자를 확립하기 어려운 경우가 많습니다.

연구원들은 Rublev와 공동 주문을 수행할 때 Daniil이 더 오래되고 경험이 풍부한 마스터, 심지어 멘토 역할을 했다고 믿을 만한 여러 가지 이유가 있습니다. 이를 바탕으로 미술사 학자들은 14 세기 이전 아이콘 회화 학교의 영향이 가장 분명하게 보이는 작품을 그에게 귀속시키는 경향이 있습니다. 가장 눈에 띄는 예는 블라디미르 가정 대성당에 오늘날까지 살아남은 프레스코화 "아브라함의 가슴"입니다. 이 대성당의 그림 조각 중 하나의 사진이 기사의 이 섹션 앞에 나옵니다.

안드레이 루블료프(Andrei Rublev)와 마찬가지로 그도 1528년 역병으로 사망하여 안드로니코프 수도원(Andronikov Monastery) 옆에 묻혔습니다. 두 예술가 모두 많은 학생들을 남겼고, 그들이 만든 그림과 스케치는 미래 작품의 모델이 되었습니다.

비잔틴 출신의 러시아 화가

이 시기의 아이콘 그림 중 똑같이 눈에 띄는 예는 그리스인 테오파네스(Theophanes the Greek)의 작품입니다. 1340년 비잔티움(그의 별명이 유래한 곳)에서 태어난 그는 콘스탄티노플과 칼케돈의 유명한 대가들과 함께 공부하면서 예술의 비밀을 배웠습니다.

완전히 형성된 화가로서 Rus'에 도착하고 Novgorod에 정착한 Feofan은 변형 교회에서 우리 시대까지 살아남은 그림으로 그의 창의적인 여정의 새로운 단계를 시작했습니다. 또한 전능하신 구세주, 조상, 선지자 및 여러 성서적 장면을 묘사한 주인이 만든 프레스코화도 보존되어 있습니다.

높은 조화와 작곡의 완성도로 구별되는 그의 예술적 스타일은 동시대 사람들에게 인정을 받았으며 스승은 추종자를 얻었습니다. 이것은 다른 예술가들이 같은 기간에 그린 성모 마리아 가정과 표도르 스트라텔릿 교회의 그림에서 분명하게 입증되지만 비잔틴 거장 그림의 영향에 대한 명확한 흔적을 유지하고 있습니다.

그러나 그의 창의성은 모스크바에서 완전히 드러났고, 그는 니즈니노브고로드에서 한동안 살면서 일한 후 1390년에 그곳으로 이사했습니다. 수도에서 주인은 교회와 부유한 시민의 집을 그리는 것뿐만 아니라 아이콘과 책 그래픽을 만드는 일에도 참여했습니다.

그의 지도력하에 성모 마리아 탄생 교회, 미카엘 대천사 및 수태 고지를 포함하여 여러 크렘린 교회의 그림이 완성되었다는 것이 일반적으로 인정됩니다. 그의 저자는 "주님의 변모"(기사의 이 섹션에 있는 사진), "하나님의 어머니의 돈 아이콘", "The Dormition of the Dormition"과 같은 여러 유명한 아이콘을 만든 데 기인합니다. 하나님의 어머니". 스승은 1410년에 세상을 떠났습니다.

과거의 주인의 합당한 후계자

안드레이 루블료프(Andrei Rublev)와 그의 동시대 사람들이 정한 예술적 전통의 계승자는 아이콘 화가인 디오니시우스(Dionysius)였으며, 그의 아이콘은 요셉-볼로콜람스크 수도원의 축복받은 성모 마리아 가정 성당 교회와 프레스코화 및 성상화를 위해 만들어졌습니다. Ferapontov Monastery의 일원은 영원히 러시아 문화의 보고에 들어갔습니다.

대부분의 러시아 아이콘 화가와 달리 Dionysius는 수도사가 아닌 것으로 알려져 있습니다. 그는 그의 아들 Vladimir 및 Feodosius와 함께 대부분의 명령을 수행했습니다. 예술가 자신이나 그가 이끄는 예술 작품이 오늘날까지 많은 작품이 남아 있습니다. 그 중 가장 유명한 것은 "주님의 세례", "신의 어머니 Hodegetria"(다음 사진), "지옥으로의 하강"및 기타 여러 작품과 같은 아이콘입니다.

그의 생애는 정확히 정해져 있지 않으며 주인이 1444년경에 태어났고 사망일은 대략 1502-1508년이라는 것만 알려져 있습니다. 그러나 러시아뿐만 아니라 세계 문화에 대한 그의 공헌은 너무나 커서 유네스코의 결정에 따라 2002년을 디오니소스의 해로 선포했습니다.

17세기 러시아 성화 화가들. 사이먼 우샤코프

역사적 공간을 예술적 상승 또는 쇠퇴 기간으로 나누는 것은 매우 조건적입니다. 왜냐하면 중요한 작품의 등장으로 표시되지 않은 기간에도 미래 창작을 위한 전제 조건이 의심할 여지 없이 형성되기 때문입니다.

이는 16세기 러시아의 사회적, 정신적 삶의 특성이 어떻게 다음 세기에 새로운 예술적 형태의 미술을 탄생시키는 변화를 촉진했는지에 대한 예에서 분명히 볼 수 있습니다.

물론 17세기의 가장 눈에 띄고 독창적인 창의적인 인물은 수도의 성화 화가인 Simon Ushakov(1626-1686)였습니다. 일찍부터 장인정신의 비결을 배운 그는 22세에 무기고 은실(Silver Chamber of the Armoury Order)의 예술가로 고용되었으며, 그곳에서 교회 용품과 사치품 제조를 위한 스케치를 만드는 일을 맡았습니다.

또한 젊은 주인은 배너를 그리고 지도를 그리고 수공예품 장식품을 고안하는 등 훨씬 더 유사한 작업을 수행했습니다. 그는 또한 다양한 사원과 개인 주택의 이미지를 그려야 했습니다. 시간이 지남에 따라 그에게 명성과 명예를 가져다 준 것은 바로 이러한 창의성 영역이었습니다.

병기실 직원으로 옮겨진 후(1656), 그는 당대 가장 인정받는 예술가로 확고히 자리 잡았습니다. 모스크바의 다른 어떤 성화 화가도 그러한 명성을 얻지 못했고 왕실의 호의를 받은 사람도 없었습니다. 이를 통해 그는 명예롭고 만족스러운 삶을 살 수 있었습니다.

러시아 아이콘 화가들이 고대 모델에 따라서만 자신의 작품을 그려야 한다는 사실에도 불구하고 Ushakov는 자신의 작곡에 서양 회화의 개별 요소를 대담하게 사용했으며 그 예는 당시 러시아에서 점점 더 많이 나타나고 있었습니다. 원래의 러시아-비잔틴 전통을 기반으로 하면서 동시에 유럽 거장들의 업적을 창의적으로 재작업한 예술가는 소위 Fryazhsky 스타일이라는 새로운 스타일을 만들었으며 이는 나중에 아이콘 화가의 작업에서 더욱 발전되었습니다. 기간. 이 기사는 1685년에 거장이 Trinity-Sergius Lavra의 성모 승천 대성당을 위해 그린 그의 유명한 아이콘 "최후의 만찬"의 사진을 제공합니다.

프레스코화의 뛰어난 대가

17세기 후반은 또 다른 뛰어난 거장인 Gury Nikitin의 작품으로 표시되었습니다. 아마도 1620년대 초에 코스트로마에서 태어난 그는 어려서부터 그림을 공부했습니다. 그러나 초보 마스터는 모스크바에서 진지한 경험을 얻었으며 1653 년에 동료 동포의 작품과 함께 수도에 여러 교회를 그렸습니다.

그의 작품은 해마다 점점 더 완벽해졌고, 그는 주로 프레스코화의 대가로 알려지게 되었습니다. 모스크바, 야로슬라블, 코스트로마, 페레슬라블-잘레스키, 수즈달의 수도원과 개별 교회에서 만들어진 많은 그림이 오늘날까지 살아 남았습니다.

성서적 주제에 대해 주인이 그린 프레스코 화의 특징은 축제적인 색상 구성과 상징주의의 풍부함입니다. 이로 인해 예술가는 평생 동안 예술을 세속화, 즉 부패하기 쉬운 세계의 문제로 방향을 바꾼 것에 대해 종종 비난을 받았습니다. 또한 그의 창의적인 검색 결과는 마스터가 자신의 구성에 특별한 공간 효과를 만들 수 있는 특별한 예술적 기법이었습니다. 그것은 "Guriy Nikitin의 공식"이라는 이름으로 미술사에 들어갔습니다. 유명한 성화 화가는 1691년에 사망했습니다.

표도르 주보프의 작품

그리고 마지막으로, 또 다른 뛰어난 거장인 Feodor Zubov(1646-1689)의 이름을 언급하지 않는 것은 불가능합니다. 1650년대 초 스몰렌스크에서 태어나 아직 10대였던 그는 Veliky Ustyug로 이주하여 교회 중 한 곳을 위해 "손으로 만들지 않은 구세주" 아이콘을 그렸으며, 이는 즉시 성숙한 예술가로서의 명성을 얻었습니다.

시간이 지남에 따라 그의 명성은 러시아 전역에 널리 퍼져 예술가는 모스크바로 소환되어 무기고 회의소의 아이콘 화가 직원으로 등록되었으며 그곳에서 40년 이상 봉사했습니다. 수년 동안 그곳에 모인 주인을 이끌었던 Simon Ushakov가 사망 한 후 Feodor Zubov가 그의 자리를 차지했습니다. 스승님의 다른 작품 중에서 기사를 마무리하는 사진인 '사도직업' 아이콘이 특히 유명해졌습니다. Zubov의 아들 Ivan과 Alexey도 러시아 예술 발전에 가치있는 공헌을했으며 Peter the Great 시대에 최고의 러시아 조각가 중 한 명이되었습니다.

16~17세기 야로슬라블 성상화

야로슬라블의 도상학 16세기~17세기 초

야로슬라블 아이콘 그림의 전성기(1640-50)

17세기 후반 야로슬라블 성상화

사용된 문헌 목록

야로슬라블의 도상학 16~17세기 초

야로슬라블 성상화의 역사는 12세기로 거슬러 올라가지만 16세기와 17세기에 정점에 이르렀습니다. 이 시대는 지역 아이콘의 독창성과 문체 적 유사성이 분명해지면서 스타일이 가장 눈에 띄게 표현되는 시대가되었습니다. 또한 이 시대는 현존하는 예술 작품의 대부분을 차지하며, 종종 특정 건축 기념물과 관련된 단지를 형성한다는 점에 유의해야 합니다.

16세기에 야로슬라블은 모스크바 공국에 편입되었고 곧 러시아 국가의 주요 경제, 정치 중심지가 되었으며 그 결과 도시의 문화 생활이 부활했습니다. 서유럽과 근동 및 중동 국가 간의 무역로 교차점에 위치한 야로슬라블은 국내 및 해외 모두에서 상품을 유통할 수 있는 충분한 기회를 제공하여 상인과 장인을 끌어 모았습니다. 따라서 상인, 장인 등 마을 사람들의 수가 복지와 마찬가지로 빠르게 증가했습니다.

야로슬라블 예술의 모든 연구자들은 16세기와 17세기에 지역 아이콘 그림 학교의 형성에 있어서 야로슬라블 정착지와 그 취향의 큰 역할에 주목합니다. 이는 16 세기 중반부터 거의 모든 교회가 마을 사람들을 희생하여 지어졌고 어떤 아이콘 화가와 계약을 맺을 것인지 결정했기 때문입니다. 고객은 또한 아이콘의 주제와 이미지에 대한 최종 결정권을 가졌습니다. Yaroslavl 고객-상인은 Ustyug, Novgorod, Moscow, Kostroma 등 전국 여러 지역의 최고의 예술가들을 교회 건축 및 장식에 끌어 들였습니다. 그중에는 F. Zubova, Guria Nikitina, S. Spiridonova가 있습니다. 이때 야로슬라블에서는 고도로 전문적인 예술 환경이 형성되었습니다. 따라서 사람들의 세계관에 더 가까운 특별하고 민주적이며 세속적 인 예술의 출현을위한 전제 조건이 만들어졌습니다.

위에서 언급했듯이 야로슬라블의 문화 생활의 부흥은 모스크바 합병과 함께 시작되었습니다. 그런 다음 도시의 상당 부분을 파괴한 화재 이후 대규모 건설이 시작되었습니다. 지역 장인을 돕기 위해 예술가와 석공이 수도에서 파견됩니다. Spassky 수도원의 가정 대성당과 변모 교회가 함께 복원되고 있습니다. 이 공동 작업을 통해 지역 거장들은 훨씬 더 높은 수도의 아이콘 그림 예술에 익숙해질 수 있었습니다.

1516년에 새 대성당을 짓기 위한 Spassky Monastery에서 모스크바와 현지 예술가들은 Deesis 명령의 30개 아이콘, 사원 이미지 및 "지역" 시리즈의 3개 아이콘이 오늘날까지 살아남은 대규모 아이콘스타시스를 만들었습니다. 16세기 초반의 모든 아이콘은 15세기 후반과 16세기 초반의 모스크바 스타일을 지향하는 작품으로서 하나의 스타일 그룹으로 결합될 수 있습니다.

Dionysius의 작품을 따르는 모스크바 예술가들은 가장 높은 요구 사항을 충족하는 이미지를 만들었습니다. 그들의 작품은 그림 스타일의 부드러움과 그림 선의 정교함, 약간 길쭉한 그림의 비율의 충실도 및 구성의 조화 측면에서 야로슬라블 "등소 작가"의 작품과 유리하게 비교됩니다. 이러한 아이콘의 색상은 둔한 녹색과 분홍색 톤, 흰색, 차가운 진사 및 검정색 반점의 조합을 기반으로 합니다. 배경이 밝아서 인물의 어두운 실루엣을 쉽게 읽을 수 있습니다. 얼굴은 매우 단조롭고 작고 끌로 깎인 특징이 있습니다. 모스크바 마스터 중 한 사람의 브러시는 Deesis 명령의 중심 구성 아이콘 인 "권력의 구세주", "신의 어머니", "세례 요한"및 "대천사 미카엘"의 이미지에 속합니다. ", "대천사 가브리엘", "조지", "테살로니키의 드미트리". 모든 고전적 이미지와 마찬가지로 이 이미지도 시청자와 어느 정도 분리되는 것이 특징입니다.

이러한 문체적 방향은 16세기 말까지 추적될 수 있습니다. 예를 들어, 그 메아리는 16세기 중반의 아이콘인 "The Annunciation", "John the Baptist - Angel of the Desert", "The Crucifixion" 및 야로슬라블 미술관의 기타 아이콘에서 들을 수 있습니다. 이 기념물에서 우리는 명확하고 간결한 구성, 밝은 색상의 배경 및 더 어두운 인물을 볼 수 있습니다. 건축 형태는 단순하고 조화롭습니다.

16세기 초 야로슬라블 거장들의 작품은 스타일 면에서 대도시 예술가들의 아이콘과 유사하지만 어둡고 흐릿한 색상, 특히 고풍스러운 형태에 대한 매력과 강조된 얼굴의 개별화로 구별됩니다. Maslenitsin이 그의 연구에서 언급했듯이 마스터는 항상 그림 그리기에 대처하는 것은 아니지만 항상 이미지를 재미 있고 이해하기 쉽게 만들기 위해 노력합니다. 이것은 "사도 바울"과 "사도 베드로"와 같은 아이콘에 해당됩니다. 변모 대성당의 동일한 성상에서 나온 "Our Lady Hodegetria"(1516)의 장엄한 이미지는 표정의 특징과 특성에서 사도들의 이미지와 많은 공통점을 가지고 있습니다. 일반적으로 현지 예술가가 만든 아이콘은 코, 눈썹, 눈구멍 및 입술 디자인에 독특한 특징이 있습니다. 따라서 16세기 초 야로슬라블 아이콘 화가들 사이에서 얼굴을 묘사하는 특정 표준이 형성되었습니다.

1501년에는 야로슬라블 왕자이자 기적의 일꾼인 스몰렌스크의 표도르와 그의 아들 다비드와 콘스탄틴의 이미지를 담은 정경이 개발되었습니다. 1563년에 작성된 것으로 추정되는 두 개의 하기그래픽 이미지는 스파스키 수도원의 존재와 관련이 있습니다. 그의 책에서 Maslenitsin은 17세기 야로슬라블 회화 학교의 발전을 위해 이러한 아이콘이 매우 중요하다고 지적합니다. 왜냐하면 지역 회화 학교에 대한 추가 검색의 전체 프로그램이 아이콘의 주제 자체에 집중되어 있는 것처럼 보이기 때문입니다. 구성 구조, 일상적인 세부 사항으로 우표 장면이 포화 상태입니다. 이 이미지에는 패턴이있는 풍부한 옷 자르기, 장식용 리본으로 중앙 경계, 우표의 이미지 조각화, 많은 양의 이미지와 같이 나중에 Yaroslavl 아이콘 그림 학교의 특징이 될 세부 사항이 나타납니다. 문학적 텍스트를 자세히 보여주는 우표. 기술 수준과 기타 특성을 기준으로 볼 때 이러한 아이콘은 첫 번째 스타일 방향에 속하지만 이미 일반 사람들이 이미지를 재미 있고 이해할 수 있도록 만드는 데 특별한 관심을 보이고 있습니다.

16세기 중반부터 문체적 방향이 발전해 왔는데, 그 방향에서는 회화적 기량의 뚜렷한 쇠퇴가 눈에 띈다. 색상이 어두워지고 칙칙해지며 한 레이어에 적용됩니다. 인물의 이미지는 옷의 접힘으로 인해 분할됩니다. 건축물이 더욱 복잡해지면서 실루엣은 더 이상 동일한 역할을 하지 않고 더욱 복잡해집니다. 그림은 매우 어색하지만 표현력이 매우 뛰어납니다. 아이콘 페인팅의 고전적인 예의 특징인 이미지에는 분리가 없습니다. 오히려 모든 이미지는 관객에게 적극적으로 다가간다. 이러한 아이콘은 자발성과 플롯의 특이한 구현으로 강한 인상을 남깁니다.

지역 거장들이 제작한 16세기 후반의 아이콘에서는 주제에 대한 보다 자유로운 해석에 대한 욕구가 눈에 띄고 구성은 장르적 특성을 얻습니다. 많은 "hagiographic" 작품이 있는데, 그 특징은 일상적인 세부 사항으로 가득 차 있습니다.

"예언자 스가랴와 다니엘", "예언자 엘리야와 엘리사"(모두 16세기 마지막 3분의 1)와 같은 한 쌍의 선지자 이미지가 있는 아이콘에는 작은 머리와 표현력이 풍부한 얼굴, 단호하게 개별적인 특징과 활력이 있는 넓은 어깨의 인물이 있습니다. 보드의 작은 크기에도 불구하고 움직임은 매우 인상적인 광경을 만들어냅니다. 이러한 이미지는 공개적으로 시청자의 관심을 끌며 감정적인 반응을 불러일으킵니다. 이러한 아이콘의 출현은 16세기 후반에 공예 환경의 비전문 예술가인 포사드 마스터가 예술에 등장한 것과 관련이 있습니다. 이는 아이콘 보드 처리에 대한 전문적인 기술이 부족하고 사용된 페인트의 구성과 품질에서 두드러집니다.

16세기 말까지 야로슬라블은 성상화의 가장 큰 중심지가 되었습니다. 개입주의자들이 파괴된 후 야로슬라블 아이콘 화가들은 도시를 재건하는 교회에 아이콘을 제공했을 뿐만 아니라 다른 센터에서도 대량 주문을 수행했습니다.

16세기와 17세기 초의 성상은 16세기 후반의 기념물과 거의 다르지 않습니다. 17세기 초 야로슬라블 성상화에는 큰 변화가 없었습니다. 개발 대신 1620~30년대의 기념물에서는 많은 고풍스러운 특징이 눈에 띕니다. 인물의 모습은 비례성을 잃고, 슬라이드는 구성성을 잃고, 구성은 조화와 명확성을 잃습니다. 16세기 후반의 침체와 예술 형식의 복귀는 이 시대의 일부 아이콘에 있는 이미지의 냉담한 학문적 성격을 결정했습니다. 이러한 고풍스러운 경향은 세기 초의 사회 정치적 격변에 대한 반응으로 러시아 국가 생활의 상대적 안정기에 나타났습니다.

야로슬라블 아이콘 그림의 전성기(1640~50년대)

야로슬라블 성상화 학교가 가장 번성했던 시기는 17세기 중반이었습니다. 이 기간 동안 광범위한 교회 건축으로 인해 야로슬라블의 아이콘 화가의 작품은 가장 수익성이 높고 명예로운 작품 중 하나가 되었습니다. 지역 아이콘 화가들이 전국적으로 널리 알려지고 있습니다. 야로슬라블 성화의 문체적 특징이 가장 완전하고 생생하게 표현된 것은 1640~50년대였습니다.

17세기 중반 10년 동안 건축된 도시 교회의 세 세트의 작품은 이 시기 야로슬라블 성화의 진화 방향을 결정합니다. 이들은 그리스도 탄생 교회, 선지자 엘리야, 코로브니키에 있는 성 요한 크리소스톰의 아이콘입니다.

야로슬라블의 문화 생활의 활성화는 1640년대에 시작되었으며, 도시에 최초의 석조 교회가 나타났습니다. 1644년에 볼가 강에 그리스도 탄생 교회가 세워졌습니다. 본당의 성상화 윗줄의 아이콘은 오늘날까지 살아 남았습니다. 이러한 성탄절 성상에는 16세기 후반에 나타난 민주화 양식의 모든 특징이 세련미와 완성도를 획득하였다.

16세기 후반의 포사드 거장들처럼 그리스도 탄생 교회 아이콘의 저자들도 시청자와 놀라운 감정적 접촉을 이루었습니다. 아이콘 화가들은 이미지 속의 모든 성도들을 친밀하고 공감하는 사람들로 묘사하고 그들에게 민속적 특징을 부여했습니다. 그들의 얼굴과 모습은 매우 개별화되어 있습니다. 성인의 옷은 종종 촘촘하게 짜여진 평면 패턴으로 장식됩니다. 아이콘의 표시는 미묘한 리듬과 의미적 악센트를 사용하여 세부적인 내용으로 가득 찬 자세한 이야기를 전달합니다. 안정적인 로컬 팔레트와 결합된 이러한 기능은 야로슬라블 아이콘에 독특한 독창성을 부여합니다.

이 아이콘의 색상 팔레트는 16세기 후반과 17세기 초의 야로슬라블 작문에서 일반적입니다. 이는 황토색, 짙은 갈색 및 붉은 오렌지색, 짙은 녹색 및 노란색과 같이 어둡고 흙빛 톤에 가까운 색상입니다. 건축 배경은 밝은 색상으로 칠해져 있습니다. 탄생 교회의 아이콘에서는 전통에 대한 충실성과 향상된 수준의 회화 기술이 결합됩니다.

17세기 야로슬라블 성상화의 가장 중요한 기념물은 1650년에 제작된 선지자 엘리야 교회의 성상 앙상블입니다. 대부분의 아이콘은 Armoury Chamber 학교를 거쳐 현지 장인이 제작했습니다.

대성당의 원래 장식에 남아 있는 것은 성상화의 축제, 예언 및 조상 계급뿐입니다. 이러한 아이콘 중에서 연구자들은 쓰기 방식이 다른 세 그룹을 구별합니다. 예술가 중 한 명은 복잡한 공간 비전으로 구별되고, 다른 한 명은 장식적 재능으로, 세 번째는 색상 조합과 디자인의 특별한 부드러움으로 구별됩니다.

모든 아이콘을 하나로 묶는 것은 세계에 대한 강력하게 표현된 국가적 인식으로 남아 있습니다. 여기에는 묘사된 사건을 실시간으로 전송하여 축제 분위기를 조성하려는 거장들의 생생한 엔터테인먼트와 열정이 반영되어 있습니다. 작품의 색감도 흥겨운 분위기를 뒷받침한다. 능숙하게 병치된 색상은 번쩍였다가 사라집니다. 성탄 교회의 아이콘과 비교하면 야로슬라블 아이콘의 전형적인 황금빛 꿀 색 구성표가 더 밝아집니다. 구성은 색상과 규모의 관계가 만들어내는 강렬한 드라마로 가득 차 있습니다. 거장의 글에는 고전적인 정확성이 나타났습니다.

선지자 엘리야 교회의 아이콘은 당시 러시아 예술의 가장 높은 성취로 간주되며 나중에 야로슬라블 마스터의 일종의 표준이되었습니다.

선지자 엘리야 교회의 이미지에 초점을 맞춘 것은 코로브니키(1652-1654)에 있는 성 요한 크리소스톰 교회의 아이콘에서 눈에 띕니다. 원래의 상징성, 조상의 의식, 여러 휴일 및 사도의 이미지가 보존되었습니다. 이 사원의 아이콘은 색상 조합의 정교함과 복잡성, 성도의 옷에 장식된 미묘한 발전으로 구별됩니다.

17세기 중반 야로슬라블 대가들의 그림 스타일은 여러 요인의 영향을 받았습니다. 우선, 이것은 무기고 챔버의 최고의 마스터의지도하에 모스크바 가정 대성당의 아이콘 화가 중 거의 절반의 작품입니다. 또한 야로슬라블 아이콘은 당시 큰 인기를 끌었던 스트로노프 예술의 영향을 보여줍니다. 섬세한 글씨체, 그래픽적인 윤곽, 다채로운 색상의 정교함을 갖춘 17세기 중반의 아이콘은 스트로노프 학파의 등소학자들의 정교한 작품을 매우 연상시킵니다. 아이콘에서는 새로운 주제 사용, 금과 은의 사용 확대, 장식품의 정교함과 같은 혁신이 관찰됩니다.

17세기 야로슬라블 예술가들이 가장 좋아하는 것은 지역 역사의 사건에 헌정된 아이콘과 성인식 아이콘이었습니다. 다양한 특징으로 일관되고 상세한 스토리를 선보였습니다. 이러한 역사적 구성 중 하나는 가정 대성당의 첫 번째 왕조 바실리와 콘스탄틴의 왕자인 "야로슬라블 기적의 일꾼"을 묘사하는 아이콘입니다. 아이콘의 특징은 13세기 전반 야로슬라블의 삶에서 일어난 사건을 보여줍니다.

그러나 야로슬라블의 아이콘 화가들은 과거의 문제에만 관심을 두지 않았습니다. 1655년에 아이콘 "톨가의 성모"가 그려졌는데, 그 우표에는 역사적 순간과 함께 예술가에게 동시대의 사건들, 즉 역병으로부터의 구원에 관한 기적의 아이콘 행렬에 관한 이야기가 제시되어 있습니다. 1642.

"전설이 있는 톨가의 성모" 아이콘은 황금색 배경에 신의 어머니와 아이를 묘사한 엄숙하고 기념비적인 센터와 문서화된 정확한 세부 사항으로 가득 찬 우표에 담긴 장황하고 놀랍도록 평범한 이야기의 결합으로 주목할 만합니다.

진실성에 대한 요구는 일반적으로 예술의 세속화와 관련된 17세기 후반과 관련이 있었습니다. 아이콘에서 이는 구성의 다양성, 다양성, 수많은 실제 세부 묘사 및 직접적인 원근법 요소의 출현에 영향을 미쳤습니다. 다큐멘터리의 질과 건축적 배경에 대한 인식은 관객에게 무슨 일이 일어나고 있는지 진실을 알려주는 것 같습니다.

건축 기념물을 사실적으로 묘사한 17세기 중반의 가장 흥미로운 아이콘 중 하나는 야로슬라블 미술관 컬렉션의 "생명을 지닌 Radonezh의 Sergius"입니다. 언덕이 많은 풍경을 배경으로 아이콘 중앙에는 S. Azaryin이 1646 년에 쓴 "Radonezh의 Sergius의 삶"의 장면으로 둘러싸인 성자가 묘사되어 있습니다. Hagiographic 구성을 만들기 위해 이 소스를 사용하는 것은 러시아 예술에서 특이한 현상입니다. 이러한 구성은 "Trinity-Sergius 수도원에서기도하기 위해 Sophia Paleologus의 도착", "Opochka시 포위 공격", "카잔 함락", "폴란드에 의한 Trinity-Sergius 수도원 및 모스크바 포위 공격"입니다. " -세르지오를 러시아 국가의 후원자 인 정치적 인물로 찬양합니다. 아이콘 중앙의 장면은 세르지오(Sergius)의 모습을 중심으로 자유롭게 배열되어 있으며 일부 연구자들은 이러한 구성의 불일치를 나중에 쓴 흔적으로 간주합니다. 17세기 80년대에는 "마마예프 학살 이야기"의 줄거리에 여러 그림으로 구성된 대형 보드가 세르지오의 아이콘에 추가되었습니다.

성인들의 삶과 복음서를 바탕으로 한 일반적인 주제와 함께 17세기 중반의 야로슬라블 아이콘 화가들은 엄숙한 성가의 복잡한 주제가 구현된 이미지에 많은 우화적 구성을 만들었습니다. 이러한 주제는 현실의 요소가 환상과 복잡하게 얽혀 있는 다양한 장면이 풍부한 다채로움과 새로운 구성 솔루션을 만드는 능력으로 그들을 매료시켰습니다.

17세기 중반의 거장들은 대중적인 세계관에 맞춰 높은 전문적 기술과 뛰어난 예술적 감각을 소유했습니다. 수많은 영향과 유행을 흡수하는 이러한 민주적 방향은 17세기 말까지 야로슬라블 예술이 발전한 원래의 기반으로 남아 있었습니다.

17세기 후반 야로슬라블 성상화

17세기 후반은 야로슬라블에서 장대하게 건설된 시기였습니다. 이는 주로 1658년 대화재로 인해 석조 건축이 더욱 활발해졌기 때문입니다. 1660년 이래로 부유한 상인들의 자금을 사용하여 40개 이상의 교회가 복원 및 재건되었습니다. 그 세기의 모스크바조차도 그러한 규모의 건설을 알지 못했습니다.

석조교회의 증가로 인해 프레스코화는 17세기 후반 미술의 선도적 방향이 되었다. 따라서 현재의 도상학은 이를 지향하고 있습니다. 기념비적인 그림은 프레스코 기법의 특수한 특성으로 인해 매우 보수적이어서 다른 유형의 예술을 규율하고 문체적 통일성을 잃지 않는 것처럼 보였습니다. 이것은 새로운 대도시의 영향에 굴복하지 않고 아이콘 그림이 오랫동안 독창성을 유지할 수 있었던 상황 중 하나입니다.

17세기 후반, 더 정확하게는 70년대 야로슬라블 아이콘 그림의 일반적인 경향은 아이콘 팔레트가 밝아지고 "냉각"되는 것이었습니다. 아마도 기념비적인 그림의 영향으로 은녹색, 차가운 분홍색, 흰색 톤이 많이 나타나고 특히 옷 그림에는 잎과 녹은 금이 많이 사용됩니다. 색상은 우아함과 에나멜 밀도를 얻습니다. 아이콘 페인팅에서는 장식적 원리가 승리하기 시작합니다. 슬라이드는 건설성을 잃고 옷은 무성해지며 구성은 환상적으로 무성한 건축물이나 슬라이드로 둘러싸인 수많은 장면으로 과부하됩니다. 종종 구성은 특정 거리에서 볼 때 아이콘의 의미를 심화시키는 일종의 은유가 생성되는 방식으로 구성됩니다. 예를 들어 십자가 또는 희생 컵. 인물들은 다양한 회전과 몸짓으로 묘사되어 있으며, 움직이고 다양합니다.

아이콘의 엄숙한 의식 분위기, 축제 성격, 장식 요소 강화, 은유 경향은 17세기 70~80년대 많은 작품의 특징입니다.

1660년대 후반부터 야로슬라블 주민들은 예술에 대한 방향을 근본적으로 바꾸었습니다. 이전에 그들의 예가 수도의 거장들의 그림이었다면, 17세기 마지막 3분의 1에는 Kholmogoro-Ustyug 지역의 거장들의 예술에 초점을 맞추는 것이 주요 추세가 되었습니다.

이는 Kholmogoro-Ustyug 지역의 거장인 Fyodor Evtikhiev Zubov 및 Semyon Spiridonov Kholmogorets의 다양한 중요한 작품을 공연하도록 초대하는 17세기 후반 야로슬라블 예술의 주요 행사와 관련이 있습니다. 두 작가의 작품은 개인차가 있음에도 불구하고 스타일적으로 서로 연관되어 있다. 두 예술가는 적록 팔레트에 대한 열정, 금과 은을 유기적으로 도입하는 능력, 미니어처 기술에 대한 숙달, 풍부한 장식에 대한 사랑, 풍경 배경을 만드는 기술 및 전통 구성에 대한 충실도로 함께 모였습니다. 야로슬라블에서 이들 예술가들의 엄청난 인기는 전통적인 표현 형식과 최고의 전문성에 대한 헌신으로 설명됩니다.

이 거장들 중 가장 뛰어난 사람은 F. Zubov였으며, 그의 작품은 1659-1661년에 선지자 엘리야 교회를 위해 창작되었으며 17세기 러시아 예술의 최고의 기념물 중 하나입니다. 문체 적 유사성을 바탕으로이 성전의 여섯 가지가 그에게 귀속됩니다. 이는 본당의 아이콘 성상 지역 행의 다섯 가지 아이콘입니다. "사막의 선지자 엘리야", "세례 요한 - 사막의 천사" , "승천", "보호", "수태 고지"- 그리고 같은 사원의 Pokrovsky 예배당 지역 행에서 "표시의 아이콘 앞에 서있는 선택된 성도들"도 있습니다. F. Zubov의 그림은 색조 관계의 정교함, 공간 구성의 독창성 측면에서 야로슬라블 거장의 예술과 다르며, 그의 작품은 항상 복잡하고 다층적이며 넓은 범위를 갖습니다.

표도르 주보프(Fyodor Zubov)는 전통적인 성상화 기법과 새로운 '실물 같은' 글쓰기 기법에 모두 능숙한 예술가로 등장합니다. F. Zubov는 한 예술적 언어에서 다른 예술적 언어로 이동할 때 약간의 어려움을 겪지 않고 이러한 방법의 균형을 잘 맞췄습니다. 그는 성인의 얼굴과 손을 섬세한 신체색으로 칠하며, 심지어 묘사된 것의 양감과 물질성을 달성하기도 합니다. 이와 함께 옷, 천사의 날개 등 모든 것. – 전통적으로 평평합니다. 인물 묘사에서는 활력 넘치는 몸짓과 머리 회전이 신체의 부동성 및 강성과 결합됩니다. 그의 최고의 작품에서 F. Zubov는 놀라운 색상과 구성의 조화를 이루었습니다.

F. Zubov의 아이콘은 지역 예술가들에 의해 여러 번 반복되고 복사되었습니다. 본질적으로 17세기 후반에 건축되거나 장식된 모든 야로슬라블 교회에는 모델을 따라 그려진 아이콘이 있었습니다. 그 결과 야로슬라블 성화 그림에서는 풍경 속 미니어처 장면으로 둘러싸인 거대한 성인의 모습을 담은 도상학이 인기를 끌게 되었습니다.

야로슬라블 아이콘 화가의 예술에 영향을 준 두 번째 예술가인 Semyon Spiridonov는 1670~80년대에 야로슬라블에서 작업했습니다. 작가의 현존 작품 대부분은 거장 기술을 사용하여 만든 수많은 표시가 있는 하기그래픽 아이콘입니다. 중앙에 의식적이고 엄숙한 이미지가 있는 하기그래픽 아이콘의 형태를 엄격하고 현학적으로 준수하는 것은 야로슬라블 고객의 관심을 끌었습니다. S. Spiridonov의 작품이 민속 세계관에 가깝고 그의 시학과 러시아 의식시의 시학과의 유사성도 야로슬라블에서 그의 인기에 기여했습니다.

작가가 야로슬라블에 머무는 동안 만든 작품 중에는 1675년 "생명을 가진 위대한 바실리", 1675년 "생명을 가진 선지자 엘리야", 1686년 "생명을 가진 자라이스키의 니콜라스" 등 시그니처 아이콘이 알려져 있습니다. 왕좌에 앉은 성모와 아이' ca. . 1680, 1680년대의 "아카카티스트의 40개 표식에 있는 왕좌에 계신 하나님의 어머니", 1680년대의 "행위와 수난 장면을 갖춘 전능하신 구세주".

모든 Kholmogorets 아이콘은 매우 우아하고 재미있다는 점을 알 수 있습니다. 특징에서는 패턴이 있는 막대와 칠해진 벽이 있는 기이한 궁전을 배경으로 멋지고 멋진 풍경으로 둘러싸인 이벤트가 펼쳐집니다. 허구의 것들과 함께 S. Spiridonov는 그의 작품에 현대성에서 태어난 많은 주제를 소개합니다. 항해 상선, 교육 장면, 왕 앞에 나타나는 장면.

일부 연구자들에 따르면 Kholmogorets의 아이콘은 영적 표현력이 부족하여 거장 기술의 한계를 뛰어 넘지 못했습니다. 이미지는 마치 사원을 장식하는 것처럼 만들어졌으며 시대의 정신, 즉 무성하고 풍부한 장식을 원하는 야로슬라블 주민들의 열망에 경의를 표합니다. 그럼에도 불구하고 또는 아마도 이로 인해 Yaroslavl 마스터는 S. Spiridonov의 스타일을 신속하게 재작업하고 동화했습니다. 이 스타일의 메아리는 주현절 교회의 엄숙하고 우아한 성상 앙상블에서 들을 수 있습니다.

Yaroslavl 마스터는 일반적으로 새롭고 특이한 모든 것에 관심이 있었지만 동시에 자신이 좋아하는 이미지를 복사하지 않고 원래 스타일의 틀 내에 남아 전통적인 글쓰기를 풍부하게 만들었습니다. 따라서 17세기 후반에 야로슬라블 주민들은 서유럽 조각의 재료를 널리 그리고 기꺼이 사용하여 알아볼 수 없을 정도로 가공하고 대담하게 새로운 생명을 불어넣었습니다.

17세기 80년대부터 야로슬라블의 성화 화가들은 러시아 최고의 화가 중 한 명으로 인정받았습니다. 장인들의 아르텔은 다른 도시의 상인들의 주문을 받아 열심히 일했습니다. 그리고 그들의 고국에서는 17세기 말 야로슬라블에서 새로운 석조 교회 건설과 함께 오래된 교회의 장식과 재건축이 진행되고 있었기 때문에 일이 부족하지 않다는 것을 알았습니다.

17세기 마지막 수십 년 동안의 야로슬라블 아이콘 그림에는 광범위한 실존적 주기와 하기오그래픽 주기를 지닌 작품이 배포되었습니다. 그들은 예술가들이 가능한 한 정확하게 회화 언어로 번역하려고 노력하는 방대한 문학 작품을 기반으로합니다. 이를 위해 그들은 수많은 측면 장면으로 주요 구성을 복잡하게 만들고, 표시 수를 늘리고, 장면에 다소 긴 비문을 동반합니다. 이러한 아이콘의 설명은 이미지의 무결성을 파괴하고 줄거리의 주요 내용을 혼란스럽게 하며 궁극적으로 아이콘의 의미를 이해할 수 없게 됩니다. 이 모든 것은 그 능력이 당시의 요구를 충족시키지 못한 중세 예술의 위기의 신호입니다.

이 기간의 야로슬라블 아이콘 그림의 가장 눈에 띄는 예는 Vlasyevsky 교구의 삼위일체 교회 아이콘인 "인생의 Radonezh의 Sergius" 아이콘에 있는 "Mamayev 학살의 전설"과 많은 표시가 있는 세 개의 프레임으로 제공됩니다. Fedorov의 신의 어머니이자 Iveron의 신의 어머니 인 St. Blasius의 이미지에서. 그들은 17세기 후반 지역 예술의 모든 특징, 즉 문학적 텍스트로 그림 언어의 적절성을 달성하는 예술가의 뛰어난 능력, 역사적 주제를 포함한 새로운 주제에 대한 자유로운 관심, 정보 콘텐츠 증가에 대한 열망을 집중시켰습니다. 이 모든 것이 동시에 뛰어난 기술과 장인정신과 결합됩니다.

사용된 문헌 목록

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사물의 흐름에 조금 들어가 보겠습니다. 기독교가 유럽에 널리 퍼졌다는 사실에도 불구하고 글쓰기의 미묘한 영성과 특별한 독창성의 의미에서 중요한 차이를 가진 것은 러시아 아이콘 그림 학교였습니다. 오늘날 현대인들은 과거의 종교적 전통과 거리가 먼 경우가 많습니다. 그러나 최근에는 러시아의 모든 오두막이나 집에는 항상 신성한 이미지가 걸려 있고 축복을 위해 전달되거나 선물로받는 빨간 모서리가있었습니다.

당시에는 이것들이 값싼 아이콘이었습니다. 따라서 시간이 지남에 따라 이미 검게 변한 오래된 아이콘은 일반적으로 일부 수도원 아이콘 상점에 제공되었으며 그 대가로 적은 금액을 지불하고 새 아이콘을 받았습니다. 결국, 17세기까지는 아이콘 판매가 존재하지 않았습니다.

귀중한 이미지

가장 흥미로운 점은 13세기 중반(몽골 시대 이전)의 성상이 오늘날 사실상 귀중하며 그 수가 수십 개에 불과하다는 점입니다. 루블레프(Rulevlev)와 디오니시우스(Dionysius)의 성상화 학교에 속한 15세기와 16세기의 성화들도 소량으로 우리에게 전해졌습니다. 그리고 그것들은 박물관에서만 볼 수 있고, 운이 좋다면 희귀한 개인 소장품에서도 볼 수 있습니다.

17세기 성상에 관심이 있는 분들은 이전에는 성상에 거장의 서명이 없었다는 점을 참고하시기 바랍니다. 그러나 이미 금세기 후반에 국고는 스스로를 보충하기 위해 "보고 마즈"제품에 대한 세금을 도입했습니다. 그들은 자신들이 만든 각 아이콘에 강제로 서명을 했고, 그 아이콘은 회계 기록부에 입력되었습니다. 거의 모든 고대 정교회 아이콘에는 고유한 놀라운 이야기가 있습니다. 실제 아이콘은 엄격한 수도원 전통을 위반해서는 안됩니다.

17 세기 초, Great Troubles가 끝난 후 첫 번째 왕 (Rurik 왕조 이후) 인 Mikhail Fedorovich Romanov가 즉위했습니다. 현재 저명한 대표자 Procopius Chirin과 함께 Stroganov 아이콘 그림 학교가 Tsar를 위해 일하고있었습니다. 스트로가노프 학교는 16세기 말에 등장했으며 부유한 상인이자 예술 후원자인 스트로가노프 가문의 이름을 따서 명명되었습니다. 당시 최고의 주인은 왕실 작업장에서 일했던 모스크바 아이콘 화가였습니다.

Stroganov 학교는 처음으로 풍경의 아름다움과 시를 발견했습니다. 초원과 언덕, 동물과 숲, 허브와 꽃이 있는 파노라마가 많은 아이콘에 나타났습니다.

문제의 시간 동안 Stroganov 학교는 아이콘에 색상을 부여하지 않았으며 동시에 아이콘에 게으름이 없었지만 색상 구성표의 특징적인 우울함이있었습니다. 다른 국가와의 연결 발전은 아이콘 그림에 즉시 반영되어 점차 세속적 성격을 획득하고 대포가 손실되고 이미지의 주제가 확장되었습니다.

경험교류

1620년부터 성상 회의소는 고난의 시기에 손상된 교회의 영광을 회복하기 위한 법령(1638년까지 시행)을 만들었습니다.

1642년부터 크렘린에 있는 가정 대성당의 거의 잃어버린 그림을 복원해야 했습니다. 이 프로젝트에는 러시아 여러 도시에서 온 150명의 최고의 장인이 참여했습니다. 그들은 Ivan Paisein, Sidor Pospeev 및 기타 왕실 "등소 작가"가 이끌었습니다. 이러한 공동 작업은 경험 교환을 자극하고 거의 잃어버린 예술 노동 기술을 보충했습니다. 소위 "가정 대성당 학교"에서는 야로슬라블 거주자 Sevastyan Dmitriev, Stepan Ryazanets, Yakov Kazanets, 코스트로마 거주자 Joakim Ageev 및 Vasily Ilyin과 같은 17세기의 유명한 예술가들이 나왔습니다. 나중에 그들은 모두 국가 예술 예술의 중심지가 된 무기고의 지도력을 받게 됐다는 역사가들의 의견이 있습니다.

혁신

이는 "무기고 스타일"과 같은 예술적 운동의 확산으로 이어집니다. 공간의 볼륨과 깊이를 표현하려는 욕구, 건축 및 풍경 배경의 렌더링, 가구 및 의복의 세부 묘사가 특징입니다.

17세기 고대 아이콘에서는 녹청색 배경이 널리 사용되었는데, 이는 상단의 밝은 부분부터 어두운 부분, 바닥까지의 대기 환경을 매우 성공적으로 전달했습니다.

배색에서는 다양한 색조와 채도를 지닌 빨간색이 메인 컬러가 되었습니다. 밝기와 순도를 위해 왕실 주인의 아이콘에는 값 비싼 수입 페인트 (백단향, 코치 닐 및 마호가니를 기반으로 한 반투명 바니시 페인트)가 사용되었습니다.

아이콘 페인팅의 거장

서유럽 예술에서 온갖 종류의 차용에도 불구하고 17세기 후반의 모스크바 성상화는 여전히 전통적인 성상화의 틀에 남아 있었습니다. 금과 은은 신성한 빛의 기능을 수행했습니다.

눈에 띄는 스타일의 공통성에도 불구하고 무기고 회의소의 아이콘 화가들은 두 개의 진영으로 나뉘었습니다. 일부는 기념비성을 선호하고 이미지의 중요성을 높였습니다(Georgy Zinoviev, Simon Ushakov, Tikhon Filatyev). 반면 다른 일부는 미니어처를 사용한 "Stroganov" 방향을 고수했습니다. , 많은 세부 사항을 갖춘 미학적 글쓰기 (Sergey Rozhkov, Nikita Pavlovets, Semyon Spiridonov Kholmogorets).

17세기 성상화의 회화 체계 변화는 중세 부족 사회 기반의 붕괴와 관련이 있을 가능성이 가장 높습니다. 개인 원칙의 우선 순위가 있었고, 이로 인해 그들은 예수 그리스도, 가장 거룩한 테오토코스 및 성도들에게서 개인의 특성을 찾기 시작했습니다. 이 소망은 거룩한 얼굴을 가능한 한 “생생한” 것으로 만들고자 하는 소망이었습니다. 종교적 감정의 필수적인 요소는 성도들의 고통, 십자가에서 그리스도의 고통에 대한 공감이었습니다. 열정적인 아이콘이 널리 퍼졌습니다. iconostases에서는 구세주 그리스도의 슬픈 사건에 전념하는 전체 행을 볼 수 있습니다. 교회 아이콘 그림에 대한 이러한 새로운 요구 사항은 Joseph Vladimirov가 Simon Ushakov에게 보낸 편지에서 입증되었습니다.

민속 도상학의 분포

17세기 후반에는 아이콘의 필요성이 증가했습니다. 러시아 경제는 점차 발전했습니다. 이로 인해 도시와 마을에 새로운 교회를 세울 수 있게 되었고, 농민들은 신성한 형상을 그들의 가정용품과 교환할 수 있게 되었습니다. 그 순간부터 아이콘 그림은 수즈달 마을의 민속 공예품의 성격을 갖게 되었습니다. 그리고 당시 살아남은 아이콘으로 판단하면 구성에 세부 사항이 거의 없었고 모든 것이 거의 그림 도표로 축소되었음을 알 수 있습니다. 아이콘 페인팅 기법의 관점에서 볼 때 Suzdal 아이콘은 단순화 된 버전이지만 의심 할 여지없이 고유 한 장점과 예술적 표현력을 가지고 있습니다.

왕실 성상 화가인 조셉 블라디미로프(Joseph Vladimirov)는 17세기에는 집뿐만 아니라 교회에도 이런 성상이 있었다고 증언했습니다. 그는 해당 분야의 전문가로서 능숙하게 쓰여지지 않은 이미지에 대해 강력히 비판했다.

불일치

이로 인해 세속 당국과 교회 당국은 우려를 표했고, 금지 조치를 통해 상황을 바로잡으려고 노력했습니다.

그 다음에는 알렉산드리아의 파이시우스 총대주교, 안티오키아의 마카리우스, 모스크바의 요셉 총대주교가 서명한 1668년 날짜의 편지가 옵니다. 신학자 성 그레고리오를 언급하면서 그들은 성화 화가를 숙련된 성상 화가부터 견습생까지 6개 등급으로 나누기로 결정했습니다. 그리고 자격을 갖춘 성상 화가들만이 성상을 그리는 것이 허용되었습니다.

1669년 알렉세이 미하일로비치(Alexei Mikhailovich)의 칙령에는 "인원과 구성의 규모"를 알아야 한다고 명시되어 있습니다. 비전문 예술가들은 얼굴의 특징과 인물의 비율로 아이콘을 왜곡했습니다.

그러나 여전히 17 세기 민속 아이콘의 가장 큰 단점은 고대 신자의 십자가 표시 (두 손가락)의 글자, 주교의 축복 및 이름 철자만큼 기술이 부족하다는 것입니다. 구세주 예수의 이름은 “and” 한 글자로 되어 있습니다.

17세기의 아이콘. 사진

유명한 이미지 중 하나는 St. Nicholas the Wonderworker입니다. 이 고대 아이콘은 손에 칼을 들고 있는 성자를 묘사한 유명한 조각상에서 그려졌습니다. 1993~1995년에는 이미지가 복원되고 페인트의 아래쪽 레이어가 드러났습니다. 오늘날, 17세기 원더워커 성 니콜라스의 아이콘은 모자이스크의 성령 강림 교회에 보관되어 있습니다.

또 다른 아이콘인 "손으로 만들지 않은 구세주"는 1658년에 Simon Ushakov가 그린 것으로, 그는 그리스도에 대한 독특한 이미지 때문에 즉시 비판을 받기 시작했습니다. 그러나 나중에 이 이미지는 러시아에서 가장 인기 있는 이미지 중 하나가 되었습니다. 이제 이 아이콘은 모스크바 Tretyakov 갤러리에 보관됩니다.

17세기 하느님의 어머니의 성상

이것은 아이콘 페인팅 역사상 가장 눈에 띄는 이미지입니다. 16-17세기 아이콘에 속하는 가장 유명한 예는 성모 마리아의 포차예프 아이콘입니다. 고귀한 지주 Goyskaya Anna가 1675 년 7 월 20-23 일에 터키 침략으로부터 성지를 구한 Assumption Pochaev Lavra의 승려들에게이 기적적인 이미지를 주었을 때 1559 년 연대기에서 처음 언급되었습니다. 이 아이콘은 여전히 우크라이나의 Pochaev 수도원에 있습니다.

17세기 카잔 성화는 러시아 정교회에서 가장 존경받는 성화입니다.

당시 Gostinodvorskaya의 목사였던 Ermolai는 1579 년 Kazan에서 화재가 발생하여 도시 대부분이 불에 탔을 때 하나님의 어머니 자신이 꿈에 열 살 소녀 Matrona에게 나타나 그녀에게 명령했다고 썼습니다. 잿더미에서 아이콘을 파내려고요.

표시된 장소에서 Matrona는 실제로 아이콘을 찾았습니다. 이것은 1579년 7월 8일에 일어났습니다. 이제 매년 이 날은 러시아 교회의 교회 전체의 명절로 기념됩니다. 그 후, 이 장소에 신의 어머니 수도원이 세워졌고, 그 첫 번째 수녀는 마브라(Mavra)라는 수도원 이름을 딴 마트로나(Matrona)였습니다.

Pozharsky가 모스크바에서 폴란드를 추방할 수 있었던 것은 Kazan Icon의 후원 아래 있었습니다. 세 가지 기적 목록 중 단 하나만 우리 시대에 보존되어 있으며 상트 페테르부르크의 카잔 대성당에 보관되어 있습니다.

9. 17세기: 새로운 미학과 새로운 도상학

유럽을 마주하다

7세기는 흔히 고대 러시아 문화가 완성된 세기라고 불린다. 그러나 그렇지 않습니다. 이것은 사실상 현대입니다. 물론 마지막 세기는 16세기였다. 16세기의 일이었습니다. Rus는 이러한 중세 문화의 열매를 수집했습니다. XVII 세기 – 이것은 완전히 새로운 시간입니다. 그리고 Alexander Sergeevich Pushkin의 가벼운 손으로 우리는 Peter가 유럽으로 향하는 창을 잘랐다고 말하지만 그것이 17세기에 있었다는 것을 알게 될 것입니다. 창문이 잘렸을 뿐만 아니라 러시아 문화를 유럽으로 향하는 문도 활짝 열렸습니다.

16세기로 거슬러 올라갑니다. 외국인들이 Rus'를 발견하기 시작했고 Rus'에 대한 서양 여행자들의 많은 인상이 보존되어 처음에는 일종의 야생 국가처럼 보였지만 그 특별한 문화에 놀랐습니다. 이것이 바로 17세기 러시아와 유럽의 연결고리입니다. 특히 흥미로운 것으로 밝혀졌습니다. 글쎄, 우리는 이탈리아 인이 Ivan III의 법정에서 일했다는 사실과 Ivan the Terrible 아래에서도 꽤 많은 연결이 있었다는 사실에 대해 이야기했습니다. 단명 한 Boris Godunov는 훨씬 더 유럽인으로 판명되었습니다. 그리고 고난의 시기는 외국의 개입임에도 불구하고 유럽의 발견이기도 했습니다.

한 단계 뒤로 돌아가더라도, 지기스문트 헤르베르슈타인(Sigismund Herberstein)의 1563년 모스크바 공국에 대한 기록은 이미 러시아를 상당히 우스꽝스럽게 제시하고 있습니다. 그런 보야르 모피 코트를 입은 그의 초상화조차도 서유럽이 러시아 문화를 매우 주의 깊게 보았음을 암시합니다.

17세기에는 훨씬 더 많은 메모가 남겨졌고, 우리가 알고 있듯이 미래의 황제인 표트르 대제가 자주 방문하고 그곳에서 유럽을 보는 법을 배우고 유명한 독일 정착지를 포함하여 많은 정착지가 형성되었습니다. 그 자신에게는 중요한 것들이 많다. 하지만 그런 일은 나중에 일어날 것이고 우리는 그것을 잘 알고 있습니다. 그러나 사실 같은 고난의 시기를 자세히 살펴보면 그것은 절대적으로 유럽 지향적인 보리스 고두노프의 통치에서 시작된다. 그리고 비록 그의 통치 기간이 그리 길지 않았고 인기가 없는 왕이었음에도 불구하고 그는 우리가 말했듯이 민주적으로 선출된 최초의 왕이었습니다. 그 당시 사회를 대표했던 특정 협의회에 의해 투표를 통해.

글쎄, Boris Godunov는 운이 좋지 않았습니다. 비록 그는 총대주교제를 도입했을 뿐만 아니라 그러한 유럽의 관습을 많이 도입했고 아마도 이것이 실제로 약간의 불신을 불러일으킨 것일 수도 있습니다. 그리고 우리는 17세기에 알았습니다. 그것은 유럽이 러시아로 침공하면서 개입으로 시작되었지만 분열로 끝났고 분열은 주로 유럽이나 조상 전통에 따라 누구와 함께 있어야하는지 러시아의 길을 결정하는 데 기반을 두었습니다.

뉴파이티

물론 이 모든 것이 예술에 영향을 미칩니다. 예술은 도덕의 거울, 영성의 거울, 경건의 거울입니다. XVII 세기 그들은 종종 문화의 세속화, 교회의 세속화, 전통 아이콘을 파괴한 혁신의 도입에 대해 비판을 받습니다. 일반적으로 이것은 모두 정확합니다. 그러나 우리는 17세기라는 사실을 잊어서는 안 된다. 그것은 베드로와 페트린 이후의 시대에 발전한 세속화가 시작된 세기일 뿐만 아니라, 아마도 이전의 모든 것과는 다른 놀라운 경건함, 새로운 경건함, 다른 경건함의 세기이기도 했습니다. 그럼에도 불구하고 17세기 사람들을 비난한다. 불신앙에서는 그것은 절대 불가능합니다.

우리가 말했듯이 16세기 말에 성상화에 새로운 현상이 나타났습니다. 이들은 Stroganov 마스터입니다. 그들은 부자, 소금 생산자 Stroganovs의 후원을 받아 아이콘을 본 방식과 원하는 방식으로 개발했으며 이는 일반적으로 이미 17 세기 스타일 형성에 영향을 미쳤습니다. 그리고 17세기의 아이콘들. 16세기에 우리가 본 것과는 매우 극명하게 다를 것입니다. 그리고 러시아 아이콘 그림의 황금 시대, 즉 15세기와 그 이후의 모든 시대에는 더욱 그렇습니다.

예를 들어 여기 우리 앞에는 Tsarevich Dimitri의 Stroganov 마스터의 아이콘이 있습니다. 글쎄, Tsarevich Dimitri의 모습은 일반적으로 Time of Troubles의 핵심입니다. 실제로 보리스 고두노프에게 첫 번째 그림자를 드리운 것은 어린 왕자의 살인이나 자살이었습니다. 그리고 왕자의 채택 된 이미지는 왕좌에 앉은 사기꾼 인 False Dmitrys의 물결을 유발할 것입니다. 그리고 False Dmitry I과 False Dmitry II. 그리고 일반적으로 이 물결은 이때부터 시작되어 18세기에도 계속될 것입니다. Peter III 등의 이름을 사용하는 사기꾼. 저것들. 이 사기의 물결은 여기서 시작됩니다. 17세기 이전의 사기꾼들이었기 때문에 이것은 실제로 새로운 현상이기도 합니다. 엄밀히 말하면 우리가 선택된 차르를 몰랐던 것처럼 러시아에서도 우리는 몰랐습니다. 그리고 최초의 로마노프 왕가도 이 새로운 왕위 계승 시스템과 연관될 것입니다.

하지만 아이콘으로 돌아가 보겠습니다. Stroganov의 주인은 그들의 기술을 좋아했습니다. 그러므로 아이콘의 솜씨, 아이콘의 정교함, 모든 것에 대한 신중한 디자인, 영성이 아니라 미학... 여기에서 우리는 Dionysius의 작은 균열로 보았던 격차를 이미 느낄 수 있습니다. 그의 신학의 척도를 넘어섰다. 이 조화는 거기서 무너지기 시작했습니다. 그러나 위대한 스승이 여전히 이것을 가지고 있었다면 17세기였습니다. 우리는 이미 아이콘의 미학적 측면과 내용적 측면 사이의 엄청난 격차를 보게 될 것입니다. 그러나 다시 17세기 초에. 그런 것은 거의 없으며 Stroganov 마스터는 이전 아이콘 그림의 전통을 이어갑니다.

물론, 고난의 시간은 카잔 신의 어머니의 이미지와 관련이 있습니다. 여기서 Stroganov 학교의 주요 거장 중 한 명인 Procopius Chirin은 Ivan the Terrible 시대에 Kazan에 등장한 동일한 기적의 Kazan 아이콘 목록 중 하나를 만들고 Hermogenes 총 대주교에 의해 모스크바로 옮겨졌으며 완전히 연결되었습니다. 중보자 중 하나가 된 러시아의 역사 .

실제로 Hermogenes 총 대주교의 이름도 우리에게 매우 중요합니다. 왜냐하면 그는 고난의시기에 죽고 크렘린에 투옥되어 크렘린 해방, 서방 침략자로부터 모스크바 해방을위한 깃발이 되었기 때문입니다. 폴란드-스웨덴-리투아니아 군대. 우리는 종종 “폴란드로부터의 해방”이라고 말합니다. 예, 아마도 폴란드 군대가 가장 많았을 것입니다. 그러나 사실 그것은 다른 민족, 다른 군대가 연합한 개입이었습니다. 카잔 아이콘의 이름은 우리가 알고 있듯이 1612년 미닌과 포자르스키가 이끄는 민병대가 모스크바를 해방한 것과 관련이 있습니다.

로마노프 왕가의 선출

그리고 문제의 시대는 끝나고 17세기는 물론 새로운 로마노프 왕조의 첫 번째 왕이 선출되면서 시작됩니다. Godunov 왕조는 일어나지 않았고 Romanov 왕조는 일어났습니다. 이 두 가족은 모두 가식자 였지만 싸웠고 실제로 Fyodor Romanov (Philaret이라는 이름으로 보험에 가입)와 Martha라는 이름으로 보험에 가입 한 그의 아내 Maria를 강제로 수도원으로 보낸 것은 Godunov였습니다. 그래서 이 부부는 미래의 왕위 계승자를 낳았습니다.

그는 Ipatiev Monastery에서 부름을 받았으며, 말하자면 Zemsky Sobor에서 Romanovs에 의해 새로운 왕조를 대표하도록 민주적으로 선출되었습니다. 나중에 총대주교가 된 수도사 Filaret는 Ivan the Terrible의 아내 중 한 명인 Anastasia Romanova의 형제였습니다. 그리고 이번 왕위 선출은 아마도 민주적 수단에 의한 것입니다... 물론 우리는 이것이 "아마도"라는 것을 이해합니다. 물론 Filaret Romanov가 교회의 수장이었다는 사실이 실제로 아들을 상속자로 선택.

그럼에도 불구하고 Zemsky Sobor가 열렸고 대사가 Ipatiev Monastery에 왔고 Martha 수녀는 Kostroma 지역의 고대 아이콘 인 Fedorov Mother of God의 아이콘으로 16 세 아들 인 Mikhail Romanov를 왕국에 축복했습니다. . 로마노프 왕조는 이파티예프 수도원에서 시작되어 불행하게도 이 왕조의 통치 300년 후에 이파티예프 가문에서 끝났기 때문에 이 이야기가 어떻게 원점으로 돌아가는지 흥미롭습니다.

신학 없는 미학

예를 들어, 수녀 Martha Romanova의 공헌으로 간주되는 신의 어머니의 Fedorovskaya 아이콘 수의를 통해 우리는 이번 예술에 대해 알 수 있습니다. 아니면 그녀가 수 놓은 것일 수도 있습니다. 왜냐하면 고대 러시아의 바느질이 특히 16세기에 매우 활발하게 발전했기 때문입니다. 이들은 종종 수도원 작업장, 대공비, 그리고 단순히 부유한 여성들의 작업장이었습니다. 이것은 매우 특권적인 예술로 간주되었습니다. 아주 세밀하게 자수하여 교회에 기부하는 것입니다. 그들은 예금을 했습니다. 재봉의 발전은 17세기에도 계속되었으며 우리는 이 기술의 훌륭한 예를 알고 있습니다.

일반적으로 17세기 예술이다. 그것은 예술로서 정확하게 발전하고 있습니다. 뭔가 능숙한 것처럼. 장인 정신에 많은 관심을 기울입니다. 이것은 Stroganovs에서 나온 것이며 무기고에서 개발될 것입니다. 이 외적인 아름다움에 대한 특별한 태도. 아름다움, 아이콘이 어떤 아름다움을 가져야 하는지에 대한 논쟁이 있을 것입니다. 17세기에 등장. 공백 대신 옷이 금으로 장식되어 있는 소위 금백색 문자라는 특수 문자입니다. 저것들. 금은 더 이상 신성한 것의 표시가 아니며, 하느님 나라의 빛나는 매체가 아니라, 이 천상의 아름다움에 대한 특별한 미적 표현이 됩니다. 그러나 반복해서 말씀드리지만, 이것은 신학적인 이해보다는 미학에 관한 것입니다. 아이콘에 장식이 나타납니다. 프레임에 아이콘을 넣는 것을 좋아한다는 사실 외에도 특정 아름다움의 아이콘, 비문 및 장식품에 다양한 종류의 장식과 카르 터치가 나타납니다.

Stroganov의 작업장에서 기초로 놓인 이 모든 것은 나중에 17세기의 명함이 되었습니다. 우리는 17세기 초 Stroganov 거장의 아이콘을 계속해서 살펴봅니다. 우리는 로마노프 왕조의 첫 번째 차르인 미하일 페도로비치(Mikhail Fedorovich)의 통치 예술이 전통의 출현과 회복이라고 말할 수 있습니다. 왜냐하면 끔찍한 환란의 시기가 지나고, 폐허가 된 후, 사람들이 서로 잡아먹고, 모든 것이 몇 년 동안 황폐해졌고, 3년 동안의 끔찍한 기근이 있었고, 나라가 정말로 폐허에서 일어섰을 때, 이미 첫 번째 왕 모든 것이 다시 피어납니다.

르네상스 시대

그리고 종종, 정말 자주, 17세기 예술이 있습니다. 이것이 그들이 그것을 위대한 부흥의 예술로 해석하는 방법입니다. 아이콘의 부흥, 석조 건축의 부흥... 많은 새로운 것이 나타나고 다시 유럽의 혁신이 나타납니다. 예를 들어, Muscovites는 폴란드 귀족이 이곳에 도착했을 때 False Dmitry I의 궁정에서 최초의 기악을 들었습니다. 개입 중에 첫 번째 특별 유럽 옷을 입어보기 시작했습니다. 글쎄, 이것은 이미 Boris Godunov에서 시작되었습니다. 그리고 이 모든 것이 아이콘 페인팅에 반영되기 시작했습니다.

우리는 얼마나 신중하게 봅니다... 이것은 아직 시작이며 아직 Simon Ushakov도 없으며 이러한 모든 혁신을 도입했다는 비난을 받는 무기고 챔버도 없습니다. 그러나 우리는 이미 17세기 20년대 초반에 그것을 보았습니다. 그러면 매우 강하게 피어날 모든 징후. 그게 내가 말한 것입니다 – 금색 편지. 만약 그것이 Hagiographic 아이콘이라면, 모든 것이 아주 재미있고 아주 자세하게 설명되어 있는 그림책이 될 뿐입니다.

예를 들어 실제 역사적 인물의 아이콘에 대한 소개-무릎을 꿇고 있는 Romanovs가 있는 Bogolyubskaya 아이콘 또는 그 이전에는 Stroganovs가 있었습니다. 이것은 또한 기증자가 성모 마리아나 그리스도의 발 앞에 묘사되는 서유럽 전통이기도 합니다. 예, 우리는 예를 들어 스몰렌스크의 구세주와 같이 무릎을 꿇고 있는 그리스도를 묘사하는 전통이 있었는데, 무릎을 꿇은 사람은 Radonezh의 Sergius와 Khutyn의 Varlaam이었습니다. 때로는 다른 사람들도 있었습니다. 비잔티움에는 그리스도의 발치에 황제들이 있었습니다. 그러나 일반적으로 서유럽의 그림과 여기 아이콘에 포함된 기증자에 대한 이러한 아이디어는 물론 17세기에 우리가 자주 볼 수 있는 새로운 현상입니다.

그로즈니 시대부터 알려져 있으며, 내가 가장 좋아하는 것조차도 날개 달린 세례 요한, 사막의 천사의 음모도 흥미로운 변화를 겪고 있다고 말하고 싶습니다. 16세기 고대 아이콘에 세례 요한이 있다면. 또는 그 이전에(이 이미지는 15세기에 나타남, 아마도 14세기 말에도 나타남) 그릇에 머리를 담습니다. 우선 자신을 그리스도의 미래 희생의 선구자로 제시하고 그 다음에는 17 세기에 제시합니다. 우리는 세례 요한의 잔에 담긴 아기 그리스도의 형상을 봅니다. 이러한 종류의 성찬의 자연주의는 17세기의 특징이기도 합니다.

일반적으로 17세기. 우리가 일반적으로 사실주의라고 부르는 것을 추구합니다. 현실이지만 여전히 중세 의식의 경계에 있습니다. 결국, 중세 시대에 가장 실제적인 존재는 신이었습니다. 중세의 사실주의와 현대의 사실주의는 완전히 다른 현상입니다. 그러나 여기는 17세기이다. 이런 의미에서 사람들은 유사성, 자연주의(새로운 이해의 현실주의는 오히려 자연주의이기 때문에)의 의미에서 현실과 영적 세계의 현실에 더 가까워지기를 원하기 때문에 특정 전환점을 나타냅니다. 영적인 세계, 보이지 않는 세계의 거의 물질적인 현실을 느끼는 것입니다. 물론 이것은 17세기의 아이콘에도 구현될 것이다.

일반적으로 혁신과 부흥에 대해 이야기하면 물론 이미 로마노프 왕조의 첫 번째 차르 인 Mikhail Fedorovich의 통치 기간은 엄청난 현상으로 표시되었습니다. 축복받은 성 막시무스의 작은 우표조차도 당시의 크렘린을 보여 주며 예를 들어 Spasskaya Tower의 시계를 이미 볼 수 있습니다. 영국 Galloway의 마스터가 이 시계를 만들었습니다. 그리고 이러한 혁신-메커니즘이 나타나고, 시계가 나타나고, 종소리가 더 이상 교회 시간에 울리지 않고, 시민 시간이 나타나고, 실시간이 나타납니다. 이것도 사실주의에 대한 갈망이다.

물론 크렘린은 고난의 시대 이후에 복원되고 있습니다. 수많은 석조 교회가 나타납니다. 그건 그렇고, 17 세기에. 이미 석조 교회의 수가 목조 교회보다 우세합니다. 여기 Nikitniki에 있는 멋진 트리니티 교회가 있습니다. 이 교회는 17세기 초반에 지어졌으며 종종 "모스크바 패턴"이라고 불리는 건축의 새로운 스타일을 나타냅니다. 이것은 돌로 만든 것이 아니라 벽돌로 만들고 흰 돌로 장식한 값싼 건축물이다. 정말 아름답습니다. 이 외적인 아름다움은 이미 16세기에 시작되었습니다. 밖으로 나가서 우리는 예를 들어 종종 "바깥쪽으로 향한 사원"이라고 불리는 성 바실리 대성당을 보았습니다. 그의 가장 아름다운 모습은 내면이 아닌 외면에 있습니다. 내부에는 그다지 눈에 띄지 않는 작은 교회가 많이 있지만 외부는 아름답습니다. 그리고 성전의 외부 아름다움에 대한 이러한 생각은 특히 17세기에 발전하기 시작했습니다.

토목석조물이 많이 나타난다. 물론 조금 후에 끝이납니다. 토목 구조물은 많지 않지만 여기서도 언급하고 싶습니다. 예를 들어, 모스크바의 부자인 Duma 사무원 중 한 명인 Averky Kirillov의 방이 있습니다. 그리고 그의 집은 17세기에 얼마나 아름다운 석조 토목 구조물이 나타났는지 보여줍니다.

크렘린 대성당의 그림

물론 17세기에도 마찬가지였다. 크렘린 대성당은 내부뿐만 아니라 외부도 다시 칠해지고 있습니다. 우리가 기억하는 것처럼 가정 대성당은 15세기 말에 지어졌습니다. 이탈리아 건축가 아리스토텔레스 피오라반티. 이 그림은 Dionysius와 그의 작품에 의해 처음 그려졌습니다. 그리고 17세기에. 그는 다시 칠해지고 거대한 아이콘이 다시 설치됩니다. 17세기의 이코노스타시스. 이미 다섯 줄, 여섯 줄, 심지어 일곱 줄까지 늘어납니다.

하지만 다시 한번 말씀드리지만 17세기 회화 현상은 흥미롭습니다. 그림이 외부로 나가는 가정 대성당과 다른 교회. 우리는 Ferapontov Monastery에서 Dionysius와 함께 이것을 한 번만 보았으며 그때에도 이것은 16 세기의 예외적 현상으로 간주됩니다. 17세기용. 이는 더 이상 예외적인 현상이 아니다. 여기에는 정면에있는 신의 블라디미르 어머니의 이미지, 모스크바 성도, 자코 나르 부분, 후진이있는 동부의 이미지가 있습니다. 우리는 "신의 어머니의 찬양"을 봅니다.

그리고 물론 그들이 싸우고 싸웠던 이미지 없이는 할 수 없지만이 문제, 즉 신약 삼위 일체의 이미지를 완전히 해결하지 못했습니다. XVII 세기 다시 같은 이미지로 돌아오지만, 이 이미지를 둘러싼 논란 역시 마찬가지다. 우리가 다시 살펴볼 유명한 공의회인 1666년 공의회는 또한 이 이미지가 비표준이라는 1551년 스토글라비 공의회 결의안을 확인했습니다. 그러나 그는 17세기에 점점 더 많이 등장합니다. 그리고 성상화의 예언적 행과 성전 내부의 프레스코화, 심지어는 외부 그림에도 있습니다. 왜? 바로 17세기의 미학과 신학 때문입니다. 매우 다양합니다. 이것은 아이콘이 신학에 의해 양육되는 것을 완전히 중단한다는 의미는 아닙니다. 그러나 신학 자체는 17세기에 겪게 됩니다. 또한 많은 변화가 있습니다. 이는 Nikon과 Avvakum의 분쟁에서 분명하며, 도서 참조를 둘러싼 분쟁에서도 분명하며, Nikon과 Tsar의 분쟁에서도 분명합니다. 그럼에도 불구하고 예술에서는 새롭고 비정규적인 이미지가 많이 피어나는 것을 볼 수 있습니다.

새로운 도상학 및 신사 컬렉션

17세기 예술에서. 아직 신학적으로 이해되지 않은 수많은 새로운 이미지가 나타납니다. 그리고 더 나아가 방송되고 세대를 거쳐 전해지며 많은 논란이 있지만 계속 존재합니다. 예를 들어, 이것은 "주님의 옷의 위치"라는 이미지입니다. 이 아이콘은 1627년경에 그려졌습니다. 여기서는 새로운 이미지에 대해 그다지 많이 이야기하지 않는 것이 좋을 것 같습니다. 실제로는 새로운 이미지이지만 "성모 마리아의 옷의 위치"가 있고 여기에는 "주님의 옷의 위치"가 있습니다.

그러나 여기서는 다가오는 새로운 신사의 관점에서 우리에게 흥미로울 것입니다. 이는 또한 17세기임을 시사한다. 그러한 완전한 세속화의 세기가 아니라 오히려 완전히 새로운 방식으로 해석되는 새로운 경건의 세기였습니다. 예를 들어, 이미 Mikhail Fedorovich Romanov 통치 기간 동안 동부, 조지아에서 성도의 유물, 고대 신사 등 많은 신사가 왔습니다. 우리가 알고 있듯이 조지아는 이때 페르시아인 샤 압바스(Shah Abbas)에 의해 정복되었으며 이제 샤 압바스(Shah Abbas)는 러시아를 포함하여 성지를 팔고 있습니다. 그리고 주님의 옷 한 조각이 조지아에서 우리에게 왔습니다.

더욱이, 러시아에 대한 이 신사 컬렉션은 아마도 17세기의 가장 유명하고 가장 뛰어난 군주였던 미하일 페도로비치 로마노프의 아들 알렉세이 미하일로비치 치하에서 이루어졌습니다. 그리고 가장 흥미롭고 가장 신비로운 것입니다. 그의 통치는 우리가 17세기에 대해 알고 있는 것과 정확하게 관련되어 있습니다. 새로운 세기에 관한 것이며 무엇보다도 이 새로운 아이콘 페인팅 전통을 탄생시킨 세기입니다.

그의 모습에 관해서는 여기서 그에 대해 특별한 말을 할 필요가 있습니다. 사실 이 수치는 다소 신비스럽습니다. 우선 그의 별명은 '조용한 자'다. 그의 아버지는 겸손한 사람이라고도 불렸습니다. 일반적으로 이것은 대부분, 특히 통치 전반기에 그의 아버지 Filaret Nikitich Romanov가 통치했기 때문에 이해할 수 있습니다. 여기서 이사회는 1인이었고 매우 균형이 잘 잡혀 있었습니다. 그러나 Quietest라는 별명 자체는 왕이 그렇게 단순하지 않았다고 말할 이유를 제공합니다. 이에 대해서는 나중에 다시 설명하겠습니다.

그리고 우리에게 두 번째 중요한 인물, 특히 17세기 예술과 일반적으로 17세기 문화를 고려한다면 물론 니콘의 인물입니다. Nikon과 Tsar Alexei Mikhailovich의 관계는 총 대주교 Filaret Nikitich Romanov와 그의 아들 Mikhail Fedorovich의 관계와 완전히 다릅니다. 한때 Rus의 어딘가에 세속 당국과 교회 당국 사이에 교향곡이 있었다면 그것은 물론 첫 번째 로마노프 시대였습니다. 이 교향곡은 신권이 왕국보다 높다고 주장한 니콘 치하에서 완전히 무너졌고, 왕은 당분간 이에 동의했습니다. 그러나 우리는 이것으로부터 거의 나온 것이 없다는 것을 나중에 보게 될 것입니다.

니콘은 17세기의 모습을 보여주는 인물이기 때문에 우리에게도 흥미롭다. 위대한 아이디어, 지정학적, 유토피아, 장대한 성취의 세기, 그리고 아마도 그에 못지않게 장대한 붕괴의 세기였습니다.

이 신사 수집 라인을 매우 성공적으로 선택한 것은 Nikon이었습니다. 여전히 Novospassky Monastery의 대주교였던 그는 왕실 사람을위한 리셉션으로 진정으로 준비된 장대 한 방문을 조직했으며 Athos의 Iveron Monastery에서 Iveron Mother of God의 아이콘을 모스크바로 가져 왔습니다. 1648 년에 그는 아토스 수도원의 대 수도 원장 인 대 수도 원장과 동의하여 아토스의 가장 큰 신전 인 Iveron Mother of God에서 목록이 작성 될 것이라고 동의했습니다.

이 아이콘의 역사는 성상 파괴 시대, 두 번째 성상 파괴 시대로 거슬러 올라갑니다. 테오필루스 황제 치하에서 니케아에 살았던 어떤 과부가 이 성상을 보관하고 숨겼습니다. 그리고 왕실 병사들은 그것을 발견하고 그것을 파괴하기로 결정했습니다. 그리고이 아이콘에 부딪힌 첫 번째 무기는 놀라운 기적을 일으켰습니다. 무기가 뚫린 하나님의 어머니의 뺨이나 턱 부분에서 피가 흘러 나왔기 때문입니다. 이것은 전사들에게 너무 큰 충격을 주어 죽었습니다. 가난한 과부는 이를 이용하여 이콘을 바다 위에 놓았고 파도는 이 이콘을 알 수 없는 목적지로 운반했습니다. 얼마 후 그녀는 정확히 Iveron Monastery가 있던 곳인 Athos 해안에서 발견되었습니다. 승려들은 이 성상을 수도원으로 가져가 마치 기적적으로 발견한 것처럼 제단 위에 올려 놓았습니다. 그러나 그녀는 세 번이나 문으로 돌아와 자신이 이 수도원의 수호자가 될 것임을 강조했습니다. 따라서 이 아이콘에는 발견된 수도원의 위치를 따서 Iveron 아이콘과 Portaitissa라는 두 가지 이름이 있습니다. 문지기, 골키퍼의 아이콘입니다.

그리고 존경받는 아토스 신전 중 하나인 아토스에서 존경받는 이 아이콘은 미래의 니콘 총대주교의 문화 정책의 기치가 됩니다. 그는 이 아이콘의 도착을 조직하고 놀랍도록 엄숙한 회의를 조직했으며 이 아이콘은 모스크바의 주요 신사 중 하나가 되었습니다. 여기에는 여러 목록이 작성되어 있습니다. 수도사 Romanus Iamblichus가 아토스에서 만든 가장 중요한 목록(아이콘이 서명되어 있으며 누가 이 아이콘을 그렸는지 알 수 있음)은 아이콘 페인팅을 포함하여 Nikon 정책의 배너가 됩니다. 왜냐하면 그는 구체적으로 아토스와 그리스를 바라보고, 그 다음에는 많은 성지들이 나오는 조지아도 살펴볼 것이기 때문입니다.

일반적으로 성지를 Rus', 러시아로 이전하면 러시아가 특별한 국가가 됩니다. Nikon은 러시아와 모스크바를 두 번째 예루살렘으로 선포합니다. 그의 세습 수도원 건설도 이것과 연결될 것입니다. 우리는 나중에 이것으로 돌아올 것입니다. 그러나 그를 위해 유물을 수집하는 것은 매우 중요한 영적, 정치적 행위였습니다. 그는 이를 통해 러시아 교회를 다른 모든 교회보다 높이고 교회 자체를 왕권보다 높이기를 원했습니다. 우리의 뛰어난 현대 역사가 중 한 명인 유리 피보바로프(Yuri Pivovarov)가 말했듯이 러시아는 권력 중심 국가이기 때문입니다. 우리와 함께 모든 것은 항상 왕자, 왕, 그리고 오늘날 권력을 가진 사람에 의해 결정되었습니다. 그러나 Nikon은 물론 그것을 다르게 원했습니다. 그는 특히 모스크바에 아토스 신전이 도착하는 것과 같은 눈에 띄는 현상 이후에 곧 족장이 됩니다. 그는 왕의 가장 친한 친구가되고, 우리가 말했듯이 왕좌에 앉아 왕이 군사 작전을 벌일 때 그는 대 주권자라고 불리며 그의 힘이 성장하고 성장하는 것 같습니다. 그러나 모든 것이 그렇게 간단하지는 않았습니다.

거듭 말씀드리지만, 러시아의 역할과 러시아 교회의 역할에 대한 그의 비전에서 수입된 성지는 적지 않은 중요성을 가졌습니다. 다음은 유명한 키프로스 신사인 Eleus Kykkotissa의 사본 중 하나입니다. 여기서 우리는 Nikon의 성격에서 조금 벗어나게 될 것입니다. 우리는 나중에 이것에 대해 돌아가서 저자와 관련된 아이콘에 주목할 것입니다. 아토스 산에도 이미 서명 아이콘이 있습니다. 또한 그들은 러시아에 나타납니다. 그리고 일반적으로 아이콘과 관련된 저작자 개념도 17세기의 현상입니다. 이는 주로 40년대에 Armoury Chamber에서 아이콘 워크숍이 조직되었던 Armoury Chamber와 관련된 새로운 현상입니다. 처음에는 왕실 작업장이었으나 나중에 무기고로 합쳐졌습니다. Armoury Chamber의 마스터와 키프로스 Kikkotissa 목록의 저자 인 Simon Ushakov는 특별한 분석이 필요한 현상입니다.

이미 이 아이콘에는 이전에 본 것과 동일한 표시가 모두 표시됩니다. 미학에 대한 관심, 천, 장식품, 주름과 같이 겉보기에 사소해 보이는 요소의 글쓰기에 대한 관심이 금색 글쓰기입니다. 그러나 더욱 놀라운 혁신은 개인 편지입니다. 개인은 항상 아이콘의 첫 글자였습니다. 저것들. 부분적이고 개인적이다. 개인적인 세부 사항은 종종 주요 주인이 그린 반면, 중고 주인은 2차 그림이나 최소한 밑칠과 덮개를 완성할 수 있었습니다. 그러나 개인은 항상 주인이 썼습니다. 그리고 개인이 작성되는 방식은 항상 아이콘의 표시입니다. 따라서 Simon Ushakov의 가벼운 손길로 개인을 작성하는 새로운 방식, 즉 그가 "생생함"이라고 부르는 새로운 방식이 도입되었습니다. 이것이 현실주의에 대한 열망, 자연주의에 대한 열망이다. 활력, 즉 현실처럼 "살아있는 것처럼"이라고 쓰세요. Chiaroscuro가 나타나고 얼굴, 특히 눈 등의 해부학 적으로 정확한 묘사가 나타납니다. 우리는 특히 손으로 만들지 않은 구세주의 이미지에서 이것을 볼 수 있습니다.

그건 그렇고, 그가 교구민이었던 Nikitniki의 Trinity Church에서 멀지 않은 곳에 보존 된 Simon Ushakov의 집을 보여줄 수 있습니다. 이것은 Kitay-Gorod에 있습니다. 이것은 또한 아이콘 화가에게 집이 있다는 것을 나타내는 매우 중요한 지표입니다. 그 사람은 꽤 부자였습니다. 그리고 무기고 목록에 그는 최초의 아이콘 화가로 등재되었습니다. "불평하다"은(는) 무슨 뜻인가요? 이는 그가 급여를 받았다는 것을 의미합니다. 그리고 무기고에 보관된 책을 보면 유급 장인들이 실제로 돈을 받았음을 알 수 있습니다. 하나님의 어머니의 많은 아이콘에 대해 대략적으로 말하면 100 루블, 구주의 세 아이콘에 대해-80 루블입니다. 그들은 지도를 쓰고 그림을 그리고 마차를 그리는 대가로 돈을 받았습니다. 그들은 원하는 것은 무엇이든 했습니다. 교회 그림, 배너 그림... 이들은 다양한 기술의 대가였습니다. 그리고 그들은 모든 것에 대해 돈을 받았습니다. 급여를 받는 아이콘 화가는 자신의 작업에 대해 고정된 급여를 받는 아이콘 화가입니다. 이것은 또한 이전에는 발생하지 않았던 완전히 새로운 아이콘 페인팅에 대한 유럽의 접근 방식이라고 말하고 싶습니다. 그들은 빵을 위해 일했고, 영혼을 위해 일했으며, 루블레프처럼 그들의 소명 실현을 위해 일했습니다.

사이먼 우샤코프의 아이콘

그래서 17세기에 어떤 새로운 것들이 도입되었는지 이해하기 위해서이다. 도상학에서는 Simon Ushakov의 손으로 만들지 않은 구세주의 여러 작품을 살펴보십시오. 분명히 그는 이 이미지를 좋아했고 작업했습니다... 얼굴, 후광, 천만 있고 그 이상은 없지만 아이콘 페인팅의 혁신, 생동감, 새로운 언어가 가장 눈에 띄는 곳이 바로 여기입니다. . 이것은 이미 상징적 원리에서 벗어나 그림에 접근하는 언어입니다. 내면의 빛이 아닌 명암법(Chiaroscuro). 천은 실제 주름으로 묘사되어 있으며 실제로 천의 모방을 볼 수 있습니다.

일반적으로 이 시대의 그림(저는 회화라고 부르고 싶습니다)은 현실을 모방하려고 노력합니다. 머리카락을 자르기. 눈물과 섬모가 있는 눈을 해부학적으로 정확하게 묘사하려는 욕구. 해마다 Simon Ushakov가 이 이미지를 그립니다. 분명히 그들은 그에게 주문했고 분명히 고객도이 이미지를 좋아했습니다. 당신이 문자 그대로 그리스도의 실제 얼굴 앞에 서도록 기록되었기 때문입니다.

또는 비슷한 이미지가 있습니다: “그리스도는 위대한 주교이십니다.” 아마도 이것은 성도들의 얼굴에서 덜 나타나는 정도이지만 여기서는 예를 들어 Radonezh의 St. Sergius 아이콘에서 예술가가이 얼굴을 만들고 싶어하는 것처럼 chiaroscuro도 매우 적극적으로 사용된다는 것을 알 수 있습니다. 거의 조각적이어서 그 양감 등을 느낄 수 있습니다. d. 물론 이 모든 일은 이전에는 결코 일어나지 않았습니다. 17세기 초에도 말이죠. 사실은 그렇지 않았습니다. 그리고 17세기 후반 중반. 이것이 바로 아이콘 페인팅이 발전하는 방식입니다.

물론 Simon Ushakov만이 이에 참여한 것은 아닙니다. 그러나 그는 예를 들어 Deacon Pleskovich와의 분쟁에서 이론적으로도 이것을 옹호했습니다. 무기고 챔버의 아이콘 화가이기도 한 Simon Ushakov의 친구 Joseph Vladimirov의 서신과 더 엄격한 아이콘 그림의 지지자였던 세르비아 집사 John Pleshkovich와의 논쟁이 보존되었습니다. 따라서 Joseph Vladimirov는 편지가 밝고 즐거워야 한다는 관점을 옹호합니다. "그리고 당신은"그가 말했듯이 "사랑에 빠진 아이콘을 그립니다.<т.е. такие уже закопченные>, 당신은 성자들을 검은 얼굴로 칠합니다. 다들 그렇게 검고 지루했니?” 저것들. 그는 심지어 빛의 개념을 옹호하는 것 같습니다. 그러나 이것은 헤시카스트의 빛이라는 개념과는 아무런 관련이 없습니다. 물론 이것은 실제 빛, 태양 빛, 외부 소스에서 나오는 빛으로 얼굴을 비추고 가능하면 밝고 즐겁게 만듭니다. 물론 많은 아이콘이 냉정하고 금욕적인 표현의 전통을 이어가고 있습니다.

1671년 Simon Ushakov가 그린 삼위일체의 이미지는 매우 시사적입니다. 우리는 테이블에 앉아있는 세 명의 천사를 봅니다. 루블 레프 도상학은 보존 된 것 같습니다. 그러나 테이블은 이미 금색 테두리가 있는 호화로운 식탁보로 덮여 있고 그 위에는 화려한 은색과 금박을 입힌 접시가 있습니다. 나는 이 식사를 주교의 식사라고 부르고 싶습니다. 이것은 더 이상 천사의 식사가 아니며 아브라함을 위한 겸손한 대접이 아닙니다. 그러나 이것은 17세기 사람들이 부와 아름다움으로 이해한 것입니다. 다른 나라보다 나쁘지 않은 삶을 살고있는 국제 수준에 도달하고있는 부유하고 번영하며 부활하는 러시아, 러시아에 대한 아이디어를 개발했습니다. 그리고 이것은 이상하게도 아이콘에도 반영됩니다.

풍경은 더 이상 삼위일체의 Rublev 아이콘과 동일한 상징적 의미를 갖지 않기 때문에 여기에서 풍경은 훨씬 더 흥미 롭습니다. 여기서 언덕 위의 나무는 단지 언덕 위의 나무일 뿐이며, 상징적인 생명의 나무인 맘브리아 참나무처럼 자라지만 풍경 전통의 모든 요소로 그려져 있습니다. 그리고 더욱 놀라운 것은 아브라함의 방(Chambers of Abraham)인데, 여기서는 단순히 고대 프로필라이아처럼 보입니다. 즉, 아이콘의 상징주의는 이미 파괴되었으며, 얼굴의 아름다움, 요리의 아름다움, 직물의 아름다움, 건축물의 아름다움과 같은 외부 아름다움이 예술가에게 더 중요하기 때문에 정확하게 파괴되었습니다.

시대 사상 측면에서 더욱 흥미로운 것은 '러시아 국가의 나무'라는 아이콘입니다. 반복합니다, 17세기. 이것은 큰 아이디어입니다. 이 아이콘은 실제 크렘린을 묘사하며, 총안과 탑이 있는 크렘린 벽을 인식합니다. 벽에는 실제로 그 당시 차르 알렉세이 미하일로비치와 마리아 여왕과 그들의 자녀들이 살고 통치하고 있습니다. 그리고 가정 대성당. 그리고 가정 대성당에서 나무, 즉 성도의 나무가 자랍니다. 모스크바의 성도들, 계층, 성스러운 바보들, 목사들... 그리고 이 나무의 중앙에는 가장 아름다운 꽃처럼 모스크바 주의 팔라듐, 신의 어머니의 블라디미르 아이콘이 있습니다.

그리고 이 나무는 최초의 가정 대성당을 설립한 Ivan Kalita와 Metropolitan Peter에 의해 물을 공급받습니다. 이것은 그들이 모스크바 국가의 기초를 마련했음을 의미합니다. 이것은 그들이 러시아 국가의 기초를 마련했다는 것을 의미합니다.

위에서, 하늘에서 구주 예수 그리스도께서 이 모든 것을 축복하십니다. 저것들. 이 아이콘은 17세기 러시아 국가의 정치적 표현이라고 할 수 있습니다. 물론 이것은 또다시 혁신이며, 이전에는 이런 일이 일어난 적이 없습니다. 아마도 모스크바 국가 본당의 영광을 위해 헌정 된 아이콘-결국 중앙에는 모스크바를 두 번 이상 구했지만 여전히 가장 중요한 메시지 인 신의 블라디미르 어머니의 아이콘이 있습니다. 이 나무는 국가의 기초인 메트로폴리탄 피터(Metropolitan Peter)와 이반 칼리타(Ivan Kalita)가 함께 설립한 대성당에서 자란다는 것입니다. 물론 이는 니콘이 원했던 것과는 정반대다. 왜냐하면 여기서는 결국 국가 이념이 교회 이념보다 우세하기 때문입니다.

무기고의 주인

하지만 무기고 챔버의 아이콘 화가로 돌아가 보겠습니다. 종종 불리는 것처럼 "러시아 국가의 나무"또는 "러시아 국가의 나무 심기"라는 멋진 이미지를 자신의 방식으로 쓴 Simon Ushakov만이 없었습니다. 우리는 똑같이 흥미로운 아이콘을 그린 무기고 주인의 이름을 많이 알고 있습니다. 그리고 Simon Ushakov가 옹호 한 모든 원칙과 세르비아 집사와 논쟁을 벌인 그의 친구 Joseph Vladimirov는 또한이 모든 주인에 의해 개발되었습니다-활발함의 아이디어, 자연주의의 아이디어, 미학적 아이디어 공개된 아이콘입니다. 미학 - 그것은 이미 외부의 아름다움에 있습니다. 한때 다마스쿠스의 요한이 공식화한 것처럼 “보이지 않는 것의 보이는 이미지”인 천국의 현현에 대한 상징적 미학이 아니라 이 드러난 아름다움에 있습니다. 원단의 아름다움.

예를 들어, Georgy Zinoviev, "모스크바의 성 알렉세이"가 있습니다. 그것은 중립적 배경뿐만 아니라 크렘린 벽과 함께 크렘린과 함께 모스크바의 실제 이미지가 땅을 따라 묘사됩니다. 그리고 실제 옷을 입고-17 세기 주교들은 그런 옷을 입고 걸었습니다. -흰색 가부장적 인형에 복음이 그려진 수 놓은 아름다운 브로케이드가 모스크바의 성 알렉세이를 묘사합니다. 그는 또한이 모스크바 라인의 창립자 중 한 명이며 통일 러시아 국가의 창설로 이어졌습니다.

“스몰렌스크의 성모”, 훌륭한 아이콘 화가 표도르 주보프. 여기서 우리는 모든 것이 똑같은 것을 봅니다. 명암대비법을 마스터하는 예술가의 놀라운 기술로 그려진 성모 마리아의 아름다운 얼굴입니다. 감동적이고, 이미 완전히 유치합니다... 우리는 고대 러시아에서 이 일이 다르게 일어나는 것을 보았지만, 여기서 우리는 구세주의 감동적인 유치한 얼굴을 봅니다. 그리고 물론 금백색 글씨, 섬세한 장식품, 성모 마리아 옷의 술과 같은 것입니다. 저것들. 세부 사항에 대한 사랑. 그리고 정말 놀라운 레이스 카르터치입니다. 여기에는 단순한 비문만으로는 충분하지 않으며 카르투슈로 묶어야 합니다.

이는 이미 17세기 후반 러시아에 유입된 바로크 문화와 유럽 반종교개혁의 조건과는 전혀 다른 조건에서 탄생한 바로크 문화의 현상으로, 아름다움의 외적 표현이 증거였다. 하나님의 존재의 증거, 하나님의 영광의 증거. 유럽 북부의 개신교인 Sola Scriptura(“성경에만”)의 모토는 남부의 가톨릭교인(가톨릭 부분이 주로 유럽 남부에 남아 있었기 때문에)과 Soli Gloria Dei라는 모토와 대조되었습니다. 신의." 그리고 이러한 조건에서 태어난 스타일은 갑자기 완전히 다른 토양, 러시아의 토양으로 나타나며, 그곳에서는 일종의 외적인 아름다움과 하나님의 영광의 표현으로도 인식되었습니다. 그는 중세 러시아의 미학을 완전히 깨뜨렸습니다.

이런 일이 발생하는 방식은 특히 Trifon Filatiev "Trinity" 아이콘에서 명확하게 볼 수 있습니다. 이것은 이미 17, 18세기 초인 1700년에 그려진 성화이지만 약간의 복원을 거쳤습니다. 복원가들이 이 아이콘을 열기 시작했을 때 그들은 그 아래에 있는 14세기의 이미지를 발견했습니다. 그리고 천사 중 하나의 얼굴에 작은 창문을 열었습니다. 여기 삼위일체가 있습니다. 다시 말하지만, 이 웅장한 천사들은 웅장한 천으로 덮인 테이블에 앉아 있습니다. 여기에는 식사뿐만 아니라 전체 정물, 아름다운 요리, 포도 한 송이, 빵 등이 있습니다.

그래서 천사 중 한 사람의 얼굴이 복원자들에 의해 발견되었습니다. 오늘날 복원자들은 아이콘 자체가 17세기이기 때문에 작업을 계속하지 않습니다. 아름다운. 그러나 우리는 이 차이점을 봅니다. 이것이 러시아 성상화가 3세기, 거의 4세기 동안 걸어온 길입니다. 아래쪽 얼굴은 14세기로 거슬러 올라갑니다. 이것은 끔찍한 몽골 파괴 이후 러시아 아이콘 그림의 부흥이 시작되었을 때, 그들이 비잔틴 기초로 돌아왔을 때, 이 조용한 헤시카스트 이미지가 현재의. 그리고 우리 옆에는 17세기의 실제와 같은 얼굴들이 보입니다. 한 성상에서 우리는 14세기부터 17세기까지 러시아 성상화의 전체 진화를 볼 수 있습니다.

그렇다고 17세기가 나쁘다는 뜻은 아니다. XVII 세기 아이콘의 완전히 새로운 이미지, 성자의 새로운 이미지, 새로운 경건함, 아름다움에 대한 새로운 이해, 영성에 대한 새로운 이해, 교회에 대한 새로운 이해, 원한다면 두 사람 사이의 관계에 대한 새로운 이해를 나타냅니다. 정교. 물론 이러한 모든 혁신은 금세기에 소화되어야 했습니다. 이것이 바로 이러한 프로세스가 일반적으로 그렇게 어려운 이유입니다. 그들은 사방에서 비난을 받았습니다. 예를 들어, 동일한 Tikhon Filatiev가 세례 요한을 묘사합니다. 여기에는 더 이상 날개가 없으며 더 이상 필요하지 않습니다. 세례 요한은 주님 앞에 서서 기도하고 있는데, 주님은 더 이상 한 부분에서만 바라보시는 것이 아니라 구름에 둘러싸인 한 부분에서 보고 계십니다. 이것은 더 이상 평범한 하늘이 아니라 실제 하늘입니다. 여기, 하늘에 흩어진 구름 가운데 주님께서 당신 앞에 서서 기도하고 있는 세례 요한을 바라보시며 축복하십니다.

하지만 이곳의 풍경은 더욱 흥미롭습니다. 이곳의 풍경은 멀리까지 강이 뻗어 있고, 양쪽 강둑에 나무가 있고, 토끼가 뛰어오르고, 사슴이 걷고 있는 단순한 실제 3차원 공간이기 때문입니다. 그리고 웅장한 유럽풍 건축물 – 헤롯왕궁 등 아이콘 화가에게 흥미로운 점은 무엇입니까? 아이콘 화가는 더 이상 얼굴 자체에도 관심이 없습니다. 같은 Simon Ushakov조차도 여전히 얼굴에 관심이 많았으며 이는 그의 구세주 이미지에서 볼 수 있습니다. 여기에서는 모든 것이 흥미로워요. 이 멋진 풍경의 다음 우엉 나무 아래에서 어떤 종류의 버섯이나 베리가 자라는지에 이르기까지 모든 것이 가장 작은 세부 사항까지 흥미 롭습니다.

이들은 모스크바 마스터 뿐만이 아닙니다. 예를 들어, 17~18세기 초, 심지어 18세기 초의 야로슬라블 대가도 세례 요한을 썼습니다. 여기에는 이미 날개가 있지만이 날개는 절대적으로 "깃털에서 깃털로"라고 쓰여 있습니다. 이것이 Leskov가 나중에 Old Believer 마스터의 작업을 설명하는 방법입니다. 모든 것이 실제로 여기에 깃털 하나하나 기록되어 있습니다. 이것이 고대 신자들이 나중에 모방할 것입니다. 이 편지는 고대의 원시 러시아 아이콘 그림을 얼마나 좋아한다고 주장하더라도 고대가 아닙니다. 그리고 여기에서도 우리는 이 아이콘을 끝없이 검토할 수 있다는 것을 알 수 있으며, 우리는 다시 손에 잔을 들고 어린 양을 가리키는 선구자, 주님의 세례자의 형상 앞에 서 있다는 사실을 잊어버립니다. 어린 양은 컵 안에 누워 있는 어린양입니다. 그리고 여기에 세례 요한의 전체 이야기가 가장 자세하게 기록되어 있습니다. 세례 요한이 어떻게 천사에 의해 사막으로 인도되었는지, 그가 이 사막에서 어떻게 왔는지, 어떻게 요단강에서 설교하는지, 어떻게 세례를 주는지, 그 후 어떻게 투옥되는지, 어떻게 머리가 잘리는지 등.d. 저것들. 이야기에 대한 이러한 사랑은 17세기에 매우 분명하게 드러납니다.

금세기에는 서적 사업도 번창하고 있습니다. 16세기라면 그것은 시작되어 사실상 사라졌고, 그 후 17세기에 사라졌습니다. 크게 피어있습니다. 총대주교 인쇄소(나중에 총회가 됨). 초기 인쇄된 책. 책의 참조(어떤 책에서 인쇄할지, 그리스어 또는 러시아어 등)에 대해 끊임없는 논쟁이 있습니다. Hagiographic 문학이 발전하고 있습니다. 일반적으로 17세기의 뛰어난 작가를 기억한다면 문학은 발전하고 있습니다. 시편 150편을 모두 구절로 번역한 폴로츠크의 시므온. 그리고 이 운율이 있는 시편은 사실입니다. 그것에 대해 논쟁도 있었고 격렬한 비판도 있었지만 이것은 17세기에 책을 좋아하는 눈에 띄는 현상입니다.

그러나 훨씬 더 흥미로운 예는 "Vertograd Prisoner"인 Nikita Pavlovets입니다. 하나님의 어머니의 아이콘. 하나님의 어머니, 17세기 그녀의 아이콘에게. 엄청난 관심. 많은 공개 아이콘, 기적의 아이콘이 나타나고 고대 러시아의 아이콘이 아닌 도시를 구하는 아이콘, 국가를 구하는 아이콘이 나타납니다. 그리고 가장 작은 사람들에게 기적을 보여주는 아이콘입니다. 예를 들어 요아킴 총대주교의 누이를 치유한 성상은 이제 “슬픔에 찬 모든 이들에게 기쁨”이라는 매우 존경받는 성상이 되었습니다. 아니면 전염병으로부터 마을을 구한 아이콘. 저것들. 아이콘은 매우 다양한 경우에 나타나며 기적을 보여줍니다.

하지만 이 아이콘은 일반 정원을 배경으로 그려졌기 때문에 우리에게 흥미로웠습니다. 저것들. 이미 70년대, 즉 17세기 후반에 완전한 유럽식 정원 가꾸기 시스템이 나타났고, 우리는 이 아이콘에서 이것을 볼 수 있습니다. 여기에 화분이 있는 잔디밭에 정원이 펼쳐져 있습니다. 나중에 우리가 17세기 문화에서 더 많이 알게 된 것입니다. 사실, 공원의 유럽 문화는 이미 Alexei Mikhailovich 아래에 나타났습니다. Alexei Mikhailovich 아래에는 극장이 나타나고 Alexei Mikhailovich 아래에는 parsun뿐만 아니라 초상화도 나타납니다. 네덜란드, 폴란드, 프랑스, 독일 등에서 온 실제 유럽 명장 10명 이상이 무기고에서 일하고 있습니다. 물론 17세기의 아이콘이기도 합니다. 이는 우리에게 17세기 문화 전반에 대한 완전히 새로운 이해를 제공합니다.

이 "Mountain Uncut" 아이콘의 원단을 보세요! 이것은 또한 당시 왕의 왕실에만 있었던 실제 직물을 반영한 것입니다. 일반적으로 패션의 개념은 정확히 17세기에 등장했습니다. 17세기 이전이라면. 의복은 당시 17세기에 매우 계급별로 달랐습니다. 평범한 도시 여성들도 이미 유럽 패션 트렌드를 모방하기 시작했습니다. 글쎄요, 나중에 베드로 시대와 같은 강도는 아닐 수도 있지만 그럼에도 불구하고 17세기에는 그랬을 것입니다. 그것은 이미 나타나고 있습니다.

기념비적인 예술의 새로운

기념비적 예술에서 어떤 일이 일어났는지 조금, 아주 조금만 다루겠습니다. 이는 지방 도시에서 볼가 지역의 상업, 산업, 발전된 도시 중 하나로 변하면서 번성하고 있는 야로슬라블에서 특히 두드러집니다. 그리고 교회 하나만 보여드리겠습니다. 바로 선지자 엘리야 교회입니다. 겉으로는 매우 전통적이지만 여기에는 Nikon이 싸웠던 텐트가 있습니다. 그는 소위 "신성한 5개 돔 구조"를 승인하고 텐트를 금지했습니다. 그러나 텐트는 대부분 종탑, 작은 교회 또는 예배당에 남아 있었지만 여전히 남아 있습니다.

물론 여기에는 매우 발전된 바로크 유형의 웅장한 다층 (여기에는 6 개의 계층이 있음) 아이콘이 있습니다. 하지만 특히 벽화가 어떻게 발전하는지 보여주고 싶었습니다. 16세기에 어느 정도 관찰되었던 디오니소스 전통은 여기서 완전히 잊혀졌습니다. 여기에는 완전히 다른 접근 방식이 있기 때문입니다. 첫째, 서사, 이야기, 삶에 대한 이러한 사랑이 여기에서 완전히 나타났습니다. 선지자 엘리야의 이야기가 자세히 전해집니다.

우리는 이 이야기를 열왕기에서 알고 있지만 여기서는 매우 자세하게 설명되어 있을 뿐만 아니라 성경에 없는 장면들에 훨씬 더 많은 내용이 추가됩니다. 이것은 다시 실제 생활의 장면입니다. 농업 작업 장면, 일종의 공예품입니다. 여기에는 이전 거장들이 노력했던 것처럼 유럽 건축물과 더 유사하며 확실히 중동이나 러시아가 아닌 건축물이 있습니다.

여섯째 날은 아주 자세하게 설명되어 있고, 묵시적인 주제도 아주 자세하게 설명되어 있습니다. 예를 들어 그리스도 께서 교회를 의미하는 여인을 용감하게 표현하신 "그리스도와 그의 신부, 교회"와 같은 우화 적 구성이 여기에 있다는 것이 훨씬 더 흥미 롭습니다.... 이전에는 하나님의 어머니와 교회 항상 결합되어 있었는데 여기서 교회는 이미 하나님의 어머니와 분리되어 있습니다. 반은 사제, 반은 세속적인 옷을 입은 친절한 여인이 앉아 있고 그리스도는 그녀에게 꽃다발을 선물합니다. 일반적으로 꽃다발 시스템, 꽃다발의 전통도 이때 나타났습니다. 이는 유럽의 전통이기도 하다.

그러나 가장 흥미로운 점은 이 교회와 다른 교회의 야로슬라블 대가들이 Stoglavy 대성당에서 아이콘 화가, 원본 아이콘 그림, 전면 및 비전면을 위해 권장한 비전통적인 컬렉션의 그림으로 사용되었다는 것입니다. 얼굴은 사진과 함께 있지만 설명만 있는 것도 있었습니다. 그리고 그들은 여기서 서유럽 판화, 특히 그들이 매우 좋아했던 Piscator Bible을 사용했습니다. 이것은 병기고의 대가들과 다른 예술가들이 그들의 도상 및 벽화 작품의 모델로 인식한 조각이 있는 네덜란드 성경입니다. 그 전에는 Rus의 그래픽이 그림의 형태로만 알려졌지만 여기서는 조각입니다. 음, 조각은 일반적으로 인쇄된 책과 관련하여 유행합니다. 그러나 이는 17세기 예술을 구별하는 완전히 새로운 요소이기도 하다. 이전의 모든 것에서.

아키텍처 자체가 변화하고 있으며, 매우 많이 변화하고 있습니다. 이 선지자 엘리야의 야로슬라블 교회가 일반적으로 17세기 전통에 끌리더라도, 예를 들어 17세기 후반 바로크 양식의 교회는 그렇습니다. 소위 모스크바 또는 Naryshkin 바로크라고 불리는 모스크바는 사원의 구조 자체를 완전히 변화시킵니다. 사원의 사각형이 이러한 피라미드 구성으로 보완되어 사원의 모습을 완전히 바꾸는 "사각형 위의 팔각형" 사원 시스템이 발생합니다.

눈에 띄는 예는 Streltsy 폭동 중에 탈출 한 Lev Kirillovich Naryshkin이 실제로 지은 Fili의 중보기도 교회입니다. Lev Kirillovich Naryshkin은 Peter의 어머니 Alexei Mikhailovich의 두 번째 부인 Natalya Kirillovna Naryshkina의 형제였습니다. 이것이 Naryshkin Baroque가 여기에서 나온 이유입니다.

그러나 훨씬 더 놀라운 것은 바로크 양식의 아이콘이 있는 이 교회의 내부입니다. 계층화된 작업으로서의 아이콘에 대한 우리의 모든 생각을 바꾸는 것뿐만 아니라 성경의 구조, 신성한 역사, 신약성서, 구약성서, 창세기 등이 제시되는 곳입니다. 여기서는 아이콘의 구조 자체가 변경될 뿐만 아니라 아이콘의 개념도 변경됩니다.

이 경우에는 조각 자체, 능숙하고 자유로운 해석, 둥글고 다면적인 카르투치 형태의 자유로운 형태뿐만 아니라 무기고 챔버의 아이콘 화가인 Karp Zolotarev 팀이 그린 아이콘도 있기 때문입니다. . Karp Zolotarev의 예술 작품이 이곳에서 아이콘 그림 작업에 참여했습니다. 그러나 여기서 Karp Zolotarev는 더 이상 아이콘이 아니라 그림을 그렸다고 말할 수 있습니다. 이것은 3차원 공간과 사실적으로 칠해진 직물뿐만 아니라 완전히 유럽적인 표현을 사용하여 유럽 그림을 더 연상시키는 전체 구성입니다.

성 캐서린의 성상 단 하나의 가치는 무엇입니까! 비문과 후광을 제거하고 쉽게 제거할 수 있다면 이미 후광이 있고 장식적인 역할만 하고 있다면 그것은 단순히 예쁜 여성의 초상화일 것입니다. 왕실, 아마도 왕실 출신일 수도 있습니다. 정말 좋은 아가씨입니다. 저것들. 17세기 말쯤이죠. 얼굴은 Simon Ushakov에서는 여전히 유지되는 절대적인 상징성을 잃었지만 Karp Zolotarev에서는 더 이상 유지하지 않습니다. 이는 진화의 지표입니다.

새로운 스타일에 대한 신랄한 비판

그리고 물론 여기서 우리는 이 스타일에 대한 비평가들, 우선 Archpriest Avvakum을 기억해야 합니다. 그건 그렇고, 17 세기 후반의 Old Believer 아이콘입니다. 아니면 18세기 초. 우리는 그를 더 이상 초상화가 아닌 상징적인 이미지로 봅니다. 이 아이콘은 고대 신자들이 보존하고 싶었던 것을 정확하게 보여줍니다: 상징성, 어둠, 비3차원 공간, 역방향 원근감 등.

그리고 매우 날카로운 혀를 가진 대제사장 Avvakum 자신이 이 새 편지를 어떻게 비판했는지 기억합시다. 물론 그는 주로 그의 이념적 반대자인 니콘 총대주교를 비판했습니다. 그는이 모든 것을 소개 한 사람이 바로 자신이라고 믿었고 말없이 그에게 편지를 썼습니다. 여기 개 Nikon은 독일 관습을 원했습니다. 물론 그는 모든 것에 대해 Nikon을 비난했습니다.

글쎄요, Archpriest Avvakum과 Patriarch Nikon 사이의 관계에 대한 역사는 매우 흥미 롭습니다. 왜냐하면 그들은 동포 였을뿐만 아니라 (그들의 마을은 서로 그리 멀지 않았 음) 한동안 친구였으며 같은 서클에 있었기 때문입니다. 고대 경건에 열광하고 매우 중요한 서적 참고 질문에 대해 논의했습니다. 그러나 우리는 정확히 무엇에 집중해야 하는지에 대해 의견이 일치하지 않았습니다.

대제사장 Avvakum은 러시아 책의 어떤 것도 만져서는 안되며, 거기에있는 모든 것이 진실이고 정확하며, 스며든 실수조차도 신성하다고 믿었습니다. 그리고 Nikon은 더욱 발전된 그리스와 서유럽 서적 전통에 초점을 맞출 필요가 있다고 믿었습니다. 베니스에서는 오랫동안 그리스 책과 러시아 책이 인쇄되었습니다. 글쎄, 여기가 그들이 헤어진 곳이다. 그리고 물론, 이 서쪽은 Nikon의 방향이 Archpriest Avvakum의 거부를 불러 일으켰습니다.

니콘 총대주교의 사본과 유토피아

그러나 Nikon이 얼마나 서양인인지 살펴 보겠습니다. 사실 이것도 여전히 지속되는 신화 중 하나이다. 사실 Nikon은 당시 말했듯이 Fryazh 편지의 지지자가 아니 었습니다. Fryazi - 이탈리아인들이 그렇게 불렸습니다. 물론 Karp Zolotarev는 이미 우크라이나, 서부 벨로루시가 아니라 정확히 이탈리아 인에게 절대적으로 초점을 맞추고 있다고 가정 해 보겠습니다. 그러나 Nikon은 이러한 혁신을 지지하지 않았습니다!

이것은 다음과 같은 사실에 의해 입증됩니다. 1 년 만에 정교회의 승리 주간이 있었고 우리는 이 휴일이 주로 아이콘 숭배와 관련이 있다는 것을 알고 있었고 Nikon은 모스크바 교회를 걸으며 나쁜 아이콘을 찢어 냈습니다. 그가 생각한 것처럼 벽은 쓸모없는 아이콘을 땅에 던져서 Muscovites를 크게 놀라게했습니다. 물론 사용할 수 없는 아이콘이 있어도 일반적으로 이런 식으로 처리하는 것이 관례가 아니었기 때문입니다. 그는 Fryazh 대본의 아이콘, 그에게 불충분하게 영적인 것처럼 보였던 아이콘을 정확히 벽에서 찢어 버린 것으로 밝혀졌습니다. 저것들. 그는 또한 이러한 혁신에 맞서려고 노력했습니다.

그러나 물론 아무도 성공하지 못했습니다. Nikon에서는 작동하지 않았고 오래된 편지의 안내를받은 것처럼 보이지만 실제로 Stroganov 마스터에서 멀지 않은 Old Believers에게는 작동하지 않았습니다. 그리고 일반적으로 이 프로세스를 중지하는 것은 더 이상 불가능했습니다. 예, 실제로 Nikon의 갈등은 Archpriest Avvakum뿐만 아니라 Tsar 자신과도 발생했습니다. 분명히 차르는 모스크바에서 바티칸만큼 예루살렘을 창조하지 않고 교황 자신처럼 되겠다는 니콘의 제국적 주장, 오히려 그의 주장에 지쳤습니다. 차르는 니콘과 의견 차이가 있었고 니콘은 그의 세습 수도원인 새 예루살렘으로 은퇴했습니다.

사실 여기에서 Nikon이 정말로 원했던 것이 무엇인지 알 수 있습니다. 물론 니콘은 거대한 아이디어와 거대한 지정학적 유토피아를 가진 사람이었습니다. 그리고 그는 자신의 세습 수도원을 예루살렘 중앙에 서 있고 가장 중요한 기독교 성지이자 고대 성지인 성묘 교회의 사본으로 만들기로 결정했습니다.

그는 이스트라 강의 영토를 샀고 나중에 그것을 요르단이라고 불렀습니다. 왜냐하면 이 영토가 그에게 예루살렘과 비슷해 보였기 때문입니다. 예루살렘에 가본 적이 없는 니콘은 성지를 그저 그렇게 대표했던 것 같습니다. 그리고 여기에 그는 여전히 우리를 놀라게 하는 부활 대성당과 수도원 단지를 건설했습니다. 그는 부활 대성당과 함께 성묘 교회의 정확한 계획을 취하기 위해 Trinity-Sergius Lavra Arseny Sukhanov의 수도사를 예루살렘으로 보냈고, 이 정확한 계획에 따라 그는이 성전을 짓기로 결정했습니다. 하지만 이 신사를 능가하고 싶지 않다면 그는 니콘이 아닐 것입니다. 그리고 그는 그녀를 능가했습니다. 왜냐하면 이 성전의 계획은 예루살렘 성전 자체의 계획보다 훨씬 더 복잡하기 때문입니다. 그리고 그는 매일 한 제단에서 섬길 수 있도록 여기에 365개의 제단을 쌓고 싶었습니다.

그런데 그는 자신의 계획을 끝까지 실행하지 않고 단지 성전의 기초만 놓고 부분적으로만 건축했습니다. 여기서 가장 좋아하는 프로젝트를 수행하고 수년 동안 이곳에서 살았던 Nikon은 모스크바로 소환되어 1666 년 모스크바 대평의회에서 대제사장 Avvakum의 사건을 조사하고 Nikon의 퇴위 인 Nikon을 수락했습니다. , 일반적으로 실패했다고 말할 수 있습니다. 그는 그들이 그를 쫓아갈 것이라고 생각했고, 그를 불러올 것이고, 그는 총대주교청으로 다시 부름을 받을 것이라고 생각했지만 이런 일은 일어나지 않았습니다. 그리고 Archpriest Avvakum과 Nikon 사이의 분쟁은 Tsar Alexei Mikhailovich the Quiet에게 유리하게 해결되었습니다.

여기서 나는 왕의 모습이 매우 신비롭다는 바로 그 생각으로 되돌아갑니다. 한편으로 그는 이 모든 논쟁에 대해 무관심한 것처럼 보였습니다. 반면에 러시아 교회와 러시아 문화의 운명을 결정한 사람은 바로 그 사람이었고, 푸스토체르스크로 유배되었다가 그곳에서 불태워진 아바쿰, 그리고 자신의 재산으로도 유배된 니콘이 아니라, 우리는 Dionysius가 그곳에서 일한 일을 통해 잘 알고 있지만 17세기에는 먼 Ferapontov 수도원이 있습니다. 승려들을 위한 감옥, 불명예스러운 계층을 위한 감옥이 되었습니다.

오늘 수도원이 복원되었습니다. 그건 그렇고, 니콘이 죽은 후인 18세기에 완성되었습니다. Elizaveta Petrovna의 지휘 아래 바로크 양식의 요소가 많이 있습니다. 니콘은 새 예루살렘 수도원으로 돌아갈 것이지만 그는 길에서 죽어 돌아올 것입니다. 그는 다음 차르인 표도르 알렉세예비치(Fyodor Alekseevich)에 의해 반환되었습니다. Nikon은 자신의 영지에 도달하지 못하지만 길에서 죽을 것이며 여기, 이 수도원 영토 또는 오히려이 사원 지하에 묻힐 것입니다.

물론 18 세기와 마찬가지로 복원되었지만 그럼에도 불구하고 수도원 주변 전체 영토의 이름을 바꾸는 Nikon의 거대한 아이디어... 이 개울은 뻗어있는 정원 인 Kidron 개울이라고 불 렸습니다. 물론 수도원 뒤에는 겟세마네 동산이라고 불렸습니다. 여기에 Nikon은 수도원을 짓고 사순절마다 이곳에서 퇴각했습니다. 저것들. 이 모든 것은 러시아를 신사 모음으로 바꾸려는 그의 장대 한 아이디어에 대한 기념비로 남아 있습니다. 그들은 예루살렘이나 아토스 등 어느 곳으로도 갈 필요가 없지만 여기 러시아에서 이러한 신사를 숭배하는 것으로 충분하다고 말합니다. 이것이 카피의 아이디어이다. 일반적으로 사본에 대한 아이디어는 17세기에 나타납니다. 예를 들어, 신의 어머니의 블라디미르 아이콘(Vladimir Icon)의 정확한 사본은 17세기에 처음 그려졌습니다. 신사의 사본, 전체 건축 구조의 사본-이것은 모두 17 세기의 아이디어입니다.

하지만 흥미로운 점은 Nikon이 독일 관습을 원하지 않았지만 그리스 관습이나 이상하게도 조지아 관습을 원했다는 것입니다. 이때 조지아와 긴밀한 관계가 확립되었습니다. 조지아는 러시아의 보호령을 요청하고, 조지아는 러시아에게 어떻게든 페르시아로부터 자신을 보호해 달라고 요청합니다. 그리고 러시아가 이에 참여하고 있습니다. 이것은 별도의 이야기이므로 지금은 다루지 않겠습니다. 그러나 니콘이 설립하고 건설한 세 개의 수도원 중 두 개가 특별히 조지아 문화를 지향하고 있다는 것은 흥미롭습니다. Iveron Athos Monastery는 조지아 수도원이었습니다.

Nikon은 Iveron Mother of God의 아이콘을 가져올뿐만 아니라 Valdai 호수의 Valdai에서도 Iveron Athos Monastery의 정확한 사본으로 Iveron Mother of God의 훌륭하고 참으로 아름다운 수도원을 세웠습니다. 하지만 니콘이 만든 또 다른 카피가 있습니다. 이곳은 그가 한때 항해를 하다가 폭풍을 피해 탈출했던 키이(Kiy) 섬입니다. 그는 그곳에 십자가를 세웠고, 이미 족장으로서 이 섬에 십자가 수도원을 세웠고, 이는 예루살렘에 있는 십자가 수도원의 사본이 되었습니다.

이것은 또한 조지아 수도원이었으며, 전설에 따르면 십자가 나무가 자란 곳에 세워졌습니다. 예수 그리스도께서 갈보리산에서 십자가에 못 박히실 때 십자가를 만든 나무입니다. 그분은 나무 세 그루를 합쳐서 만든 십자가에 못 박히셨습니다. 저것들. 전설에 따르면, 그의 십자가는 그런 놀라운 나무로 만들어졌다고 합니다. 이 나무가 있던 자리에는 십자가 수도원이 세워졌는데, 그것은 그루지야 시대의 건물이었고 쇼타 루스타벨리(Shota Rustaveli)도 한때 그곳 수도원의 거주자였습니다. 그리고 Nikon의 경우 조지아가 서유럽이 아닌 실제 정교회 왕국의 상징으로 밝혀진 것은 매우 놀랍습니다.

모스크바 교회 중 하나, 즉 Krapivniki의 Sergius 교회에는 소위 Kiy 십자가가 보존되었습니다. 얼마나 많은 유물과 성자가 삽입되어 있는지 모르겠지만 니콘의 요청으로 만들어진 십자가입니다. 그래서 그는 이 성물들을 모아 아마도 이 십자가에 대부분을 넣었을 것입니다.

Armoury Chamber의 마스터 중 한 명인 Ivan Saltanov는 "Kiysky Cross"라는 아이콘을 만들었습니다. 여기서 그는 다가오는 Konstantin, Elena, Alexei Mikhailovich 및 Queen Mary뿐만 아니라이 신사와 함께 많은 유물과 함께이 십자가를 선물했습니다. 무릎을 꿇은 니콘. 글쎄, 물론이 아이콘은 Nikon이 불명예를 당하지 않았을 때 만들어졌으며 Nikon은 차르의 가장 친한 친구이자 그의 고백 자였습니다. 이것은 니콘 통치의 상징이자 17세기에 창조된 문화의 상징이라고 말할 수 있습니다. 외부의 화려함이 신사에 대한 특별한 태도와 결합되고, 새로운 경건이 러시아의 특별한 지정학적 중요성에 대한 아이디어와 결합되었습니다 .

불행하게도 17세기. 분할로 끝났습니다. 불행하게도 Nikon과 Alexei Mikhailovich의 머리 속에 있던 대부분의 아이디어는 유럽 국가인 러시아에서는 결실을 맺지 못했을 수도 있습니다. 그리고 금세기가 분열로 끝났다는 사실, 알렉세이 미하일로비치의 아들 인 다음 차르 피터 1 세가 총 대주교를 완전히 폐지하고 차르와 총 대주교 사이의 이러한 모든 논쟁을 살펴보면서 많은 것을 말해줍니다. 세기는 고난의 시대로 시작되어 고난으로 끝났습니다. 반역시대라고 불리는 것은 우연이 아니다. 그것은 Streltsy 폭동과 분열로 끝났습니다.

세기는 파멸로 시작되어 아마도 문화의 번영에 이르렀지만 그 자체로는 매우 불완전하고 새로운 것을 준비했지만 아직 태어나지 않은 문화였습니다. 그리고 피터는 문자 그대로 이 새로운 아기에 대해 제왕절개를 시행했습니다. 왜냐하면 그가 이 아기가 인공적으로 태어나도록 도왔기 때문이라고 말할 수 있습니다. 이는 17세기 유럽 수준의 문화이다. 그것에 부응하지 못했지만 이미 18 세기에있었습니다. 이것은 왕 자신의 폭력적인 손에 의해 이루어졌습니다.

글쎄요, 지금은 17세기입니다. 그 결과는 매우 흥미롭고 일반적으로 그 문제는 아직 이해되지 않은 것 같습니다. 이것이 바로 전문가조차도 이에 대해 그렇게 다른 태도를 갖는 이유입니다. 어떤 사람들은 그것을 늙은 러시아 전통을 마무리하는 세기라고 생각하고 다른 사람들은 반대로 새로운 유럽을 시작하고 현대 유럽 시간을 피터가 아닌 17 세기부터 고려하는 것이 옳다고 생각합니다. 어떤 사람들은 금세기를 전통의 종말이라고 생각하고 다른 사람들은 반대로 전통의 부활이라고 생각합니다. 일반적으로 세기는 정말 매우 어렵습니다.

출처

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